Kitabı oku: «Mujeres, cámara, acción»

CAPÍTULO 2

Actrices, el cine de las estrellas

“Tita Merello no creó un personaje: fue el personaje el que la creó a ella (…) salió adelante en un mundo masculino y machista y se hizo respetar a la fuerza y triunfó donde otros solían fracasar”.

Ronald Melzer¹

La historia de famosas inolvidables y populares en nuestro cine se puebla de actrices con personalidad contundente. Algunas encarnaron a la perfección el modelo de las divas del teléfono blanco. Otras quedaron atrapadas en el rol de mujeres fatales. Hubo un bando especialmente buscado de las ingenuas, heroínas blancas, dulces, tranquilizadoras. Algunas fueron geniales al cultivar el humor. Fueron cabeza de elenco, de compañías propias. Vivieron en un mundo donde las decisiones las tomaban los hombres, pero ellas se ganaron su lugar y plantaron bandera, con su fama lograron su porción de poder.

Tita, la arrabalera

En la gran tradición de las protagonistas femeninas, la figura de Tita Merello destaca por muchas razones. Por su longeva carrera, por independiente y por tomar iniciativas. Por plantarse en el mundo con una personalidad única, con una historia de vida que inspiró una obra de teatro que personificó Nacha Guevara, otra que interpretó Virginia Innocenti y una película que dirigió María Teresa Costantini.

De orígenes muy humildes, al punto que su madre la llevó a un asilo porque no tenía para darle de comer, boyerita en un campo con un trabajo prácticamente esclavo, analfabeta hasta la mayoría de edad, talló su carácter volcánico para poder sobrevivir y hacerse famosa.

A los 97 años, el 3 de diciembre de 2001, cuando ya vivía en la Fundación Favaloro, apareció por última vez en Canal 13, en un reportaje que le hizo quien escribe. La excusa era pedir ayuda para la fundación, luego del suicidio de su creador. Y ahí, un año antes de su muerte, vivaz y lúcida, dejó plasmadas algunas de sus sabias frases: “Me faltó un amor, me faltó haber tenido tal vez un hijo…”. “Los que recién llegan, los nuevos, que tengan paciencia, que la lucha es larga. Es como aquello de conservá la flauta que la serenata es larga...”. “La vida es dura, no es fácil… Por eso la mía fue una vida linda”. “¿Mi carácter? Es como tiene que ser todo carácter, desconfiá de los pasivos: son los que te encajan la puñalada. A mí se me conoce. Soy chinchuda, soy rebelde. Pero siempre tengo la mano en el bolsillo para dar. Eso es lo que cuenta…”. “¿Cómo me gustaría que me recuerden? Como a una actriz que no defraudó en su carrera. Cuando pisé por primera vez un escenario me echaron y yo les dije: no me voy a ir, voy a volver y volví…”.

Cuando terminó la entrevista, ya sentada en una silla de ruedas, le pidió a su asistente que la llevara a la calle para tomar sol. De su bolsito sacó un sombrerito de pescador y se lo puso con una acotación de puro recuerdo y emoción. “¿Sabés de quién era este sombrero? De Luis Sandrini…”. El hombre que fue el amor de su vida y la marcó a fuego durante tantos años, al que le escribió un tango y nunca olvidó. Por todo esto, y mucho más, su vida inspiró ficciones y una admiración indeleble.

Una lectura de sus actitudes la muestra en el centro de los derechos femeninos. Cuando llegó a la edad madura, en famosas apariciones televisivas abogaba para que todas se hicieran el Papanicolau, el estudio para detectar precozmente el cáncer cervicouterino. Contribuyó mucho a que las mujeres se apropiaran de su propio cuerpo para cuidarlo. Solía decir: “Al machismo no lo conozco, pero quien llegaba a mi vida y se ponía machista yo le daba el raje”.

Y por si fuera poco cuestionó y se impuso al modelo de belleza hegemónica de su época. Y aunque el amor por el hombre de su vida atravesó su mundo emotivo, también supo ejercer su libertad de deseo en una sociedad pacata e hipócrita.

Nació como Laura Ana Merello en San Telmo, en un conventillo, hija de un cochero, Santiago Merello, y de una planchadora, Anna Gianelli, que en ese momento era menor de edad. La muerte de su padre y la extrema pobreza impulsaron a su madre a una decisión que era común entre los olvidados de entonces, dejarla en un asilo para asegurarle el alimento.

Solo tenía diez años cuando la llevaron a trabajar al campo, supuestamente para mejorar su tuberculosis. En su libro autobiográfico, recuerda: “Trabajaba como un hombrecito entre los hombres. Pasaban los días, las noches y nunca un gesto de ternura”².

