Kitabı oku: «Arte en las alambradas»

CAPÍTULO 5

LA GEOGRAFÍA CONCENTRACIONARIA FRANCESA

Descriptivamente la ruta de la desesperación y el llanto en la que se vieron obligados a recorrer para ponerse a salvo decenas de artistas republicanos en su huida a Francia iba a finalizar fatídicamente con la nefasta presencia de una barrera aduanera fronteriza de un paso situado en lo alto de los Pirineos, verdadera muralla natural, protegido por decenas de gendarmes, guardias móviles y soldados senegaleses y marroquíes fuertemente armados que constituía el final y el principio de un penoso peregrinaje exílico marcado por la tragedia. Se convertiría en uno de los episodios más deplorables de la historia contemporánea gala y una metáfora implacable de lo que poco tiempo después iba a sucederle a miles de ciudadanos franceses cuando su país fue derrotado militarmente, humillado y ocupado por los nazis. Aquella panorámica de cientos de refugiados hacinados en los puestos fronterizos mientras eran cacheados, interrogados y clasificados quedaría grabada en la retina de numerosos artistas y se convertiría en una especie de aviso para navegantes del drama que les iba a deparar su reclusión y su paso por los terribles campos de concentración y que la percepción de su mente apenas lo presentía.

La larga marcha sin destino de los artistas concluyó al traspasar las alambradas de espino de los campos de concentración militares que ya existían, la mayor parte de ellos levantados en la primera guerra mundial, o en los que se estaban improvisando a toda marcha aprovechando antiguos cuarteles del Ejército, instalaciones deportivas, prisiones, solares abandonados, campos de deporte, fábricas en desuso o grandes superficies de terreno pantanoso, deshabitados y no cultivados, fuera de los núcleos urbanos. A causa de la masiva presencia de refugiados tuvieron que improvisarse campos rodeados de empalizadas, alambradas y torres de vigilancia para albergar de forma temporal o reclusión administrativa a cerca de 550.000 refugiados que huían hacia los puestos fronterizos atemorizados de la represión de las tropas vencedoras. Casi todos ellos surgieron improvisadamente para detener y albergar a la gran oleada de refugiados que cruzaron la frontera francesa principalmente a mediados de febrero de 1939.

Concretamente el 5 de febrero, Édouard Daladier, jefe del gobierno, firmó un decreto autorizando el paso de los refugiados por la frontera que hasta entonces permanecía oficialmente cerrada, separándose a los hombres identificados como combatientes que fueron recluidos en los campos, de las mujeres, que recibieron mejor trato al ser enviadas a centros de acogida, maternidades, residencia, hospitales y albergues. Su decisión fue muy bien recibida por una parte considerable del pueblo, sobre todo, los de ideología burguesa y conservadora que vieron una forma de contener a la chusma de “indeseables rojos” que les invadía y que representaban una amenaza al estar considerados delincuentes, enemigos declarados de la religión católica y bolcheviques que trataban de imponer la revolución soviética. Sólo una parte de la población de ideología izquierdista, mayoritariamente formada por obreros e intelectuales, expresaron su solidaridad con ellos, los apoyaron, les ofrecieron comida, ropas y dinero y abrieron sus casas para ofrecerles cobijo.

Durante el masivo paso de artistas la gran mayoría fueron apresados o capturados y enviados a los campos de acogida, y sólo un número muy escaso, los que poseían influencias o detentaban altos cargos políticos dentro del gobierno republicano o el Ejército Popular, se libró de ellos y consiguieron documentos para fijar su nueva residencia, circular libremente o abandonar suelo francés con destino a otros países. Curiosamente el número de detenciones y envíos de mujeres artistas a los campos fue muy reducida, y apenas se produjeron, y solo se dieron en circunstancias muy concretas, como eran su activa militancia en un partido comunista, ser compañera de un alto funcionario o haber ostentado cargos políticos de responsabilidad.

Reunir todas las manzanas podridas

Para contener esta oleada de refugiados se improvisaron algunos campos de concentración abiertos durante la primera guerra mundial para recluir a los prisioneros alemanes, también se habilitaron cuarteles del Ejército francés, campos de entrenamiento, antiguas fábricas, viejas fortalezas y castillos, o se incautaron grandes superficies de terreno junto a desérticas playas en las que los propios prisioneros levantaron improvisadas tiendas de lona, construyeron barracones de madera donde instalaron cocinas, almacenes y postas sanitarias, cavaron zanjas para colocar letrinas e, incluso, instalaron cementerios. Sus infraestructuras se mejoraron y fueron remplazadas cuando los responsables de los campos comenzaron a disponer de mayores subvenciones estatales y contar con más medios, como suministros, herramientas y maquinaria y materiales de construcción como maderas, cemento y ladrillos. Y, sobre todo, cuando empezaron a constituirse las cuadrillas de obreros dirigidos por arquitectos, aparejadores, dibujantes y proyectistas profesionales internos que desempeñaron un papel fundamental en el trazado, planificación y construcción de los campos.

Un gendarme controla el paso de los exiliados republicanos.

Su puesta en marcha no era un hecho exclusivo de Francia, sino muy utilizado a lo largo de la historia moderna, sobre todo por países donde gobernaban régimenes totalitarios, dictatoriales o represivos que no tenían en cuenta las garantías judiciales. Curiosamente los españoles fueron los primeros en construirlos en la isla de Cuba durante la Guerra Colonial de los Diez Años entre 1869 y 1878 para recluir a la población nativa y posteriormente lo hicieron entre 1899 y 1902 los Estados Unidos de América durante la guerra filipino-estadounidense. Se popularizó el concepto de “concentration camp” a raíz de su empleo por las autoridades militares inglesas durante la segunda guerra de los Bóer en Sudáfrica de 1899 a 1902. Su creación comenzó a generalizarse en Europa durante la revolución rusa cuando los comunistas se hicieron con el poder en 1917 estableciendo un régimen del terror a través de los trabajos forzados o en los “Gulags” y se expandió cuando los nacional socialistas alemanes llegaron al poder en los años treinta creando una gran variedad de centros de detención o de trabajos forzados para confinar a sus adversarios políticos, criminales violentos, demócratas, miembros de la resistencia nacional y finalmente culminó durante el holocausto judío con la creación de la gran red de campos destinados al esfuerzo de guerra nazi y a eliminar sistemáticamente a la población hebrea.

Siguiendo la norma las autoridades francesas tuvieron que improvisar, ante la llegada masiva de miles de refugiados republicanos, la construcción por todo su territorio de decenas de campos de concentración, algunos de ellos reutilizando los abiertos durante la I Guerra Mundial para albergar a soldados alemanes, y otros instalados en cuarteles del ejército, antiguas fábricas, terrenos pantanosos y playas desérticas. La mayor parte de ellos se encontraban situados en las inmediaciones de la frontera y en las playas, preferentemente en lugares apartados y lejos de las poblaciones, aunque con el tiempo se utilizaron otros en zonas más cercanas a las grandes ciudades. La mayor parte de estos campos se levantaron a toda prisa cerca de la frontera, en forma de barracones o de zonas vigiladas bajo la intemperie, y no disponían de agua potable, electricidad, letrinas, duchas, talleres, cocinas, enfermería, ni de las mínimas condiciones higiénicas.

Los que gozaban de peor reputación y consecuentemente los más importantes eran conocidos por los nombres geográficos donde se encontraban emplazadas y destacaban por su extensión y el número de prisioneros que albergaban como el de Gurs, Argelès-sur-Mer, Saint-Cyprien, Barcarès, Septfonds, Rivesaltes y Vernet d’Ariège. Para contener la llegada masiva de refugiados las autoridades francesas adoptaron medidas, destinaron dinero, movilizaron al ejército, a los servicios sanitarios, a la gendarmería y dictaron órdenes y decretos para permitir su reubicación y distribución por todo el país. El primer “centro especial” para acoger a estos refugiados fue instalado por decreto el 21 de enero de 1939 en Rieucros (Lozère), cerca de Mende y a partir de ahí comenzaron a levantarse otros que con el tiempo adquirieron peor reputación y entre los que se encontraba el de Gurs, construido junto a la ciudad del mismo nombre, en la región de Aquitania del departamento de los Pirineos Atlánticos, 84 kilómetros al este de la costa atlántica y 34 kilómetros al norte de la frontera española; el de Argelès-sur-Mer era uno de los que más superficie tenía y albergó a unos 100.000 refugiados. Situado en una apartada playa de la pequeña localidad de Argelès-sur-Mer, en el departamento de Pirineos Orientales, a 35 km de la frontera de Portbou; ante la avalancha de refugiados en este campo se construyeron los cercanos de Saint-Cyprien y Barcarès, también en el departamento de Pirineos Orientales; en la localidad de Septfonds, en el departamento de Tarn y Garona (Mediodía-Pirineos) se instaló el terrible campo de internamiento de Judes, que adquirió notoriedad por reunir a un considerable número de artistas republicanos, pero también por los elevados índices de mortalidad debido a las bajas temperaturas, deficiencias sanitarias, mala alimentación y régimen de trabajo que recibían los prisioneros; el de Rivesaltes fue instalado en terrenos de las poblaciones de Rivesaltes y Salses-le-Château como centro de instrucción militar, y albergó a unos 15.000 españoles; entre las comunas de Le Vernet y Saverdun se ubicó el de Vernet d’Ariège, donde también existió un importante grupo de artistas republicanos y durante la ocupación nazi fue empleado por los alemanes como antecampo para los judíos destinados a campos de exterminio.

CAMPO DE ARGELÈS-SUR-MER

Jamás un campo de concentración francés adquiría un valor simbólico y pasaría a alzarse metafóricamente hablando como la terrible experiencia de más de un centenar de artistas republicanos recluidos en una extensa playa de terreno arenoso limitado por la mar como el de Argelès-sur-Mer, situado al norte de esta localidad turística y veraniega perteneciente al departamento de Pirineos Orientales, en la región del Languedoc-Rosellón, en la comarca del Rosellón. El siniestro lugar se elevó por encima de los acontecimientos históricos y adquirió, por su simbología, una imagen de espanto plástica, pero también literaria, más allá de cualquier contenido anecdótico que pudiera infringirle el paso del tiempo, el olvido, la manipulación y la desmemoria histórica. Acogió, en los primeros meses de 1939, a más de ochenta mil refugiados republicanos que habían cruzado la frontera francesa, entre ellos, un número considerable de pintores, escultores, grabadores, dibujantes, cartelistas, fotógrafos, arquitectos, historiadores y críticos de arte que, lejos de sucumbir a la derrota, a las humillaciones y a los malos tratos de los guardianes, demostraron, en cambio, una heroica valentía y un espíritu de resistencia, que plasmaron, como era de esperar, en numerosas pinturas, bocetos, esculturas y fotografías que, ahora, pasados los años, constituyen un formidable documento gráfico del tránsito de los republicanos por el que se consideró el más grande de los campos de concentración franceses.

Enrique Climent. “Barracón”. Dibujo.

La playa de Argelès-sur-Mer, en los Pirineos Orientales, al sur de la localidad de Perpinán, bañada por el Mediterráneo, era un lugar frecuentado por los lugareños, los veraneantes y los artistas por su exultante paisaje, sus limpias arenas, sus aguas claras y su suave brisa salitrosa. Un lugar apacible, tranquilo y solitario que, inopinadamente, en los primeros meses de 1939, cambió de aspecto, convirtiéndose en un escenario de horror y tragedia al albergar a varios miles de republicanos en precarias condiciones. Un escenario lóbrego y nada idílico que fue recreado con todo su realismo y dureza, sin ningún retoque halagador y efectista, por un considerable número de artistas de todos los estilos, géneros y técnicas que se inspiraron en él como un canto profundo al triunfo de la supervivencia, de la propia vida y de la creación artística en sí, por encima de la barbarie que amenazaba por destruirles.

Irónicamente aquellas recreaciones de los artistas iban a descubrir un escenario siniestro, casi metafórico, preludio de lo que unos meses después, tras la ocupación alemana, iban a ser los terribles campos de exterminio nazis donde fueron internados miles de ciudadanos franceses. Pero también las imágenes se convirtieron en un toque de atención y un pre-aviso del drama que iban a vivir los refugiados españoles en los campos de exterminio nazis capturados por la policía colaboracionista de Vichy, las SS y la Gestapo en suelo francés.

¿Qué supuso para los artistas plásticos aquella terrible experiencia concentracionaria? ¿Verdaderamente cambio su vida y su arte? El campo de refugiados de Argelès-sur-Mer fue uno de los más grandes y agrupó a gran parte de los derrotados republicanos españoles, entre ellos, a un gran número de artistas plásticos en unas condiciones de supervivencia muy precarias. Para nuestros artistas aquello no era ni mucho menos un centro de acogida, sino un verdadero campo de concentración. Por una serie de desfavorables circunstancias históricas, la tranquila playa, convertida en un improvisado campo de concentración, albergó a varias decenas de creadores que habían cruzado la frontera francesa en un intento de huir de las tropas nacionales. Protagonistas del drama concentracionario se erigieron como testigos testimoniales de la tragedia viva que les rodeaba. Fueron capaces de abrir sus ojos y recrear ese entorno trágico, lacerante y humillante. Así, sus creaciones plásticas participaron por igual del expresionismo más angustioso, pasando por el surrealismo más onírico y fantasioso hasta el realismo más verista, crudo y descarnado.

Tras una azarosa huida hacia la frontera francesa, perseguidos por las avanzadillas del Ejército franquista, y bajo la amenaza constante de las bombas de la aviación legionaria italiana, un importante número de artistas cruzaron por diversos pasos habilitados al país vecino, siendo detenidos por la policía, los guardias móviles y las tropas senegalesas y marroquíes y enviados a este campo, uno de los más grandes y que agrupó en los primeros meses de 1939 a gran parte de los refugiados republicanos, en condiciones extraordinariamente precarias. Muchos de ellos se habían destacado durante la guerra por su compromiso con la legalidad republicana, y que habían desarrollado una intensa actividad como cartelistas bélicos, que habían ilustrado revistas, liderado asociaciones, sindicatos y organismos antifascistas o actuado como comisarios políticos o de propaganda en diversas unidades del Ejército Popular.

Al traspasar su portón principal advirtieron la terrible deficiencia de sus instalaciones básicas y el hacinamiento. Los barracones para albergarse eran insuficientes, apenas existían servicios sanitarios, no había agua potable y la falta de letrinas obligaba a hacer las necesidades en la misma playa. Se vieron obligados a excavar agujeros en la arena de la playa para guarecerse con maderos, cartones, ramas y mantas del frío, del viento y de la lluvia. Durante los primeros seis días apenas se distribuyó agua y alimentos, y los que se entregaron eran escasos. Los más desesperados ingirieron agua salobre del mar, lo que provocó una epidemia de disentería. La falta de higiene favoreció la aparición de enfermedades contagiosas como la sarna y el tifus y gran cantidad de parásitos, como los piojos y chinches. Y todo ello bajo la estricta vigilancia de gendarmes y tiradores senegaleses que imponían una férrea disciplina militar a esa multitud de depauperados, famélicos y enfermos combatientes republicanos que habían luchado con bravura y heroísmo a los militares rebeldes y a sus aliados fascistas en diversos frentes de batalla.

Pese a esas circunstancias desfavorables de supervivencia, los artistas plásticos demostraron su fortaleza, su deseo de resistencia y su capacidad creadora participando en distintos proyectos culturales, expositivos, formativos y periodísticos. Para desarrollarlos se crearon los “barracones de cultura”, que no eran más que improvisadas construcciones de madera dotadas de algunos medios, como mesas, sillas y pizarras, para poder impartir instrucción diaria a los refugiados o en el caso de los artistas servir de improvisados estudios o talleres para realizar sus obras. Allí se editaron los primeros meses varios boletines informativos y se llevaron a cabo varias exposiciones que reunían pinturas, esculturas y dibujos realizados por los artistas refugiados, entre ellos, el pintor gallego Arturo Souto y el dibujante y caricaturista valenciano “Gori” Muñoz. En mayo de 1939 apareció el Boletín de los Estudiantes de la FUE, que elaboró un grupo de jóvenes graduados de la Escuela Normal de Valencia y las revistas La Barraca y Desde el Rosellón. Pero, sobre todo, los artistas llevaron a cabo una importante labor creativa personal, en muchos casos a escondidas, y con riesgo para su integridad física, ya que estaba prohibido dibujar, tomar imágenes y sacar fotografías de las instalaciones del campo. Sus obras se convirtieron en un verdadero documento gráfico que nos permite ahora conocer cómo se desarrolló la vida de miles de refugiados españoles en el campo de concentración a través de imágenes no sólo lacerantes y terribles, sino también líricas e incluso humorísticas.

Para la mayor parte de los artistas su estancia en el campo finalizó cuando se produjo el comienzo de las hostilidades contra Alemania y la ocupación nazi en verano de 1940. A su salida muchos optaron por establecerse y formar familias en Francia; otros se alistaron en el ejército francés para luchar contra los nazis; bastantes se incorporaron a la resistencia y otros fueron capturados por la Gestapo o la Whermacht para ser enviado a campos de trabajo o de exterminio, sobre todo de Mauthausen-Gusen y una minoría decidió volver a su país ante la promesa de los vencedores de perdonar a quienes no hubiesen cometido delitos de sangre. Tras el desalojo del campo fue utilizado durante la guerra como campo de concentración de prisioneros de guerra por el gobierno pronazi de la Francia de Vichy y finalmente desmantelado tras el fin de la guerra. En la actualidad apenas existen vestigios de sus instalaciones y el terreno está ocupado por zonas residenciales, hoteles, instalaciones deportivas y recreativas en las que se dan cita miles de ciudadanos de las poblaciones vecinas. En las proximidades de la Playa Norte del campo se halla colocado un monolito de piedra con una placa en homenaje a los 100.000 españoles que pasaron por el campo, con la siguiente inscripción: “A la memoria de los 100.000 republicanos españoles, internados en el campo de Argelès, tras la retirada en febrero de 1939”.

El pintor Enrique Climent.

Enrique Climent Palahí (1897-1980)

Afirmar aquí que el pintor, dibujante e ilustrador valenciano Enrique Climent Palahí fue uno de los más conspicuos representantes de la vanguardia en el exilio republicano puede parecer a muchos como una apreciación osada y una valoración bastante arriesgada, pero el hecho histórico es que fue una realidad porque ya que tempranamente en la década de los años veinte y treinta del siglo pasado se distinguió como adalid de la renovación española al formar parte del grupo de los artistas Ibéricos. A pesar de su relevante talla como artista durante décadas en su país fue un caso paradigmático del olvido y la marginación provocado por el destierro de los republicanos españoles al término de la guerra civil. No es raro encontrar artistas importantes cuyas famas fueron reconocidas públicamente en países donde se les consideraba extranjeros, mucho más que en el país donde había nacido. Este fue de aquellos que, por la dramática circunstancia de la diáspora, levantaron un pedestal a su nombre en una lejana tierra hospitalaria que le acogió, cuando en el suyo estaba aún sujeto al trágico bamboleo de un ideal, logrado en espíritu y en constancia, pero anhelado todavía en su deseo. Pocos artistas exiliados fueron tan capaces, tan sensibles, tan dotados técnicamente y de perfil tan acusado y propio. Fue, sin duda, una de las figuras capitales de la renovación plástica española de primer tercio de siglo XX y, luego, a través de múltiples evoluciones de su quehacer pictórico, fue conservando siempre una actitud de renovador. Renovación, por cierto, no siempre orientada hacia el futuro, sino ahincada en retrospecciones, en estilos pretéritos muy variados, donde fue a buscar nuevas formas de inspiración.

Enrique Climent Palahí vino al mundo en Valencia, el 24 de mayo de 1897, en el marco de una familia burguesa. Sus primeros años transcurrieron en un pueblo aragonés, donde sus abuelos poseían una casa solariega. Cursó estudios de bachillerato y muy tempranamente se despertó en él la vocación artística. En 1917 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos a pesar de la oposición de su padre, quien le negó toda clase de ayuda económica. De espíritu inconformista, se integró en las filas de la Asociación de Artes y Letras, presidida por el pintor Antonio Fillol, y constituida por jóvenes disidentes del Círculo de Bellas Artes como Ricardo Verde, Enrique Navas, Pascual Isla o Enrique Cuñat. Vivió en la controvertida lucha que entonces se libraba en Valencia entre los seguidores de Ignacio Pinazo y los defensores a ultranza de Joaquín Sorolla.

Al terminar sus estudios se instaló en una vieja buhardilla de la calle Roteros, donde pintaba retratos y ejecutaba dibujos publicitarios para subsistir. Sus inquietudes renovadoras, ya superada su juvenil militancia en el sorollismo, le hizo frecuentar la librería Internacional de la calle Joaquín Sorolla, donde adquiría revistas extranjeras que le informaban puntualmente de los movimientos artísticos entonces de moda. Sin embargo, el aislamiento en que trabajaba, encerrado en una pequeña ciudad de provincia, separado de las corrientes principales de la vida artística, suponía una inevitable limitación creadora para un artista joven con inquietudes y deseos de conocer nuevos horizontes.

En la primavera de 1919 se presentó al concurso de méritos de una convocatoria de becas de paisaje que iban a desarrollarse en Madrid y obtuvo una pensión. Con las obras que pintó durante el pensionado celebró en Madrid una exposición que obtuvo notable éxito de crítica y de venta, lo que le animó a establecerse en esta capital. Para sobrevivir trabajó como ilustrador en la revista Blanco y Negro y en Prensa Española. El tiempo libre lo empleaba en la realización de retratos y paisajes que vendía en los comercios. Entró en contacto con el grupo de artistas renovadores y empezó a colaborar en las principales revistas madrileñas. Su actividad artística se ramificó hacia otras áreas más rentables, como la publicidad comercial, pero manteniendo firme su personalidad. Asistía a la famosa tertulia del Café del Prado, frente al Ateneo, donde se reunían Benjamín Palencia, Alberto Sánchez, Bores y Cossío.

Presentó su primera exposición individual fuera de la capital, en las barcelonesas galerías Layetanas, en 1920, y luego lo hizo en la sala Dalmau. La necesidad de contactar con las fuentes de la vanguardia internacional le llevó a trasladarse a la capital francesa en 1924, que contaba con un importante núcleo de plásticos españoles. Allí permaneció dos años dedicado a la escenografía y al diseño en el Teatro de la Ópera. Regresó a Madrid, donde prosiguió pintando y celebrando exposiciones en distintas salas. Se incorporó a la tertulia del Café Pombo, presidida por el escritor Ramón Gómez de la Serna, a quien ilustró su Greguerías.