Ya consagrada, con una mirada en su pasado, aseguró en un reportaje a Clarín: “Era una niña triste, pobre y además fea. Presentía que iba a seguir siéndolo siempre. Después descubrí que no hace falta ser bonita. Basta con parecerlo”.

Se reencontró con su madre años después, en Buenos Aires, pero ella estaba muy enferma y murió muy rápido. Empezó un camino difícil de actuaciones en tugurios y su encuentro con Eduardo Borrás la saca del analfabetismo a los 19 años, ya que él se preocupó por enseñarle a leer y escribir. Tita jamás pudo concurrir a una escuela.

Sigue un itinerario de vedette, de cantante y el reconocimiento de un estilo desenfadado, cómico y arrabalero, hermanado con Sofía Bozán, para el título del tango reo, pícaro, irónico y trasgresor. Esa marca distintiva la consagró como cantante antes de su llegada al cine por la puerta del famoso film Tango (1933). Dirigida por Luis Moglia Barth, ahí encabezaba el elenco con Azucena Maizani, Libertad Lamarque, Mercedes Simone, Alicia Vignoli. Era el 27 de abril de 1933, y el cine sonoro argentino daba su primer gran golpe, como lo definió Domingo Di Núbila: aunaba un argumento con letras tangueras, pero se animaba con algunos diálogos de sabor porteño.

Tita cantó “Yo soy así pa’l amor” y desató un conflicto cuando le dice a su enamorado que lo quiere “como a un amigo”. Entonó varios tangos, incluso uno propio, “Cantando”. Fue tal el éxito que el público concurría dos y tres veces a ver esta película, que se definió como “imán de multitudes”.

Después de este debut llegaron los títulos de una filmografía larga: Ídolos de radio (1933), Noches de Buenos Aires (1935), Así es el tango (1937), La fuga (1937), Ceniza al viento (1942), 27 millones (1942), Cinco rostros de mujer (1947, en México), Don Juan Tenorio (1949), La Historia del tango (1949), Morir en su ley (1949), Filomena Marturano (1950), Arrabalera (1950), Los isleros (1951), Vivir un instante (1951), Deshonra (1952), Guacho (1954), Mercado de Abasto (1955), Para vestir santos (1955), El amor nunca muere (1955), La morocha (1958), Amorina (1961), Los evadidos (1964), Ritmo nuevo, vieja ola (1964), La industria del matrimonio (1964), Los hipócritas (1964), ¡Esto es alegría! (1967), El andador (1967), ¡Viva la vida! (1964), La madre María (1974), El canto cuenta su historia (1976), Los miedos (1980) y Las barras bravas (1985).

Identificada con el peronismo, con el golpe militar de 1955 fue proscripta. Tuvo que alejarse del cine, del teatro, de la radio. Intentó volver a México, pero no logró acomodarse a un ambiente que era muy distinto del que conoció cuando viajó con Sandrini. Fue en los años sesenta cuando reapareció con todo su esplendor en Amorina, dirigida por Hugo del Carril.

Ya instalada en televisión aseguraba: “Necesito hablarles a las mujeres, obligarlas a que no duerman la siesta, porque la siesta engorda y envejece”. Aquí también dejamos otras de sus frases y testimonios emblemáticos: “Soy una tremenda pecadora, porque fui una buscadora del amor. No me daba cuenta de que el amor no se busca, se encuentra”; “A los 19 yo ya sabía lo que era la vida, sobre todo porque a esa altura ya se me habían destruido unos cuantos sueños”; “Creo en los santos porque nunca me han prometido nada y no me han mentido”; “Poca cosa hace falta para que el corazón de una mujer se encoja y quepa en una cajita de fósforos”.

Sin duda, una verdadera “mujer de fuego” que encendió llamaradas de independencia a los codazos, con poca ayuda y mucho fervor.

Zully Moreno, la Greta Garbo local

En las antípodas de Tita Merello, Zully Moreno es la figura de una verdadera diva al estilo hollywoodense que paseó su éxito por el mundo. Hermosa rubia platinada de cejas finitas y ojos entrecerrados logró llegar a los protagónicos a la medida de sus sueños de Villa Ballester.

Medía un metro setenta y dos, y aunque al principio lucía un poco gordita y desgarbada, se impuso un refinamiento con resultados de diva.

Elegante y misteriosa, conocedora de la moda, en su época de esplendor se compraba de su bolsillo un vestuario y joyas inaccesibles para cualquier presupuesto. Dotada para la comedia, fue en el melodrama y el drama donde imprimió su impronta de estrella poderosa en los años del cine nacional, y se preocupó especialmente para mejorar como actriz.