Su adscripción definitiva a la renovación plástica española se produjo en 1925, al integrarse al grupo de los Pintores Ibéricos, que intentaban modernizar el arte español basándose en sus orígenes. Participó en casi todas las exposiciones organizadas por este movimiento renovador, que tuvo en el crítico de arte Manuel Abril, su principal promotor. En 1929 mostró obras en una exposición de vanguardia en el Jardín Botánico de Madrid, organizada por la Sociedad de Cursos y Conferencias. En 1930 concurrió a una exposición colectiva celebrada en Copenhague, con el grupo de los Artistas Ibéricos. En 1931 fue nombrado profesor de Arte en el Instituto Salmerón de Barcelona y firmó el “Manifiesto dirigido a la opinión y los poderes públicos”, donde un grupo de artistas renovadores exigían “cambios en las viejas costumbres” y expresaban la conveniencia de implantar “un sentido amplio y renovador a la vida artística nacional”. En 1933 presentó obras a la “Primera Exposición de Arte Revolucionario” que se celebró en el Ateneo de Madrid, organizado por la Sección de Artes Plásticas de la Alianza de Intelectuales. Expuso en la Regional de Bellas Artes, en 1934, y en diversas muestras colectivas que organizó Acció d’Art en la Sala Blava de Valencia.

Al estallar la guerra fijó su posicionamiento político claramente frentepopulista y participó de lleno en las actividades de la Alianza de Intelectuales Antifascistas y en los órganos de propaganda. Su convicción era que, a pesar de aquella situación bélica, se imponía la necesidad de continuar creando y promoviendo los valores humanos. Cooperó con sus obras, primero en Madrid y después en Valencia, trabajando a las órdenes del subcomisario García Maroto. Su labor pictórica la presentó en las Exposiciones Nacionales que se celebraron en Barcelona, obteniendo importantes premios. Además trabajó para el Ministerio de Propaganda ejecutando diversos carteles y dibujos. Pero su labor más importante fue la de los dibujos que realizó para el álbum titulado “Madrid” (1937), en el que colaboraron además, Francisco Mateos, Eduardo Vicente, Arturo Souto y José Bardasano. Para el Pabellón Español en la Exposición Internacional de París, presentó las obras tituladas “El bombardeo y Cuatro aviones bombardeando”. La primera era un óleo sobre tela que había obtenido el segundo premio en la exposición “Concurso de Pintura, Escultura, Grabado y Dibujo” de Barcelona (1937). La segunda, un dibujo al carbón, lápiz conté, pincel y pluma, con tinta sobre carbón. La crueldad de la guerra quedó plasmada en aquellas obras expuestas en París, donde el desgarro expresionista de un dibujo torturante y los tonos oscuros y ensombrecidos por la angustia dominaban la sensibilidad del artista valenciano.

Enrique Climent. “Retrato de Juan Gil-Albert”. Óleo, 1940.

Al término de la guerra cruzó la frontera francesa y fue recluido en el campo de refugiados de Argelès-sur-Mer, que abandonó gracias a la mediación de un grupo de intelectuales extranjeros. En el verano de 1939, llegó a México, donde inició un largo y prolífico exilio dedicado a la creación artística, a sus exposiciones y a impartir clases. Pintó paisajes y naturalezas muertas que avizoraban en su nuevo entorno. En 1940 obtuvo una beca del Colegio de México para pintar. Con la obra realizada celebró su primera exposición en la Universidad de México.

Su pintura se movía dentro de una tendencia academicista, apenas influenciado por las tendencias vanguardistas. Afincado en México conoció a la escritora y periodista norteamericana Helent, mujer que le apoyó en los primeros años de su exilio y con la que contrajo matrimonio. Amplió sus círculos sociales y frecuentó los ámbitos de los republicanos españoles. Fue contertulio habitual del Café Papagayo, y colaboró en las revistas de los exiliados republicanos. Pero lo más importante fue su actividad como pintor, grabador y dibujante, sin olvidar su magisterio en el campo de la docencia artística. Estableció su residencia en la Colonia de las Águilas, en las cercanías de México, donde instaló su estudio.

De vez en cuando salía a exponer fuera del país, principalmente a los Estados Unidos, pero en general, se resistía a que sus cuadros viajasen. Su regreso a España, después de veinticuatro años de exilio, coincidió con una exposición de sus obras en la sala Cisne de Madrid. La muestra causó una gran expectación y la crítica de arte le dedicó comentarios en los que destacaba que quedaba recuperado para la plástica española.

En la localidad alicantina de Altea pasaba las vacaciones veraniegas. Se abrió entonces un breve, pero intenso paréntesis, un retorno a sus orígenes, al mar, al cielo de su juventud y al encuentro con el paisaje de su tierra. Posteriormente se retiró a su estudio de la Colonia de las Águilas, recibiendo escasas visitas de amigos y emprendiendo fugaces viajes a la capital federal. En 1977 la editorial Joaquín Mortiz publicó la monografía artística Enrique Climent, con una presentación escrita por el propio artista, en el que resumía su ideario estético. Murió en su residencia mexicana de la Colonia de las Águilas, en 1980.

Josep Aguilera i Martí (1882-1955)

La carrera artística del catalán Josep Aguilera i Martí tendía a ser monótona y tranquila hasta que se vio bruscamente alterada en julio de 1936 al estallar la guerra civil cuyo desenlace lo llevó a él y a su familia al desarraigo de un penoso exilio al que se añadió el drama de su paso por los terribles campos de concentración y la posterior repatriación forzada a su país, siempre, claro está, bajo la amenaza de ser represaliado por los vencedores. Su destino como artista se truncó, y tuvo una existencia llena de obstáculos, padeció mucha desazón por causas económicas, y pasó por largos periodos de depresión, y todo ello a pesar de su prestigio como profesor, su magistral dominio del retrato al carboncillo y su condición de máximo representante del paisaje monumental de Girona, la ciudad en la que desarrolló la mayor parte de su actividad artística y que lo consideró maestro indiscutible.

Josep Aguilera i Martí nació en Salt (Girona), el 4 de agosto de 1882, en el marco de una familia modesta. Su padre, Francesc Aguilera, era propietario de la tartana de transporte de viajeros que hacía el trayecto regular Salt-Girona. A causa del fallecimiento de su madre en 1891, cuando era un niño, su progenitor abandonó el establecimiento que había instalado en los bajos de su casa –El café de Xicu– y se trasladó con él a casa de un hermano suyo en Barcelona, donde alternó sus estudios en las Escuelas Pías de San Antón con el trabajo en el bar que regentaba su tío.

Pronto se le despertó su vocación artística adquirida por su condición de lector de tebeos y su afición por copiar los dibujos que publicaban las revistas y semanarios ilustrados de la época. Aprovechaba su trabajo de camarero para hacer retratos al natural de los clientes habituales del café y cuando salía de casa lo aprovechaba para tomar apuntes de tipos curiosos que se iba encontrando. Llevado por su vocación, en 1905 se matriculó en la Escuela de Bellas Artes, en cuyas clases coincidió con Antonio Estruch, discípulo de Vila Cinca.

Al terminar la carrera se entregó a la pintura de caballete compartiendo estudio con un antiguo compañero de la academia, Casals. De carácter extrovertido, frecuentó los talleres de los grandes maestros y conoció a Nonell y Rusiñol. Para ganarse la vida alternó la pintura y los encargos con la docencia en una escuela privada, que más tarde abandonó para establecerse en su domicilio, donde impartió clases durante una década. En 1909 contrajo matrimonio con Rosa Gallar Xamani en Barcelona y en mayo de ese año concurrió a la Exposición de Arte de Barcelona con un paisaje urbano que representaba una calle de Barcelona. El aumento de la familia con el nacimiento de dos hijos le ocasionó serios problemas económicos que le obligaron a trasladar su domicilio al de su suegra en la localidad de Arbucias, un municipio de la comarca de la Selva, en la provincia de Girona.

En 1925 consiguió la Medalla de Oro del Concurso Josep Masrieta con un paisaje al carbón de Arbucias y al año siguiente se dio a conocer en una exposición en solitario que se celebró en el Ateneo de Girona obteniendo una gran acogida de público y crítica, estableciendo amistad con Carles Rahola.

Se integró en los círculos artísticos locales trabando amistad con Adolfo Fargnoli, Miguel Santalò, Miquel de Palol, Joaquim Pla, Eduard Fiol, Marcial de Laiglesia, Josep Tharrats y Rafael Masó. En octubre de ese año concurrió a la III Exposición de Arte Plástico gerundés promovido por el GEiEG, consiguiendo el primer premio de la modalidad de Pintura. A principios de 1927 volvió a exponer individualmente en la sala Parés de Barcelona en la que reunió dibujos de personajes marginales de la ciudad, algunos paisajes de Girona y Arbucias, editando un catálogo que incluía textos de presentación de Carles Rahola, Joaquím Pla, Artur Vinardell, Miquel Santalo, Marcial de Laiglesia y Miquel de Palol.

Desengañado por el fracaso comercial de la muestra, al vender únicamente un cuadro, decidió trasladarse a Girona, instalándose con su familia en la calle de la Força, donde abrió una escuela privada de Dibujo y Pintura. Su alumnado aumentó considerablemente cuando en 1928 incorporó en sus clases nocturnas el modelo natural, pues hasta entonces quienes solían posar eran mendigos y vagabundos. Su escuela le proporcionó un enorme prestigio como pedagogo y ese mismo año fue contratado como Profesor de Dibujo y Pintura en la remodelada Escuela Municipal de Bellas y en 1930 participó en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid.

Alternó la docencia con el cultivó de la pintura y el dibujo, participando además en diversas exposiciones colectivas y concurriendo a salones. Alcanzó un gran prestigio como paisajista y se le consideró como el pintor de Girona. También se entregó al retrato, donde destacó por la agudeza en captar rostros, miradas y fisonomías. En 1932 el ayuntamiento le encargó el dibujo de la portada del programa de Ferias y en 1933 participó en la I Exposición de Primavera de Girona promovida por su Ateneo, en la que coincidió con Rafael Benet, Joan Colon, Francesc Domingo, Pere Creixams, Grau Sala, Feliu Elías, Joaquim Mir, Rafael Llimona, Joan Miró, Xavier Nogues, José Mompou, Josep Obiols y Josep de Togores.

A finales de septiembre de ese año Josep Aguilera abandonó su piso de la calle de la Força y se trasladó a otro mucho más espacioso en la calle del Carmen, donde residió hasta el final de la guerra. Su prestigio como retratista se puso de manifiesto cuando en 1936 la Generalitat de Catalunya le adquirió diversas obras, entre ellas, los retratos de Francesc Maciá, Manuel Azaña y Lluís Company.

En la guerra Josep Aguilera se adhirió a la causa republicana, colaboró en diversas tareas propagandísticas, participó en exposiciones colectivas y realizó diversos dibujos sobre el conflicto. Del 12 al 22 de julio participó con Pep Colomer, Eduard Fiol, Francesc Gallostra, Ignasi Genover, Moises Giralt, Pere Perpinyá, Ramón Reig y Antoni Vares en una exposición colectiva celebrada en la Escuela Municipal de Artes e Industrias de Palafrugell.

A finales de ese año, Josep Aguilera fue elegido por el claustro director de la Sección de Bellas Artes de la Escuela de Bellas Artes, entonces repartida entre el local de la calle del Norte y el edificio de las Escolapias. En 1937 impartió clases en la sala de estudio del desnudo y de dibujo superior y de pintura. Por haber ocupado cargos docentes oficiales y haber participado en labores de propaganda a favor de la causa republicana, optó por abandonar con su familia la ciudad y cruzar la frontera francesa, situada a escasos kilómetros.

El 3 de febrero de 1939, antes de que las tropas nacionales ocupasen la ciudad, tomó el último autobús que salió de la Girona republicana, llegando a su destino Perpiñán, siendo detenido con su familia por la gendarmería que lo trasladó por ferrocarril al campo de concentración de Argelès-sur-Mer, de donde unos meses más tarde fue trasladado al campo de Nerck Plage, en Boulogne-sur-Mer, en Pas-de-Calais.

Con la amenaza, a finales de año, de la entrada de los ocupantes alemanes, desalojaron el campo y fue trasladado nuevamente con su familia al campo de Bram, en el Aude. En este lugar su hija menor Rosa María enfermó de tifus, y poco después enviaron a su mujer y a su hija menor a realizar trabajos de sirvientes en varios lugares, mientras su hijo Francisco trabajó de pastor de ganado en las montañas.

El 21 de diciembre de 1940 el comisario de policía del campo le expidió un permiso para que él, su esposa y sus hijas abandonasen Francia y regresaran a España. Establecido en Barcelona abrió su estudio y se dedicó a realizar retratos que le encargaban las galerías por mediación de Lluís Vilasau, quien hacía las veces de su marchante. Un trabajo de retratista mal remunerado que se prolongó hasta 1947 en que le propusieron sin éxito viajar a Sudamérica.

Su primer reconocimiento público como pintor se produjo cuando en julio de 1949 el Ayuntamiento de Salt le dedicó una exposición de homenaje en la misma casa consistorial. Murió el 29 de octubre de 1955, a los 73 años. A partir del fallecimiento de Franco y la instauración de la democracia su nombre comenzó a ser rescatado, valorado y considerado como el pintor cívico de Girona.

Jaume Passarell i Ribó (1889-1975)

El artista barcelonés Jaume Passarell i Ribó pasó a la historia del arte español del siglo XX por ser un buen periodista, agudo escritor de libros de memorias y divulgación, autor de exquisitos textos infantiles pero, sobre todo, un formidable dibujante caricaturista que, sin ser especialmente un innovador, ni tener una técnica notable, demostró que poseía una vena sarcástica, un gran poder de observación y un toque muy personal, por su excepcional talento, su gracia, su capacidad histriónica en indagar en la psicología de sus personajes, ya fueran políticos conocidos, intelectuales, científicos, empresarios, militares, aristócratas, artistas, tipos populares y deportistas, que lo convirtieron en un humorista muy leído en las revistas, semanarios y la prensa catalana.

Jaume Passarell vino al mundo en Badalona, el 2 de noviembre de 1889, en el seno de una familia modesta que residía en el número 148 de la calle de San Pedro, siendo sus padres Salvador Passarell i Recassent, carpintero y tramollista y María Ribó i Viltró, ama de casa. Cursó estudios primarios en el Ateneo Obrero de Badalona y amplió su formación en una academia privada. De ideología ácrata, en el sentido más idealista, pasó su juventud y adolescencia entre Badalona y el pueblecito de Tiana, donde un tío suyo tenía arrendado el Café de Dalt. Por mediación de su progenitor, concejal del ayuntamiento de su ciudad, ingresó como ayudante de maestro en la escuela pública que dirigía Jaume Giralt.

Jaume Passarell abandonó durante un breve tiempo el hogar y el trabajo docente y se trasladó a París en un deseo de encontrarse consigo mismo y, sobre todo, de asentar de una vez por todas su vocación, hasta entonces muy poco definida. Al tiempo que trabajaba para ganarse la vida como ayudante de maestro se le despertó gradualmente una fuerte inclinación dibujística, que fue afianzando de forma autodidacta y también por la influencia de los grandes dibujantes que publicaban en las revistas ilustradas de la época, de las que era un entusiasta consumidor.

Colaborador de revistas ilustradas catalanas como La campana de Gràcia y L’Esquella de la Torratxa, así como en la mayoría de las publicaciones editadas por Inocencio López Bernagossi. Se dio a conocer como dibujante en una exposición colectiva que se celebró en septiembre de ese mismo año en el Teatro Zorilla, coincidiendo con la Fiesta Mayor de la localidad y en la que también participaron los alumnos del pintor Eduard Fió i Guitart. Se entregó igualmente al cultivo del dibujo, la ilustración gráfica y la acuarela convencional, publicando algunos de sus trabajos entre 1910 y 1911 en diversas revistas y semanarios barceloneses.

Pero fue en el ámbito de la caricatura donde gradualmente comenzó a darse a conocer en su ciudad natal y a obtener sus mayores logros. Su primera exposición individual de caricaturas la celebró en junio de 1911 en el local de la Unió Federal Nacionalista Republicana que, si bien fue muy bien acogida por el público, provocó ciertas reservas en la crítica de arte que le consideró un principiante inexperto.

A mediados de agosto de 1912, durante la Fiesta Mayor, junto a Llorens Brunet, expuso en el Centro Badaloní una serie de caricaturas de tipos populares y personajes célebres, editando en aquella ocasión un catálogo que recogía una presentación de su amigo el poeta Marc Giró i Ros, en la que destacaba su solidez y su madurez como artista. En mayo de 1913 decidió abandonar definitivamente su actividad docente como ayudante de maestro para dedicarse por entero a su verdadera vocación a la que se había entregado los últimos años con tanta ilusión y esfuerzos como artista aficionado.

La necesidad de ampliar sus perspectivas laborales le hicieron mudarse a Barcelona, una ciudad cosmopolita en desarrollo y crecimiento, donde las editoriales, revistas de información general, semanarios satíricos, periódicos, agencias de publicidad y otras publicaciones ofrecían mayor oportunidades. Por mediación de su amigo Ramón Reventós “Moni” empezó a colaborar en L’Esquella de la Torratxa, que publicó su primera caricatura en la contraportada en mayo de 1913 y comenzó a enviar trabajos a otras como “Papitu”. En 1915 se incorporó como redactor en La Campana de Gràcia, lo que le permitió tener un sueldo seguro y la posibilidad de seguir colaborando en otras publicaciones como El poble català, El liberal y La Publicidad y con textos infantiles en El Sol de Madrid y La Mainada.

Jaume Passarell trabajó de periodista y publicó sus caricaturas y sus ilustraciones en los diversos medios catalanes y participó en distintos certámenes y salones. En enero de 1916 concurrió al I Saló dels Humoristes celebrado en la sala Mozart de Barcelona y el 3 de junio de 1917 inauguró una individual en el saloncito de “La Publicitat” en la que reunió varias decenas de caricaturas. Al conseguir con su trabajo cierta estabilidad financiera y emocional decidió regresar a su ciudad natal, Badalona, donde el 25 de octubre de 1922 contrajo matrimonio en la Iglesia de Santa María con su prometida Eulàlia Fartró i Estrada. En 1930 se incorporó como redactor de La Publicitat y prosiguió como era habitual en él publicando sus dibujos de contenido crítico en La Esquella y La campana de Gràcia sin abandonar sus reportajes en Mirador y otras revistas infantiles. Antes de que finalizase aquel año publicó el libro Cents ninot y una mica de literatura, una recopilación de cien caricaturas personales, acompañadas de un comentario generalmente breve relacionado con cada uno de los personajes. Igualmente ilustró los libros La bassa roja (1924) de Prudenci Bertrana, Cartilla de gramàtica catalana (1931) de Ramón Torroja.

Jaume Passarell apoyó la proclamación de la II República, el 14 de abril de 1931, una decisión que tomó ante el fracaso de la dictadura primorriverista con la que el rey Alfonso XIII se había comprometido. El mismo 1931 publicó conjuntamente con Ángel S. Escó, el libro Vida, obra i anecdotes d’en Santiago Rusiñol, en 1934 el opúsculo Homenatge a Pompeu Fabra, que editó la Associació de la Prensa de Badalona y en 1935 sacó a la luz en solitario L’Inventor Narcis Monturiol, una biografía de divulgación. Comenzó a colaborar en el Be Negro, la revista humorística creada por el equipo de La Publicitat en junio de 1931 y paralelamente siguió publicando en las páginas de Mirador y en La Jornada deportiva.

En la guerra civil abrazó la causa republicana, y trabajó en Barcelona en labores de publicidad y propaganda bélica, al tiempo que colaboraba en diversas revistas satíricas con caricaturas y viñetas de carácter antifascista, pero también criticando las actuaciones violentas propiciadas por grupos incontrolados y militantes anarquistas, lo que provocó problemas y amenazas. Por edad no llegó a ser militarizado, por lo que acrecentó su colaboración en la revista Criticom y articulista en Meridiá, similar a la antigua “Mirador”, mientras que la Biblioteca Política de Catalunya le encargó y publicó en su colección “Homes de Catalunya”, su biografía popular de Pompeu Fabra.

Al finalizar la contienda, en enero de 1939, Passarell decidió exiliarse solo a Francia, mientras que su mujer y su hijo se quedaban en Barcelona. Capturado por los guardias móviles fue enviado al campo de concentración de Argelès-sur-Mer que abandonó al cabo de unos meses para instalarse en la localidad de Tolosa de Llenguadoc, donde vivió en muy malas condiciones en un antiguo parque de bomberos cedido por el doctor Soula para acoger a republicanos españoles. Aprovechó su estancia para conocer la ciudad y sus alrededores, y reanudó la actividad periodística y dibujística centrada en la caricatura.

Con sus compañeros artistas Alfons Maseres, Josep M. Francés y Josep Miracle celebró una exposición colectiva en la que reunió varias decenas de caricaturas tomadas de los refugiados residentes. También colaboró con artículos en El Poble Catalá, revista editada en París a finales de 1940 por un grupo de catalanes del exilio.

Al producirse la invasión alemana Passarell descartó exiliarse a México, al haber conseguido un visado y un pasaje y haciendo caso a la recomendación de unos gendarmes, se reencontró con su esposa en Perpiñán, y en 1942 se trasladó a Castellnou de Bages, un municipio muy tranquilo y apartado, situado en la comarca del Bages, en la provincia de Barcelona. En 1945 recibió el encargo de su amigo Ángel Milla de escribir la historia de los bibliófilos y libreros de Barcelona que se tradujo en su estudio Libre de llibreters de vell i de bibliòfils barcelonins d’abans i d’ara, una obra muy bien editada donde alternó el texto con las ilustraciones y en junio expuso las caricaturas que aparecían en el libro en las galerías Syra.