También su propia historia es digna de una película, con todos los matices. Un comienzo duro, el ascenso, la fama, el exilio, el dolor, la depresión y un retiro prematuro que cimentó aún más su leyenda. Solo tenía 39 años cuando desapareció de la vida pública.

Nació en Villa Ballester el 17 de octubre de 1920. Pero la infancia sin preocupaciones terminó cuando murieron su padre y su hermano mayor. Apenas pudo, trabajó para aportar al presupuesto familiar.

En esos comienzos en una tienda donde trabajaba con un famoso vestuarista, Ramón Both Deles, y en sus primeros pasos en el cine como extra llegaron las inevitables humillaciones: la criticaban por su altura y decían que no podía dedicarse al cine porque no entraba en cuadro y que era mucho mejor para las tareas domésticas. Los comentarios despreciativos para la figura de la mujer existieron siempre.

Cuenta la leyenda que quien reparó en ella fue Niní Marshall, una suerte de madrina artística, cuando hacía de extra en Cándida. Le pidió al director un primer plano para agregar belleza a la producción. Así fue como comenzó una carrera ascendente en la que demostró que sabía no solo de moda (introdujo a Horace Lannes al mundo del cine), sino también de iluminación.

Cuando se enamora de Luis César Amadori armaron un equipo de igual a igual, realmente imparable. Se casaron y llegó el éxito de Dios se lo pague, el primer film argentino en ser elegido para optar por un Óscar como el mejor film extranjero, de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood.

La película se exhibió en Londres y Nueva York y marcó la entrada de la dupla a Argentina Sono Film, que terminó siendo de su propiedad. Después rodó muchos films: De México llegó el amor (1940), Por la luz de una estrella (1941), Orquesta de señoritas (1941), Los martes orquídeas (1941), Papá tiene novia (1941), Cuento de crímenes (1942), Fantasmas en Buenos Aires (1942), El pijama de Adán (1942), Un ángel vino del cielo (1942), El profesor cero (1943), En el último piso (1943), Apasionadamente (1945), Stella (1945), Su hermana menor (1945), Cristina (1946), Dos ángeles y un pecador (1946), Celos (1947), La gata (1947), Nunca te diré adiós (1947), el punto de inflexión con Dios se lo pague (1948), La trampa (1949), Nacha Regules (1950), Tierra baja (1951), Pecado (1951), María Montecristo (1951), Los no deseados (1951), La mujer de las camelias (1953 que ganó un Golden Globe), La dama del mar (1954), La calle del pecado (1954), El barro humano (1955), El amor nunca muere (1957), Madrugada (en 1957, por el que ganó un Goya), Amor Prohibido (1958), La noche y el alba (1958), Una gran señora (1959) y El fraude fabuloso (1960).

Con la caída de Perón, Zully Moreno se exilió con su marido en España. Ella siguió filmando, recibió premios y ofertas para trabajar con los actores más famosos del momento, como con Vittorio Gassman, pero no las aceptó. Regresó a nuestro país en 1970; un año más tarde fallece el hombre de su vida y la depresión en la que se sumerge por ese dolor fue terrible.

No volvió a trabajar como actriz. Apareció por última vez en público en el teatro Maipo, de su propiedad, espléndida y lejana en un palco, siempre inalcanzable. Fueron breves minutos durante los aplausos del final de función de una obra. Todas las miradas convergieron en esa mujer vestida con trajecito blanco, tan acorde con su misterioso perfil bajo.

Niní Marshall, la dueña del humor

Niní fue una marca registrada del humor en el cine argentino. Una mujer que con una enorme capacidad de observación creó personajes inolvidables; escribía también sus propios libretos con un trabajo minucioso en los detalles y una capacidad de retratar a toda una sociedad que había bajado de los barcos para instalarse en nuestro país o a quienes decían ostentar orígenes autóctonos de clase. La agudeza y el toque de ternura transformaban a sus criaturas en aceptables y singulares.

La galería de personajes incluye a Cándida, Catita, el Mingo (hermano de Catita), la bella Loli, doña Pola, la niña Jovita, Mónica (la señora bien orgullosa de sus orígenes), creaciones que luego llegaron al teatro y a la tele en su inolvidable show “Y se nos fue de repente”. Aceptadas y festejadas hasta 1943, cuando fue cuestionada y censurada en la presidencia de facto de Pedro Pablo Ramírez “por deformar la lengua e influir en el pueblo que no tiene capacidad de discernir”. No se la volvió a escuchar en la radio hasta 1954.