Entre 1947 y 1948 realizó la ilustración de diversos libros para la editorial Millà, con trabajos convencionales y poco destacable. En 1947 tomó la decisión de regresar a su ciudad natal, Badalona, e instalarse junto a los suyos en su anhelado domicilio familiar de la calle San Pedro de Badalona. Se entregó a la pintura de caballete celebrando su primera exposición en solitario ese mismo año en las galerías Syra, cuya propietaria era Montserrat Isern, una vieja conocida y compañera del exilio francés. Al año siguiente volvió a exponer en la misma sala una selección de dibujos coloreados bajo el título de “Rincones de la Barcelona vieja”. También prosiguió realizando caricaturas al margen de la prensa que regalaba a sus familiares y amigos.

En 1950 Passarell participó con dos acuarelas de la playa en la Exposición Local de Bellas Artes de Badalona y consiguió una Mención Honorífica y en 1962 concurrió otra vez con tres acuarelas, una de las cuales obtuvo un premio especial. Igualmente, en 1954 y en 1955 expuso diversas obras, dos de las cuales fueron adquiridas por el Ayuntamiento para ser destinadas a su futuro museo de la ciudad. En 1954 volvió a exponer en las galerías Syra y en 1967 en el Taller d’Art de Pobla de Claramunt.

A partir de entonces Jaume Passarell se entregó casi por entero a la literatura que ya había ejercido durante la guerra civil, y se dedicó a describir sus experiencias en tres libros consideradas de memorias. Uno que publicó en 1971 y giraba en torno a sus vivencias como redactor de La Publicitat, el diario para el cual trabajaba de reportero y los otros dos escritos en 1968 y 1974 sobre la Barcelona que conoció de joven. También redactó unas biografías de Lerroux-Azaña; una obra de ilustraciones sobre personajes famosos de los años sesenta y un libro sobre la localidad de Tiana. Al enviudar se trasladó a casa de su hijo Salvador en Barcelona y poco tiempo después, el 5 de febrero de 1975, falleció, siendo enterrado en el cementerio general de Badalona.

Ubaldo Izquierdo Carvajal (1896-1960)

El que sí describió y recreó con sus apuntes, bocetos y acuarelas su visión trágica de este campo fue el pintor y militar madrileño Ubaldo Izquierdo Carvajal, quien con ello trató de denunciar la hipócrita política humanitaria y el falso moralismo del gobierno francés y la humillación y los malos tratos recibidos por sus compatriotas. Sus trabajos fueron impresionantes testimonios gráficos de las penalidades que sufrieron los refugiados, a la vez que les supo impregnar de una ternura sensible y delicada, por lo que algunos los consideraron como lo mejor de su producción artística.

Ubaldo Izquierdo Carvajal nació en Madrid, en 1896. Cursó la carrera militar siendo destinado al Batallón de Cazadores de Talavera número 18. En junio de 1918 contrajo matrimonio con Rosa Carreras Chacón. Alternó su actividad castrense en varios destinos geográficos con la práctica de la pintura dentro de un estilo figurativo, participando en diversas exposiciones colectivas y en el XIV Salón de Otoño de Madrid organizado por la Asociación de Pintores y Escultores. Establecido en Barcelona frecuentó sus círculos artísticos y concurrió a varias exposiciones.

En la guerra civil apoyó la causa republicana y como militar profesional participó en diversas acciones bélicas y en actividades propagandísticas. A su término cruzó la frontera francesa siendo capturado por la gendarmería e internado en el campo de concentración de Argelès-sur-Mer, donde realizó dos dibujos sobre la vida de los prisioneros que fueron entregados y conservaba la familia del pintor Gerardo Lizarraga en México.

Allí contactó con el pintor, dibujante y poeta sevillano Manolo Valiente, y junto a él participó en la creación el 17 de junio de 1941 de un Centro de Educación y Trabajo (CET) previa autorización oficial del inspector del campo. Estaba estructurado en diversos talleres que proponían los mismos prisioneros realizando trabajos manuales, una escuela técnica, clases de educación física y una escuela práctica. Se hizo cargo del taller de Bellas Artes impartiendo diversas disciplinas, como paisaje, composición decorativa y talla.

En 1941 al cerrarse el campo Ubaldo Izquierdo fue enviado al de Barcarès y al recuperar la libertad gracias a las gestiones realizadas por diversas confesiones religiosas y organismos humanitarios se trasladó Toulouse, donde rehízo su vida familiar y reanudó su actividad pictórica.

Ubaldo Izquierdo cultivó un estilo figurativo centrado principalmente en paisajes costumbristas, composiciones de figuras y bodegones. Entre sus obras destacaban “Panorama de Barcelona desde las canteras o Casa Bato” (1935), “Un aspecto gris de Barcelona” (1935) y “Trabaux Des Champs” (1945). Frecuentó los círculos de artistas republicanos y falleció en 1960. Su obra se encuentra representada en el Museo Nacional Reina Sofía de Madrid y en diversas colecciones privadas.

Francisco Rivero Gil (1899-1972)

La vida se detuvo de pronto cuando en su exilio francés el pintor y dibujante santanderino Francisco Rivero Gil fue recluido en este campo cuya estancia aprovechó para dar prueba de su sentido del humor a través de numerosas caricaturas y viñetas relacionadas con personajes ficticios o reales que deambulaban por este entorno y en los que no era difícil seguir la sombra de otros creados en épocas anteriores. A pesar de ser él mismo víctima de este sistema concentracionario desarrolló con sus dibujos humorísticos un universo gráfico inventado en el que aunaba unos una sintaxis críptica donde las palabras se convertían en hirientes puntillas y las imágenes en un enigmático testimonio y referencia de lo que veía en su entorno. Su fama le precedía antes de ser recluido en el campo, ya que durante los años veinte y treinta fue uno de los más relevantes dibujantes caricaturistas españoles, colaborando en diversos diarios y revistas satíricas, donde su firma alcanzó una gran popularidad. Destacó además como pintor de caballete, siendo autor de excelentes paisajes, retratos y composiciones de figuras, que la crítica especializada y el público siempre valoró.

Francisco Rivero Gil nació en Santander, el 12 de febrero de 1899, en el marco de una familia numerosa de la clase media con grandes inquietudes intelectuales. Su padre, Jesús Rivero Herreria, delineante del puerto de Santander y profesor de Dibujo en la Escuela de Artes y Oficios, le despertó muy pronto su vocación artística y le proporcionó los primeros consejos. Siguiendo sus pasos cursó los primeros estudios artísticos en la Escuela de Artes y Oficios de Santander, y a los 18 años ganó una plaza de delineante del Catastro y fue destinado a Segovia, y más tarde a Sevilla, donde completó su formación en la Escuela de Bellas Artes.

Comenzó a colaborar como caricaturista en las páginas del periódico maurista El pueblo cántabro, donde a partir de 1917 sucedió como viñetista humorístico e ilustrador gráfico al pintor Gerardo Fernández de la Reguera “Areuger” que se había trasladado a Madrid. Concurrió a la Exposición de Artistas Montañeses celebrada en el Ateneo de Santander, en 1918, donde, tras mostrar sus caricaturas en 1922, volvió a exponer en 1925, participando en el Salón de Humoristas de Madrid en el que recibió el segundo premio del Concurso de Carteles del Noticiero Sevillano, en 1935.

Como pintor se sintió atraído por el paisaje y los tipos santanderinos relacionados con Puerto Chico y su ambiente de pescadores y pescadoras, además del mundo del espectáculo y de los bajos fondos, y también por el fútbol. Sentía lo popular y lo autóctono de una manera muy especial. Escenas y tipos montañeses comenzaron a partir de la segunda mitad de los años veinte a aparecer en las páginas de los rotativos en los que colaboraba, además de estar presente en los diseños para la cartelería. Ejecutó anuncios publicitarios como por ejemplo para la marca de papel de fumar Abadie y diseñó carteles para diferentes acontecimientos regionales, como los concebidos para “El Día de Santander” (1924) organizado por la Asociación de la Prensa de Cantabria o en la campaña Santander en verano para ese mismo año. Realizó además portadas para la editorial Espasa Calpe (1925-1935) y otras para libros particulares de sus amigos, como los de Manuel Llano, El sol de los muertos (1929) y Brañaflor (1931).

Fuertemente comprometido con el ideal republicano abrazó el 14 de abril de 1931 la proclamación de la II República y participó en algunas de sus iniciativas para llevar el arte y la cultura a todos los rincones del país. Pronunció el 29 de febrero de 1932, en el Teatro Español de Madrid, una conferencia ilustrada con sus dibujos sobre los últimos acontecimientos de la historia de España que repitió más tarde en el Ateneo Popular de Santander justo el año en que la edición de Flor de leyenda, de Alejandro Casona, ilustrada por él, recibió el Premio Nacional de Literatura. Colaboró con sus ilustraciones y dibujos, en diversos diarios y revistas madrileñas, como Sol y Libertad.

Al estallar la guerra como un activo militante socialista que era salió en defensa de la República y tras permanecer en Madrid un breve tiempo se trasladó a Valencia donde realizó el cartel de propaganda “¡Atención! Las enfermedades venéreas amenazan la salud. ¡Prevente contra ellas!”, por encargo de la Jefatura de Sanidad del Ejército e impreso en Litografía J. Avino –UGT-CNT. Se mostraba a un combatiente republicano, en un simbólico color rojo, que contrastaba con la blanca mujer que lo abrazaba. A manera de metáfora visual se pretendía que los soldados al contemplar esta aparentemente escena amorosa comprendieran la terrible amenaza de muerte que podía transmitir el contagio por sífilis por parte de prostitutas no controladas sanitariamente.

Se mudó a Barcelona acompañando al gobierno republicano y con la caída del frente de Cataluña se trasladó a Francia siendo capturado por la gendarmería que lo recluyó en el campo de Argelès-sur-Mer donde permaneció 18 meses hasta que fue puesto en libertad.

Junto con cinco de sus hermanos, entre los que estaban Jesús Rivero Gil, emigró a la República Dominicana donde la familia se dividió al trasladarse unos a México, otros a Colombia y otros a Venezuela. Un hermano suyo Luciano Rivero (“Chano”), el menor, se quedó en España herendando el cargo de delineante del Puerto santanderino.

En Santo Domingo, Francisco Rivero Gil entró en contacto con otros artistas y caricaturistas republicanos, entre ellos, Antonio Bernad “Toni”. Se trasladó más tarde a Colombia y finalmente a México. El poeta León Felipe le consideraba su ahijado. Allí frecuentó la tertulia del Café Sorrento, a la que además asistían León Felipe, José Domingo Samperio, Jesús Revaque, Alfonso de la Mora. Colaboró como ilustrador en la revista La Montaña, órgano de la colonia montañesa en México y con dominical Claridades (1950-1955).

En 1946 ilustró el libro de Antonio de la Villa, Manolete, otra época del toreo, junto a Ricardo Marín. Para muchas de las películas realizó carteles publicitarios y mantuvo una cordial relación con la bailaora Carmen Amaya, gitana y santanderina de adopción. Murió en esta capital, el 24 de enero de 1972.

Frederic Sevillano i Doblanc (1902-1996)

Al término de la guerra civil española cuando el ilustrador, dibujante y autor de cine de animación catalán Frederic Sevillano i Doblanc gozaba de un enorme prestigio y era muy respetado, cruzó la frontera, siendo capturado y recluido en este campo de concentración, donde verdaderamente adquirió plena conciencia de su condición de desterrado republicano que siempre le persiguió y de la que nunca renunció. Pero, sobre todo, fue su experiencia concentracionaria en aquel lugar hostil lo que verdaderamente quedó grabado en su mente y congeló de forma estremecedora sus recuerdos convertidos muchos años después en verdaderas pesadillas. A diferencia de la mayoría de sus colegas refugiados, no quiso quedarse, ni viajar a otras naciones, ni establecerse en el país que le había ofrecido asilo, tal vez el temor y la propia seguridad que él mismo presentía por el inicio de la II conflagración mundial. Y con su asumida decisión de repatriarse evitó la ocupación alemana y la posibilidad de ser detenido por la Gestapo y enviado a un campo de exterminio como muchos de sus compatriotas dada su condición de combatiente republicano.

Frederic Sevillano i Doblanc nació en Barcelona, el 18 de julio de 1902. Se formó como dibujante en diversas academias de su ciudad natal y colaboró en numerosas revistas y publicaciones satíricas barcelonesas. En la guerra civil abrazó la causa republicana, alistándose como voluntario en el Ejército Popular y combatiendo en diversos frentes. Al término de la contienda, en 1939, cruzó la frontera francesa siendo arrestado por la gendarmería y recluido en el campo de concentración de Argelès-sur-Mer donde realizó numerosos apuntes y bocetos acerca de la vida cotidiana de los prisioneros republicanos.

A su retorno a España fue detenido por la policía franquista, juzgado por “Auxilio a la rebelión” y condenado a muerte, una pena que le fue conmutada gracias a la mediación de un sobrino militar por una larga condena a prisión. Una experiencia carcelaria que se prolongó nueve meses en la cárcel modelo de Barcelona que le afectó mucho y cuyo testimonio recogió en un álbum de fotografías y dibujos.

Cultivó preferentemente el dibujo satírico, la ilustración y también trabajó de animador en los estudios madrileños “Chamartín”, que se habían construido en 1935, en el número 5 de la Avenida de Burgos, en Chamartín de la Rosa (Madrid), por el arquitecto Rafael Bergamín, arquitecto modernista, que se paralizaron al estallar la contienda, para inaugurarse oficialmente el 17 de abril de 1941 y en el que llegaron a trabajar 255 empleados.

Destacaban las películas de dibujos animados Don Cleque va de pesca (1940); Don Cleque de los monos (1941); Los reyes magos de Pituco (1943); Garabatos Ramper (1943) i Garabatos Valeriano León (1944); Don Cleque, en el Oeste (1944); Don Cleque y los indios (1945); Érase una vez… (1950) y Fisiología de la respiración (1956). Falleció en Barcelona, el 17 de agosto de 1996.

Andreu Dameson i Aspa (1897-1967)

Cargando las tintas algunos especialistas en arte, llevados por su admiración y a través de sus propios filtros valorativos, llegaron a pronosticar que el polifacético artista Andreu Dameson i Aspa era uno de los mejores caricaturistas catalanes del siglo XX, tal vez por haber impregnado a sus obras unos rasgos geométricos cubistizante resultado de su formación y experiencias durante sus reiteradas estancias en la capital francesa. Se convirtió más en un personaje atípico del mundo intelectual y en un carismático creador plástico que dominaba por igual la pintura, el dibujo, la ilustración, y sobre todo, como perspicaz autor de famosas caricaturas de personajes célebres de su tiempo, un género en el que siempre brilló y le abrió las puertas de la popularidad. Algunos de sus exégetas consiguieron eliminar la hojarasca y las anécdotas que rodeaban su personalidad repleta de aristas para centrarse en su talante de dibujante caricaturista, lo que le permitió colaborar en las mejores revistas y publicaciones satíricas de su tiempo, permitiendo sobrevivir y sacar adelante a su familia.

Andreu Dameson i Aspa nació el 17 de septiembre de 1897, en La Garriga, una ciudad de la provincia de Barcelona situada en la comarca del Vallés Oriental, muy conocida en toda Cataluña por su industria más importante, los muebles, por sus aguas termales, por sus edificios modernistas y por las alfombras que se realizan durante la fiesta del Corpus Christi. Procedía de una familia de clase media de origen occitano y era hijo de un electricista. Estudió en la Escuela Pública donde muy tempranamente dio muestras de una gran destreza para el dibujo, lo que fue advertido por sus maestros.

Siendo muy joven, en 1915, Andreu Dameson empezó a colaborar publicando caricaturas con el seudónimo “Galeno“, en la revista local Xàfec, de tendencia satírica y anticlerical. En 1918 se trasladó a Barcelona para proseguir los estudios artísticos en varias academias libres y poco después con el apoyo de la colonia de veraneantes de su ciudad consiguió reunir el dinero necesario para trasladarse a París donde vivió una experiencia bohemia enriquecedora y entró en contacto con los movimientos de vanguardia. A su regreso reanudó sus colaboraciones en diversas revistas satíricas catalanas, como L’Esquella de la Torratxa y La Campana de Gràcia, además de otras publicaciones locales de su comarca, como La Gralla de Granollers.

En 1923, en un intento desesperado para evitar un matrimonio pactado y no deseado con una señorita burguesa de su pueblo, se trasladó a Argentina, estableciéndose en Buenos Aires, donde entró en contacto con la colonia catalana muy influyente en la capital, y conoció a la joven francesa Susane Junon. Al cabo de un año y a causa del agravamiento de la salud de su progenitor regresó a La Garriga y colaboró en diversas revistas satíricas como L’Esquella Torratxa, La Campana de Gràcia y La Gralla, de Granollers. Aprovechó su estancia para realizar de nuevo un breve viaje a París, estableciendo lazos de amistad con Pablo Picasso, Georges Braque, Manolo Hugué, Juan Gris y Pablo Gargallo, que le influyeron en el cubismo.

Sus dibujos se hicieron más geométricos a través de un diseño de líneas, constructivo y simplificado, como si asemejaran alambres, anticipando lo que luego serían las obras de Alexander Calder. En 1925 realizó la famosa caricatura del líder ruso León Trotski, resuelta con contundente empleo de tinta, que creaba sensaciones de luces y sombras, precursora de su característica tridimensionalidad que más tarde perfiló su estilo.

La dura competencia profesional y de sus deseos de triunfar al otro lado del océano, le llevó en marzo de 1927 a regresar de nuevo a Buenos Aires, donde le esperaba su prometida francesa Susana Junon, con quien poco después contrajo matrimonio y tendría un hijo. Para ganarse el sustento colaboró en los diarios bonaerenses La Acción y Diario de Plata y en las publicaciones francesas Le Sourieure y Le Miror, siendo nombrado además director artístico de la revista Atlántida. Su dibujo caricaturesco comenzó a adquirir una gran personalidad a través de una gran síntesis y un juego intelectual y psicológico con el que creaba personajes satíricos y agresivos. Su reconocimiento internacional se produjo cuando en 1932 consiguió el primer premio con una caricatura del político catalán Francesc Macià en un Concurso Internacional de Caricatura celebrado en Nueva York, en competencia con otros humoristas internacionales.

Fue el interés y la esperanza que le despertó la proclamación de la II República un año antes lo que le hizo plantearse la necesidad de regresar ese mismo año con su familia a Barcelona reanudando su actividad como caricaturista en diversas revistas satíricas y en 1933 fue nombrado Hijo Predilecto de su ciudad natal, La Garriga.

El estallido de la sublevación militar del 18 de julio de 1936 truncó su brillante carrera como dibujante. Comprometido políticamente con el catalanismo de ERC y la izquierda abrazó la causa popular que consideraba justa, participando en tareas de propaganda bélica. Colaboró en 1937 con la Generalitat de Cataluña en una exposición celebrada en las galerías Syra de Barcelona, promovida por su Comisariado de Propaganda, en la que reunía una veintena de caricaturas de jefes de estado de todo el mundo y otros dirigentes políticos para recaudar dinero con destino a los niños huérfanos catalanes, destacando, entre ellos, los que realizó de Manuel Azaña, Lluís Company, Dolores Ibarruri, Francesc Macià, Juan Negrín, Josep Tarradellas y Buenaventura Durruti, resueltos todos ellos con trazos geométricos y líneas duras y frías.

Con la caída en 1939 del frente de Cataluña Andreu Dameson cruzó la frontera francesa siendo apresado por los tiradores senegaleses y recluido en el campo de concentración de Argelès-sur-Mer, próximo a Perpiñán, que abandonó utilizando una inteligente estratagema que pasó inadvertida por sus guardianes senegaleses. Los confundió recurriendo a su perfecto dominio del francés y al hecho de vestir un pomposo abrigo y cubrirse las manos con guantes blancos simulando ser un inspector de campos del ejército francés. Les sorprendió irrumpiendo en la garita y pronunciando a voces órdenes de mando en perfecto francés lo que les indujo al equívoco que le permitió abandonar el campo por su puerta grande tal y como había anunciado unas horas antes a sus compañeros de reclusión.

Tras producirse el reencuentro con su mujer y su hijo Andreu Dameson consiguió documentación y pasaje para embarcar el 5 de noviembre de 1939 en el trasatlántico “Massilia” que le trasladó con su familia a la Argentina. En su capital reanudó su trabajo de caricaturista colaborando en revistas como Crítica, Ressorgiment y Catalunya y en Los Anales, dirigida por el escritor Jorge Luis Borges, y también realizando para un diccionario universal ilustraciones surrealistas. El dibujo que ejecutó para la portada del número de noviembre de 1940 de la revista Catalunya de Buenos Aires, una alegoría a la ejecución del político catalán autonomista Lluís Companys por el régimen franquista, dio la vuelta al mundo y le proporcionó una gran aureola de prestigio como dibujante. Falleció el 11 de abril de 1967, en Buenos Aires (Argentina).

Leandro Cristòfol i Peralba (1908-1998)

En el campo de concentración se encontraba el escultor y dibujante autodidacta leridano Leandro Cristòfol Peralba que, en la década de los años treinta, ejemplificó como ningún artista español, la influencia del surrealismo que asimiló de manera intuitiva, heterodoxa y muy personal, lo que le llevó a estar considerado como uno de los pioneros de la escultura surrealista en Cataluña. Y precisamente esa intuición suya es lo que explicaba la simplicidad, la pureza y la ingenuidad de su lenguaje escultórico al margen de cualquier tipo de referencia literaria, programas, teorías e istmos. De formación autodidacta se entregó a la elaboración de obras experimentales no figurativas, así como retratos y otras de temática religiosa, de clara connotación dadaísta y surrealista.

Leandro Cristòfol i Peralba vino al mundo en Os de Balaguer (Lleida), el 8 de junio de 1908 en el seno de una familia payesa. Cursó los estudios primarios en su ciudad y en 1922 se trasladó a Lleida donde trabajó de aprendiz en un taller de ebanistería y se familiarizó con el tratamiento y manipulación de la madera. Al mismo tiempo, frecuentó la academia del pintor valenciano Justo Almela y poco después ingresó en la Escuela de Artes y Oficios para posteriormente trasladarse a Barcelona donde prosiguió su formación en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi. Al finalizar los estudios se entregó a la talla de madera y comenzó a interesarse por la técnica del forzado en hierro.

Su obra se mostró por primera vez en una colectiva de artistas del grupo “Un Altres” constituido por Ramón Roca y Josep Sanàbria, que tuvo lugar en el Museo de Arte Jaume Morera de Lleida en octubre de 1930. Volvió a exponer en marzo de 1932 formando parte del grupo “Studi d’Art” en el Casino Independiente, y posteriormente lo hizo en las galerías Laietanas de Barcelona.