Cuando llegó la oportunidad de llevar sus creaciones al cine, Niní dudó mucho y contó en una entrevista: “Yo no quería hacer cine ni a cañón, porque tenía miedo de que el prestigio que había conseguido en la radio se echara a perder con mi imagen. Imagínense, salgo yo, petisita, feúcha…”.

Por suerte sus miedos fueron infundados. Marina Esther Traverso, su verdadero nombre, tenía el recelo de lo conseguido con mucho esfuerzo: huérfana de padre muy chica, la menor de seis hermanos en un hogar de clase media, trabajó mucho para conseguir su lugar en el mundo radial.

Periodista primero, redactora publicitaria después, se casó primero con un ingeniero ruso con el que tuvo a su única hija, Angelita; su matrimonio naufragó cuando el marido perdió todos sus bienes en el casino. Por eso fue recién a los 29 años que se vio obligada a trabajar y a transformarse en una mujer independiente.

Fue su manera de ser, tímida socialmente, un rasgo que se profundizó con los años, pero al mismo tiempo era profundamente payasa, tanto en los recreos del colegio como en su vida social. En los momentos de distensión imitaba a todo el mundo. Después de presentarse a varios concursos y ganar uno como cantante, alguien la pescó haciendo humor y ese fue su pasaporte a la ficción y el protagonismo.

Su segundo matrimonio, con Marcelo Salcedo, la ayudó a definir su nombre profesional, una mezcla de “Mar” por el nombre y “Sal” por el apellido (y unos agregados después por errores de impresión en sus notas).

Cuando llegó al cine, esta mujer creativa, una suerte de Lucille Ball de nuestras tierras, si bien no escribía los guiones, tenía la potestad de cambiar todas las líneas de diálogo de sus personajes, y otra leyenda asegura que su ojo inteligente y entrenado era de “ayuda” innegable para los directores.

Filmó durante 50 años 38 películas, 28 en Argentina, nueve en México y una en España. Entre nosotros filmó Mujeres que trabajan (1938), Divorcio en Montevideo (1939), Cándida (1939), Casamiento en Buenos Aires (1940), Los celos de Cándida (1940), Hay que educar a Niní (1940), Luna de miel en Río (1940), Yo quiero ser bataclana (1941), Orquesta de señoritas (1941), Cándida millonaria (1941), La mentirosa (1942), Cándida, la mujer del año (1943), Carmen (1943), Madame Sans Gene (1945), Mosquita muerta (1946), Santa Cándida (1945), Una mujer sin cabeza (1947).

Luego continuó con Buenos Aires canta (1947), Navidad de los pobres (1947), Porteña de corazón (1948), Mujeres que bailan (1949), Catita es una dama (1956), Cleopatra era Cándida (1964), Escándalo en la familia (1967), Ya tiene comisario el pueblo (1967), La novela de un joven pobre (1968), Vamos a soñar con el amor (1971) y ¡Qué linda es mi familia! (1980).

Teniendo en cuenta la cronología de sus películas, se advierte que en 1950 sufre una segunda censura. Los rumores de la época aseguran que en una fiesta imitó brevemente a Eva Perón, por entonces primera dama. Una de las testigos fue Fanny Navarro, la amante de Juan Duarte. Según Clarín, en una investigación de Florencia Werchowsky, la supuesta burla provocó que la actriz no pudiese filmar en nuestro país hasta 1952.

Niní conoció enormes éxitos, unos pocos fracasos, y quedó en la memoria popular como la propietaria de la risa. Aún hoy sus films conservan una gracia inocente pero innegable. Mujer poderosa a fuerza de talento. Inimitable.

Libertad Lamarque, la reina del melodrama

Según Ricardo Manetti, Libertad Lamarque supo, en su larga carrera cinematográfica, “entender el deseo de los espectadores, erigirse en mujer a quien los inconvenientes definitivos no consiguen sepultar, en ama de casa y en mujer casadera, en hermana, en hija y en madre. Supo derrochar simpatía y bañar en lágrimas las mejillas de sus maridos, novios e hijos de ficción. En la cinematografía mexicana, exigió personajes de buena mujer, con dignidad, sin la altivez esquiva de la divas aztecas”.

Menuda, dueña de una voz que le dio fama rotunda en todo el continente, aunque un “poco aflautada” según su autocrítica, fue una diva indiscutida. “La novia de América” cuando se estaba a años luz de figuras del entretenimiento en términos globales. Fue su papá quien impulsó su carrera. En realidad, la vida de Lamarque también da para un argumento excepcional de cualquier película de su estilo.