Se dio a conocer en una muestra en solitario que celebró en el Casino Independiente, del 24 de septiembre al 8 de octubre de 1933, en la que junto a obras figurativas se encontraba la titulada “Cosa lírica” que sorprendentemente no lo era, y que sería un precedente de su vocación experimentadora posterior. Presentó su pieza “Construcción lírica” en el Concurso de Primavera promovido por el Ayuntamiento de Lleida en mayo de 1934 y en la que concurrieron 34 artistas leridanos. En 1936 participó con sus obras “Peix damunt la platja” (Pez cerca de la playa), “Nit de Lluna” (Noche de Luna), “L’aurèola astral i impassibles está a punt de sortir” (La aurora astral e impasible está a punto de salir) y “Finestra” (Ventana) a la exposición “Lógicofobista”, que promovió ADLAN en Barcelona.

Al estallar la guerra civil, el 18 de julio de 1936, apoyó la causa republicana y participó en tareas de recuperación y salvamento del patrimonio artístico junto a sus compañeros Crous y Lamolla. En 1938 se incorporó como soldado en el ejército republicano siendo destinado a un puesto en la retaguardia. Entretanto, una representación de su obra formó parte de unas exposiciones internacionales del surrealismo que itineraron por Tokio y París gracias a las gestiones llevadas a cabo por sus amigos Manuel Viola y Benjamín Peret. Al término de la contienda cruzó la frontera, siendo arrestado por la gendarmería y recluido primero en un campo de concentración cercano a Perpiñán y más tarde, al de Argelès-sur-Mer.

A su regreso a España se vio obligado a cumplir el servicio militar en un campo de trabajo de Marruecos y una vez licenciado reanudó su actividad escultórica primero en Lleida y más tarde en Barcelona donde se instaló a finales de 1943. Tres años después, juntamente con Marià Gomà, Josep Benseny, Abad Gil y Charles Pardell, inició la gestión para poner en marcha una academia de artes plásticas en el Círculo de Bellas Artes donde ejerció la docencia como profesor de Dibujo Artístico. En 1949 celebró una muestra en solitario en el Instituto de Estudios Ilerdenses presentando una producción figurativa de temática popular; en 1951 fue seleccionado para participar en la I Bienal Hispanoamericana de Arte con una serie de obras figurativas y posteriormente lo hizo en el IV Salón de Octubre de Barcelona.

En 1952 participó en la exposición colectiva del Círculo Maillol de Barcelona lo que le permitió obtener una beca para trasladarse a París y ampliar conocimientos y en 1953 volvió nuevamente a esta ciudad al obtener una nueva beca concedida por el Instituto Francés de Barcelona. Aprovechó su estancia de varios meses para frecuentar los círculos de artistas españoles, visitar sus museos y entrar en contacto con la vanguardia escultórica internacional.

A su retorno a su ciudad se incorporó como profesor de Dibujo en la Escuela del Círculo de Bellas Artes. En marzo de 1955 celebró otra exposición individual en la Caja de Ahorros donde reunió piezas de carácter figurativo y centradas exclusivamente en la iconografía de los crucificados y en 1956 volvió a exponer en el Círculo de Bellas Artes en la que hizo un repaso de su trayectoria figurativa.

En 1959 tomó la decisión de dar un giro a su producción y retomar su variante experimentadora y no figurativa que reunió en su muestra “Abstractos” en los que se advertía los aires de la renovación artística. En 1960 se editó la primera publicación dedicada a él que recogía textos de diversos autores, una entrevista y una selección de fotografías representativas de su trayectoria artística. Entre 1961 a 1973 ocupó la plaza de enseñanza artística en el Instituto Mario Torres de Segunda Enseñanza y en 1963 presentó la muestra “Situaciones y aproximaciones” en el Instituto de Estudios Ilerdenses

En 1983 recibió la Cruz de Sant Jordi de la Generalitat de Cataluña; en 1990 el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1991 el Premio “José González de Peña” de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1989 otorgó al Ayuntamiento de Barcelona un conjunto de 64 esculturas y objetos y 22 dibujos que, al cabo de los años, formarían parte de las colecciones del Museo de Arte de Cataluña y en 1990 donó al Ayuntamiento de Lleida 80 esculturas, objetos y dibujos a cambio de una renta vitalicia. En 1991 su obra se incluyó en las exposiciones “Picasso, Miró y Dalí” que promovió la Schirn Kunsthalle de Frankfurt y la muestra “Constantes del arte catalán actual” celebrada en el Museo “Rufino Tamayo” de México, Museo de Arte Moderno de Monterrey y finalmente en el Centro de Arte de Santa Mónica. Una parte importante de sus obras se expusieron permanentemente en la sala “Leandro Cristòfol” de Lleida inaugurada en 1995 y que funcionó hasta 2007 que pasó a formar parte del espacio expositivo del Museo de Morera.

Leandro Cristòfol falleció en Lleida, el 19 de agosto de 1998. Sus herederos donaron su colección privada, archivo y su biblioteca al Ayuntamiento de su ciudad un año después de su desaparición.

Enric Crous-Vidal (1908-1987)

La actividad creadora desarrollada en este campo de concentración por el pintor, dibujante, ilustrador y grafista catalán Enric Crous-Vidal le sirvió como vía de escape de la humillación, rabia acumulada y desahogo, pero también de resistencia, que sentía por su condición de combatiente republicano derrotado, obligado a convertirse en un apátrida y a vivir un incierto exilio exterior. Para dar salida a su frustración de cautivo se entregó a realizar pequeños dibujos a lápiz o a tinta, acuarelas y pinturas, sobre la existencia cotidiana de los prisioneros, o retratos y caricaturas, que luego intercambiaba con sus compañeros o guardianes por cigarrillos, comida o medicinas. Alcanzó también un gran prestigio como tipógrafo, donde destacó como defensor de la grafía latina al imponer el uso de estructuras sintéticas, arabescos decorativos y nuevos grafismos en contraposición a la rigidez de los caracteres cúbicos, trazados en regla y compás del estilo germánico predominante en el primer tercio de siglo XX. A pesar de su formación autodidacta y, al tiempo que mostró un gran interés en el desarrollo de la tipográfica a través de la fundación de escuelas, creación de empresas, publicación de artículos divulgativos en revistas, edición de libros y conferencias, destacó igualmente por poseer otras inquietudes y habilidades, desde una perspectiva experimentadora, transgresora y de compromiso con el arte, como divulgador de los movimientos de vanguardia, creador de agencias de publicidad, fundador de revistas, impulsor de cines-clubs, fotógrafo aficionado, defensor del patrimonio artístico en la guerra civil, colaborador de publicaciones antifascistas, falsificador, diseñador gráfico, protector de los tesoros artísticos franceses, restaurador de relojes de sol, escritor memorialista y notable pintor de caballete en el arrabal de su senectud.

Enric Crous-Vidal vino al mundo en Lleida, el 6 de agosto de 1908, en el seno de una familia de palleses muy conocida y apreciada que procedía de Arbúcies (La Selva), y cuyo padre trabajaba de capataz en la compañía de teléfonos de la Mancomunidad de Cataluña en Ponts. Pronto se le despertó su vocación artística, destacando entre sus compañeros de la escuela por su dominio del dibujo, mientras que era un gran lector de tebeos y revistas ilustradas.

Frecuentó los círculos artísticos y entró en contacto con otros jóvenes artistas entre los que se encontraban Josep Benseny, Carlos de Haes, Xavier Gosé, Antoni Samarra, Baldomer Gili Roig, Jaume Morera, Prudenci Murillo y Manuel Villegas. Se dio a conocer como artista en una exposición que celebró en 1929 en el Casino Mercantil de su ciudad y al año siguiente publicó su primer programa artístico de la Fiesta Mayor que continuaría haciéndolo las ediciones siguientes. En 1931 se consolidó como artista al proclamarse ganador del Certamen de Arte y Técnica del Casino de Clases de Madrid con la obra “La Pantomima bohemia” y ese mismo año abrió la agencia de publicidad Studi Llamp, dedicado a la propaganda y al diseño publicitario.

Creador de la revista Art, que se definía como una publicación internacional que acogía las ideas de una época marcada por una visión del arte más comprometido con la sociedad. Para ello se convirtió en un foco aglutinador de relevantes artistas locales, como Josep Viola, Leandre Cristòfol y Antoni G. Lamolla. Desde sus inicios adquirió un carácter radical en sus planteamientos alrededor del arte oficial, al considerar que “la tradición es la negación de la evolución” y defender un arte combativo, cosmopolita y vanguardista, para lo cual publicó sus poemas, ensayos y escritos, con un diseño muy moderno y próximo a la tipografía visual. Dio cabida a las nuevas tecnologías impresoras y también a los distintos ámbitos de la actividad cultural, como la literatura, el arte, el cine, la fotografía, la música y la danza, siempre desde una perspectiva experimentadora y transgresora, al punto de que sus colaboradores se definían a sí mismos de “actius terroristes culturals” más conservadores de la ciudad.

Al tiempo que dirigía la revista tuvo un importantísimo activismo como promotor cultural en diversos ámbitos, siendo uno de los creadores del primer cineclub de su ciudad, pero sobre todo en el ámbito de la grafía fue uno de los principales difusores de la nueva tipografía publicando un tratado sintético de caligrafía en la que establecía las pautas de su estilo personal. Dio a conocer su obra en una exposición en solitario en 1934 en las galerías Laietanas de Barcelona y poco después el Círculo de Bellas Artes de Madrid, además de su ciudad natal.

En la guerra civil abrazó la causa republicana participando inicialmente como artista en los talleres de propaganda bélica y colaborando en diversas publicaciones antifascistas. Juntamente con su amigo AG. Lamolla trabajó en la salvaguardia del patrimonio artístico de Lérida y Aragón y como representante de la Generalitat de Cataluña evitó que muchos edificios religiosos y obras de arte de iglesias, conventos y seminarios fuera destruidas por las masas incontroladas. Al ser militarizado fue destinado con el rango de Teniente a una unidad militar que combatía en el frente de Huesca y posteriormente al del Ebro.

Cuando la ofensiva nacional a Cataluña cruzó la frontera francesa, siendo detenido por los gendarmes y recluido en el campo de refugiados de Argelès-sur-Mer, donde se encontraba su amigo Leandre Cristòfol. Durante su estancia allí realizó algunos dibujos de tema concentracionario y mantuvo correspondencia con Christian Zervos. Aprovechando una evacuación consiguió abandonar su encierro hasta llegar a Montauban, donde se quedó, acogido por los cuáqueros americanos.