Su padre, que la bautizó con ese nombre por ser anarquista, era un hojalatero que se casó con doña Pepa, una viuda varios años mayor y con siete hijos. Con ella tuvo a la futura famosa: primero como cantante y luego consagrada como actriz. En su autobiografía recuerda esos tiempos en que se compraba ropa de segunda mano para guardar las apariencias lujosas en una sociedad que le daba al aspecto un valor superlativo.

Lamarque se casó antes de la mayoría de edad con Emilio Romero, un apuntador del teatro Smart. Y tuvieron una hija, Mirtha. Un confuso episodio dio por terminado el matrimonio cuando la cantante y actriz se cayó desde el balcón del dormitorio de un hotel en Chile en el medio de una gira, según lo cuenta ella en un intento de fuga mezclado con ganas de suicidarse. Otro episodio envuelto en aires de folletín ocurrió cuando debió rescatar a su hija en Montevideo porque su exesposo la había literalmente raptado. Fue su segundo marido, el director de orquesta Alfredo Malerba, su gran compañero.

Asociada para siempre con el supuesto cachetazo que le dio a Eva Duarte durante la filmación de La cabalgata del circo (1945), ella lo desmentía empeñosamente cada vez que se lo preguntaban. Y así lo publicó en su autobiografía. Pero la enemistad existió. Porque Libertad estaba disgustada con los supuestos beneficios de los que gozaba la dama joven del film, como llegadas tarde y la suspensión de filmaciones con todo preparado para rodar. Lamarque los enumera uno por uno y también confiesa que en dos oportunidades Eva Duarte le pidió ser invitada a tomar el té a su casa, porque quería ser su amiga, y ella no quiso saber nada. Ante testigos. Lo cierto es que la Lamarque se fue a México en aquellos años y prosiguió una carrera internacional que siguió prácticamente hasta su muerte.

Esta es su filmografía: ¡Tango! (1933), El alma del bandoneón (1935), Ayúdame a vivir (1936), Besos brujos (1937), La ley que olvidaron (1938), Madreselva (1938), Puerta cerrada (1939), Caminito de gloria (1939), La casa del recuerdo (1940), Cita en la frontera (1940), Yo conocí a esa mujer (1942), Una vez en la vida (1942), En el viejo Buenos Aires (1942), Eclipse de sol (1943), El fin de la noche (1944), La cabalgata del circo (1945), Romance musical (1947), Gran casino (1947), Soledad (1947), La dama del velo (1949), Otra primavera (1950), Huellas del pasado (1950), La marquesa del barrio (1951), La mujer sin lágrimas (1951), La loca (1952), Te sigo esperando (1952), Mi campeón (1952), Rostros olvidados (1952), Acuérdate de vivir (1953), Nunca es tarde para amar (1953), Ansiedad (1953), Reportaje (1953), La infame (1954), Cuando me vaya (1954).

Continuó con Si volvieras a mí (1954), La mujer X (1955), Historia de un amor (1956), Bodas de oro (1956), Bambalinas (1957), La mujer que no tuvo infancia (1957), Cuatro capas (1958), Sabrás que te quiero (1958), Mis padres se divorcian (1959), Yo pecador (1959), La cigüeña dijo sí (1960), Creo en ti (1960), Amor en la sombra (1960), Bello recuerdo (1961), El pecado de una madre (1962), El cielo y la tierra (1962), La canción del alma (1964), Canta mi corazón (1965), Los hijos que soñé (1965), Arrullo de Dios (1967), El hijo pródigo (1969), Esmeralda (1970), Rosas blancas para mi hermana negra (1970), La sonrisa de mamá (1972), Negro es un bello color (1974), La loca de los milagros (1975) y La mamá de la novia (1978). Su carrera continuó en televisión con participaciones especiales en telenovelas que la mantuvieron vigente hasta sus últimos días siempre en papeles de buenas mujeres sufridas.

Coca Sarli, la imagen del deseo

Una anécdota pinta la importancia internacional de esta actriz argentina que, en sociedad con Armando Bo, como estrella y director, desarrolló un cine de contenido erótico que en ese tiempo fue despreciado en la Argentina, pero de un éxito fenomenal en el mundo y mucho tiempo después revalorizado. En la edición número 20 del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), el legendario director John Waters (el mismo de Pink Flamingos, Polyester, Hairspray) fue el invitado estrella. Creador políticamente incorrecto, pionero en la defensa de la diversidad cultural y crítico del establishment, sin dudas un referente del cine independiente, es además un ferviente admirador de Isabel “Coca” Sarli. Ya en Buenos Aires para participar de la muestra, no quiso perderse la oportunidad de conocer a la actriz. Ese encuentro quedó registrado en un video que se exhibió al público antes de la presentación del film Fuego.

Pero la historia de su protagonista, única en su tipo, habla de sencillez, timidez y entrega. Esa mujer abierta y adorable, sensual y deseada al mismo tiempo, que nació de una pareja no unida en los papeles, que sufrió la pérdida de su hermanito de pocos años y la desaparición de su padre biológico, luchó aunada a su madre para conseguir sobrevivir.

Alguna vez confesó en un reportaje de Radiolandia que su fantasía era tener una habitación forrada de fiambre: es que las privaciones se hicieron sentir cuando era chica. Su padre reapareció con el éxito de su hija, pero ella esquivó todo contacto.

Ya adolescente y dueña de una gran belleza en tiempos en los que el bisturí no intervenía, estudió para ser una secretaria perfecta y su dominio del inglés iba a resultarle fundamental en su vida. Tuvo un primer matrimonio breve con Ralph Jurgen Heinien, que duró menos de un año. Y después, cuando se consagró como Miss Argentina, conoció al amor de su vida: su socio creativo, Armando Bo. Él la llevaría a protagonizar El trueno entre las hojas, con el primer desnudo frontal del cine argentino (alguna vez Isabel contó que Armando Bo la engañó y la hizo nadar para la escena, asegurándole que solo haría tomas lejanas).

Desde ese momento hasta la muerte del realizador hicieron una vida y una carrera juntos. Lucharon contra la censura, en una sentada en Plaza de Mayo, y contra la pacatería de la época. Pero sus estrenos eran acontecimientos masivos e increíbles, con gente enloquecida por verla de cerca.

“Se puede entender el fenómeno Sarli (…) sin nunca desentenderse del contexto histórico que los produjo. Sarli era fruto prohibido, la mujer imponente e inquietante que surgía en El trueno entre las hojas y que mantendría un reinado de más de una década en ese ente inasible llamado imaginario popular”, analiza Diego Lerer en Clarín³.

La sensación Sarli-Bo pasó rápidamente las fronteras de nuestro país: esa mujer de medidas perfectas era una diosa que seducía al mundo. Su foto tamaño natural puede encontrarse en un restorán de Italia, sus películas aún hoy se repiten en los circuitos eróticos, o directamente son valorizadas con una mirada actual lejos de los prejuicios, por las cabezas más abiertas y divertidas.

Isabel Sarli fue en cine una mujer y en su vida, otra. Pero consciente de su poder. Ese amor por Armando Bo solo se cortó con la muerte. Con él nunca firmó ningún contrato, pero por su conocimiento del inglés ella era la que firmaba todos los papeles en el exterior que la acreditaban como socia del director, un detalle fundamental a la hora de que le fueran reconocidos sus derechos.

Armando Bo nunca se separó de su mujer legal. Isabel y su esposa aceptaron la relación, al igual que los hijos de Armando. Víctor trabajó con ellos, las hijas le encargaban a Isabel compras en el exterior que ella cumplía religiosamente. Todo un toque de modernidad en materia de acuerdos.

Por un lado, era la mujer que se plantaba junto a su pareja para luchar contra la censura, la que le podía pegar un cachetazo a un cura espantado que la trataba como el demonio personificado. Por otro lado, era la mujer sencilla, la que armó su familia con sus dos hijos adoptivos, la que vive en su mansión con sus muchos animalitos. Supo tener un ciervito al que le ponía cinta manillar en la terminación de cada cornamenta para que no lastimara. Había armado un microcine en su garaje donde le pasaba a su madre sus películas, cortando sus desnudos (es que cuando doña María Elena Sarli vio la primera película, la tomó tan de sorpresa que le dio a su hija una golpiza memorable).

Salvo cuatro películas, Setenta veces siete (1961) que filmó con Leopoldo Torre Nilsson, La diosa virgen (1973) con Dick de Villiers, La dama regresa (1966) con Jorge Polaco, con quien hizo también una participación en Arroz con leche, y Mis días con gloria, de Juan José Jusid, el resto de sus films lo hizo con Armando Bo como director: El trueno entre las hojas (1957), Sabaleros (1959), India (1959), Y el demonio creó a los hombres (1960), Favela (1961), La barrerita de Ipacaraí (1962), La diosa impura (1963), Lujuria tropical (1963), La leona (1964), La mujer del zapatero (1965), Los días calientes (1966), Mujer y tentación (1966), La señora del intendente (1967), La mujer de mi padre (1967), Carne (1968), Desnuda en la arena (1969), Fuego (1969), Embrujada (1969) y Éxtasis tropical (1970). Al año siguiente llegó Fiebre (1971), después, Intimidades de una prostituta (1972), Verano ardiente (1973), La diosa virgen (1974), Una mariposa en la noche (1979), El último amor en Tierra del Fuego (1979), Una viuda descocada (1980) y La viuda insaciable (1984).

Según Elena Goity en La Nación, “los que defendieron todo el cuerpo cinematográfico de la pareja Sarli-Bo lo hicieron desde una postura camp y posmoderna, consideraron meritoriamente la absoluta libertad creativa, fruto de la total ausencia de prejuicios”.

Isabel Sarli, la mujer que pobló las fantasías eróticas de millones, fue y es una señora plantada en el mundo para desafiar lo que sea.

Nuestras actrices

En esta larga tradición del protagonismo femenino, nuestra historia y nuestro presente cinematográfico es variado, rico, con personalidades excepcionales vigentes y recuerdos imborrables. Desde las pioneras en los albores de nuestro cine Orfilia Rico, María Padín y Camila Quiroga, por solo nombrar algunas.

En este repertorio nos encontramos con adorables heroínas blancas, puras como las incomparables María Duval de las comedias familiares de los años cuarenta (Su primer baile, La novia de primavera, Cada hogar es un mundo, Los chicos crecen) o como Delia Garcés (La maestrita de los obreros, La dama duende, Malambo), o personalidades como Mecha Ortiz, que se caracterizó por encarnar a mujeres fuertes, independientes, una de las figuras relevantes de la época de oro del cine argentino, con películas audaces como Safo, historia de una pasión, Madame Bovary, La rubia Mireya, Deshonra, Vidas marcadas, El gran secreto, El canto del cisne. Otra gran actriz, Amelia Bence, la de los ojos increíbles, famosa por El tercer beso, Lauracha, A sangre fría, La danza del fuego. Desde su participación en La guerra gaucha, Los ojos más lindos del mundo, Todo un hombre, tuvo una vida larga, premiada, de gran trayectoria en el teatro con giras internacionales.

Fanny Navarro, la de los policiales negros, con temáticas fuertes e innovadoras para la época: Morir en su ley, Marihuana, Suburbio, Deshonra. Su vinculación con el peronismo y su romance con Juan Duarte le valieron crueldades, olvidos, locura; destino trágico que inspiró documentales, investigaciones, obras.

Ana María Lynch (Los invictos, La suerte llama tres veces, La bestia humana, La Quintrala): una mujer bella y fuerte, con una historia amorosa tormentosa con Hugo del Carril, que luego emigró a Estados Unidos. Casada con el director Hall Bartlett, y con el nombre de Ana St. Clair intervino en dos filmes dirigidos por su esposo.

La gran tradición de mujeres cómicas, protagonistas de comedias exitosas, como Olinda Bozán, Paulina Singerman, Leonor Rinaldi. Matronas inolvidables como Amalia Sánchez Ariño. Grandes nombres como Julia Sandoval, Alba Mujica, Eva Franco, Nelly Panizza. Figuras que surgieron a veces en contraposición a otras, como Laura Hidalgo, la hermosa morocha rival de Zully Moreno, o Libertad Leblanc como la platinada frente a Isabel Sarli.

Y la audacia inolvidable de una Olga Zubarry cuando fue la protagonista de El ángel desnudo, de 1946, en el que se veía su espalda desnuda, toda una novedad para la época. Trabajó en el cine argentino hasta 1997, cuando se retiró y dejó films inolvidables como Los pulpos, Hijo de hombre, El extraño caso del hombre y la bestia, Marianela, El vampiro negro.

Imposible olvidar a las llamadas tres ingenuas jóvenes Elsa Daniel, Gilda Lousek y la de la trayectoria siempre reinventada, Graciela Borges. Elsa conquistó el estrellato como la ingenua en films de Leopoldo Torre Nilsson como La casa del ángel, La caída y La mano en la trampa. Su recordado trabajo con Leonardo Favio en El romance del Aniceto y la Francisca; y Los inconstantes y Ufa con el sexo, con Rodolfo Kuhn. Gilda Lousek, la de Los tallos amargos, con Fernando Ayala, o Una cita con la vida de Hugo del Carril. De todas ellas, Graciela Borges es la más vigente y prolífica. Considerada una primera dama del cine nacional, es reconocida y premiada en festivales nacionales e internacionales. Debutó en Una cita con la vida con Hugo del Carril, fue la musa de Torre Nilsson (Fin de fiesta, Piel de verano), la elegida por Raúl de la Torre (Pobre mariposa, Pubis angelical, El infierno tan temido), protagonista del último film de Juan José Campanella (El cuento de las comadrejas) y tiene una actuación especial en La quietud de Pablo Trapero. Elegida por Lucrecia Martel para La ciénaga. La trayectoria es larga; y posee un rostro único, emblemático.

Mirtha Legrand es otra de las protagonistas insoslayables. Hizo 36 películas. Entre ellas, Los martes orquídeas, La pequeña señora de Pérez, La vendedora de fantasías, La de los ojos color del tiempo, En la ardiente oscuridad, La patota, Bajo un mismo rostro, Con gusto a rabia.

Muchos nombres de protagonistas fuertes e inolvidables como Susú Pecoraro y su Camila; Luisina Brando (Boquitas pintadas, Juan que reía, Piedra libre, Señora de nadie, Darse cuenta, Miss Mary), Graciela Dufau (Los jóvenes viejos, Nadie oyó gritar a Cecilio Fuentes, Momentos, La isla, Volver), Martha González (Boquitas pintadas, El pibe cabeza), Leonor Benedetto (Rosa de lejos, Atrapadas, Las lobas, Lola Mora), Thelma Biral (La maffia, Los siete locos, El muerto, El juguete rabioso).

Cecilia Roth (Un lugar en el mundo, Vidas privadas, El ángel, Matrimonio, Una noche con Sabrina Love), Marilú Marini (Los que aman odian, Tigre, El eslabón podrido, Mientras tanto, Solo, Nocturna), Verónica Llinás (La mujer de los perros, Cerro Bayo, Pájaros volando, La flor, Rapado), Julieta Zylberberg (All inclusive, Aire, El rey del Once, La mirada invisible, Mi amiga del parque, Extraños en la noche, Las olas), Natalia Oreiro (Wakolda, Infancia Clandestina, Gilda. No me arrepiento de este amor, Re loca, Mi primera boda, Miss Tacuarembó), Valeria Bertucelli (Me casé con un boludo, Viudas, Hermanas, La reina del miedo, XXY, La suerte en tus manos), Dolores Fonzi (La patota, La cordillera, El futuro que viene, El aura, El crítico, Distancia de rescate, La misma sangre), Érica Rivas (Antes del estreno, Bruja, La cordillera, La luz incidente, Relatos salvajes, Pistas para volver a casa), Julieta Díaz (Refugiado, No soy tu mami, Juan y Eva, Dos más dos, El fútbol o yo), Eleonora Wexler (Fuego gris, El dedo en la llaga, Amateur, Pensando en él) supieron consolidarse y encabezar proyectos.

Norma Aleandro, recordada para siempre por su trabajo en La historia oficial y ese Óscar que ella misma anunció para el mundo. Con películas tan inolvidables como Sol de otoño, Cama adentro, El hijo de la novia, Cien veces no debo, Los siete locos, No toquen a la nena, entre otras, y algunas participaciones en producciones extranjeras como Los residentes, El sabor de la infidelidad, La guerra de un solo hombre y Gaby, una historia verdadera (por su interpretación fue nominada al Óscar como Mejor Actriz de Reparto).

Mercedes Morán, una de las más solicitadas, que en un año puede estrenar hasta cuatro películas argentinas (El ángel, Sueño Florianópolis, El amor menos pensado, Familia sumergida) interpretando roles completamente diferentes entre sí. Maracaibo, Betibú, Los Marziano, Cara de queso, Luna de Avellaneda, La niña santa, La ciénaga son también hitos de su larga trayectoria.

Algunas, luego, se animarían a dirigir, como Valeria Bertuccelli (La reina del miedo), Verónica Llinás (La mujer de los perros), María Alché (Familia sumergida), Mónica Lairana (La cama), Ana Katz (Sueño Florianópolis), Vera Fogwill (Las mantenidas sin sueños), Camila Toker (La muerte de Marga Maier), Victoria Carreras (Merello x Carreras), Jazmín Stuart (Pistas para volver a casa, Desmadre, Recreo), entre otras.

Protagonistas en una gran tradición del cine argentino. Presentes en el recuerdo. Vigentes. Las actrices argentinas han demostrado a fuerza de talento y pasión por qué son tan requeridas por el cine local y extranjero.

1 En Colección especial “Ídolos del Espectáculo Argentino” de Clarín.

2 En autobiografía La Calle y Yo.

3 En Colección especial “Ídolos del Espectáculo Argentino” de Clarín.