Durante la ocupación, en 1942, ingresó la clandestina resistencia francesa en labores de falsificación de salvoconductos y documentación gracias al dominio que tenía de las técnicas gráficas. Debido a su experiencia en la guerra española en las labores de salvamento del patrimonio artístico le propusieron trabajar en la protección de los tesoros artísticos franceses. En concreto se encargó de trasladar algunas piezas del Louvre al Museo de Ingres de Montauban. Mantuvo una estrecha relación con el conservador jefe del Louvre y director de los museos de Francia, René Huyghe, quien al advertir los grandes conocimientos técnicos que poseía, le encomendó la restauración de los relojes de sol de los monumentos históricos. El primero que restauró fue el de la iglesia de Saint Jacques en la plaza Nationale de Montauban, una réplica de la plaza des Vosgues de París, que tenía claustro y tímpano románico, y estaba situada en el camino de Santiago. También restauró el del Lycée de Moissac, para acabar con el de la iglesia de Saint-Michel y el de la Tour de l’Horloge de Verdun-sur-Garone. En el tiempo libre que disponía solía frecuentar en los porches de la plaza Nationale una tertulia artística formada por el conservador del Museo de Ingres, M. Bouyssat; M. Rolland, un auténtico humanista y el pintor Padilla, refugiado que de joven formaba parte del círculo de amistades de Picasso en Barcelona, y algún otro.

Al término de la II Guerra Mundial, en 1945, decidió establecerse en la capital francesa, donde amplió sus conocimientos gráficos, incorporándose más tarde a la imprenta Draeger Frères, para la que realizó diversos proyectos en un estilo elegante y objetivo que había caracterizado a la casa antes de la guerra. Allí conoció a Maximilien Vox, un experto en la clasificación de caracteres, quien le proporcionó buenos consejos y le despertó la curiosidad por la letrística en el terreno de la tipografía, los caracteres fundidos en plomo. Era, además, el editor de la revista Caractère, en la que publicó algunos artículos en defensa de una grafía entroncada en la tradición mediterránea, y dio a conocer sus letras, fundidas por la Fonderie Typographique Française a partir de 1951 y bautizadas con nombres como “Flash, Paris, o Ile de France”.

En 1947 contrajo matrimonio con Denise-Madelaine Kohler, con la cual se estableció en la localidad de Boulogne-Billancourt, y poco después tuvieron un hijo. En 1950 abrió su propio taller de tipografía y comenzó a elaborar sus primeros caracteres que lo consolidó como uno de los grandes renovadores de este campo y un defensor a ultranza de los criterios de grafismo latino frente al germánico. Se le consideró el verdadero creador de la Escuela de Grafía Latina, en la que defendió la necesidad de establecer un nuevo sistema de estructuras tipográficas y de nuevos grafismos, en caracteres tipográficos y arabescos decorativos, más acorde con el espíritu latino, en contraposición con la rigidez de los tipos germánicos, de formas cúbicas, trazadas con regla y compás. A su juicio había que anteponer “la mano y el corazón frente al compás y la matemática”, defendiendo la Grafía Latina en contraposición con el carácter germánico.

Adquirió renombre además por las charlas, conferencias y cursos que dictó en 1950, 1953 y 1954, y por su exposición en la parisina galería d’Orsay en 1952. En 1954 fue designado director artístico de la Fonderie Typographique Française, una empresa tipográfica, para lo cual contó con el apoyo de Maximilien Vox, editor de la revista Caractère y fundador de l’Escola de Lure. Entre otras, fue el creador de algunos tipos de alfabetos adaptados usados hoy en el comercio y la industria gráfica, destacando Flash, creados en 1953, con caracteres en mayúsculas, puntuación y números muy apropiado para su uso en carteles y titulares; “París”, de 1953, en las variedades, fino, seminegro y negro, con mayúsculas, puntuación y números; “Ilerda”, de 1945, también denominado Champs Elysées en Francia, carácter que expresaba fuerza, energía pero también elegancia e, incluso, cierto toque de coquetería; “Fuga de arabescos”, de 1954, un sistema expresivo de adornos destinados a complementar los impresos con las especies; en 1952 sacó lo tipos “Catalanes”, influido por las altas decoraciones versallescas, con caja baja, puntuación y números, tipo fantasía, con remates particularmente pronunciados, que transmitían distinción y elegancia y en 1966 creó su última letra que denominó “Structura”, que suponía una especie de homenaje a la “Futura” de Paul Renner y también el último intento de contrarrestar las críticas que le acusaban de falta de rigor en sus diseños.

Enric Crous-Vidal trató de regresar a España en dos ocasiones, siéndole negada su entrada a causa de su condición de exiliado republicano, y sólo después del fallecimiento del dictador a mediados de los años setenta pudo hacerlo, estableciéndose durante breves temporadas en Lleida. A finales de esa década comenzó a retirarse del mundo de la tipografía, centrando su trabajo creativo en la pintura de caballete. Abandonó su militancia como pionero de la renovación tipográfica debido al cansancio, desánimo y decepción provocada por el auge de las propuestas tipográficas más flexibles de la escuela helvética, dominantes desde mediados de los años cincuenta.

Enric Clous-Vidal falleció en 1987, en Noyon (Francia), y tras su desaparición llegaron los homenajes póstumos y las exposiciones retrospectivas. En 2000 el Museu d’Art Jaume Morera de Lleida le dedicó la monográfica “Enric Crous-Vidal: de la publicitat a la tipografía”, comisariada por Patricia Molins; en verano de ese mismo año, el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) de Valencia acogió la misma muestra itinerante y el Museu d’Art Jaume Morera ofreció en 2009 la muestra “Crous Vidal i la Grafia Llatina”, coordinada por Raquel Pelta. En cuanto a las publicaciones dedicadas, en 2007, la Editorial Mediterránea publicó la monografía “Enric Crous. Memòries” y en 2008, Edicions de la Clamor de Lleida, sacó el libro Enric Crous-Vidal. Enfant terrible 1908-1987, de Esther Solé i Martí.

El caricaturista Ernest Guasp.

Ernesto Guasp (1901-1984)

Adscrito a la generación de caricaturistas y dibujantes satíricos de la II República, por su desdén antifascista, sus críticas anticlericales, su antimilitarismo y su rechazo a las ideologías ultraconservadoras, el valenciano Ernesto Guasp, un bohemio de talante anarquista, se vio abocado con la victoria franquista a tomar el camino del exilio. En su paso por el campo de refugiados de Argelèssur-Mer descubrió en sus carnes la terrible experiencia de la vida concentracionaria, los malos tratos, el hambre, las humillaciones y la angustia de vivir sin libertad. Presenció con los ojos de un dibujante de humor, la degradación y la humillación de sus compatriotas, desde la incertidumbre de un futuro incierto, en un panorama prebélico que culminaría con el estallido de la II Guerra Mundial y la ocupación de Francia. Reconoció que aquella situación le sirvió para añadir más experiencias propias que les serían de argumentos fundamentales para elaborar sus chistes, viñetas e historietas de humor que vieron su luz más tarde en importantes revistas y periódicos mexicanos, y que consolidaron su prestigio como gran dibujante satírico y político. Al final, consiguió abandonar el campo por pura providencia gracias a las gestiones que realizó un pariente y embarcar en Marsella con destino al puerto de Veracruz.

Ernesto Guasp vino al mundo en Alzira (Valencia), el 22 de agosto de 1901. Su talante bohemio y nómada de hombre que no tenía muy clara su vocación y sus metas en la vida le llevó a realizar diversos trabajos, recorrer varias ciudades y frecuentar los más importantes conciliábulos artísticos, literarios y políticos de entonces. Trasladó sus inquietudes al dibujo, a los artículos periodísticos y a la literatura que cultivó durante toda su vida. Sin embargo, el prestigio que alcanzó se debió principalmente a sus chistes, viñetas y caricaturas en diarios y revistas.

Se inició como caricaturista político en el diario republicano El Mercantil Valenciano, y después colaboró en diversos periódicos madrileños como El Liberal y El Sol, coincidiendo con los años de la dictadura primorriverista. Al principio de la década de los treinta se trasladó a Barcelona para trabajar como dibujante en diversas revistas satíricas catalanas. Fue cofundador del seminario El Be Negre, publicación satírica considerada la más importante de España en el periodo de 1932 a 1934. En esta revista, dejó pruebas de ser un hombre de una gran capacidad de trabajo y creador, con una inteligencia despierta. Sus comentarios humorísticos y sus chistes políticos suscitaron la admiración de todos por su calidad y el doble sentido de su lectura.

Entre los más recordados está el publicado en el momento más acalorado de las discusiones en el Parlamento de Madrid sobre el Estatuto de Cataluña en 1932. El texto decía: “Os estimamos mucho, pero no queremos dar la lengua”. El periódico barcelonés publicaba veinte mil ejemplares y su influencia era decisiva en los sectores nacionalistas de Cataluña. En El Be Negre se ocultó en numerosas ocasiones bajo el pseudónimo para evitar problemas con la justicia y con ciertos sectores ultraconservadores de la política, la milicia y el clero, en un momento en el que la libertad de expresión se encontraba restringida y amenazada por una fuerte censura estatal.

A pesar de ello en estos años republicanos Ernesto Guasp llevó a cabo una gran actividad como dibujante, caricaturista y humorista y lideró diversas aventuras editoriales. Así, colaboró en diferentes diarios como Las Noticias y El Diluvio, y tras abandonar El Be Negre se incorporó como director de la L’Esquella de la Torratxa, un prestigioso semanario satírico de gran público que se publicaba desde 1872. En la revista trabajaban los más importantes dibujantes humoristas españoles y su contenido se mantenía en la más rigurosa sátira política y social. En sus páginas, articulistas y dibujantes atacaban a la política centralista, a los sectores más reaccionarios de la sociedad y lanzaban duras críticas contra la opulenta burguesía catalana, a su código moral, sexual y social.

Su popularidad alcanzó cotas insospechadas y coincidía en unas fechas en que ningún escritor llegaba a igualar las calidades y el sentido de los dibujantes. Tuvo gran sensibilidad para captar en sus chistes lo que había de ironía burlesca y sátira risueña en esa época convulsiva y contradictoria que se inició con la dictadura no sangrienta de Primo de Rivera y que culminó con el pronunciamiento militar de Francisco Franco. Su humor tocaba humanamente cuestiones actuales de la política, la moral hipócrita y la sociedad de su tiempo. No era un dibujante de humor negro. No buscaba el humor macabro, no pretendió nunca cargar las tintas ni fue un dibujante obsesionado por la política.

Tras la derrota republicana Ernesto Guasp cruzó la frontera francesa por la Junquera junto con su madre y su hermana, siendo arrestado por los guardias móviles y enviado al campo de concentración de Argelès-sur-Mer donde, después de estar unos meses, fue liberado gracias a las gestiones que hizo su “cosí” José Guasp Martínez. Consiguió embarcar en Marsella en un barco que lo trasladó hasta Casablanca, y de allí en el Serpa Pinto al puerto mexicano de Veracruz.

En México Ernesto Guasp reanudó su trabajo como dibujante y humorista. Durante muchos años realizó un chiste diario para el periódico Novedades y trabajó también para el Noticiero Cinematográfico Mexicano y el Popular, entre otras publicaciones. Frecuentó las tertulias donde se agrupaban los refugiados españoles, destacando en ellas por su locuacidad, humor sarcástico e inteligencia. Contrajo matrimonio con una mexicana, con la cual tuvo una familia numerosa. Las necesidades económicas para sacar adelante su familia le obligaron a realizar trabajos de articulista, comentarios taurinos y crónicas cinematográficas.

Por su prestigio le encargaron la dirección de la revista El Torito, una de las publicaciones satíricas más importantes de México. Alcanzó un notable prestigio como humorista y en 1947 se le concedió el primer premio de Caricaturistas de la Asociación Mejicana de Periodismo. Su fama como dibujante fue tan grande que la embajada estadounidense en México le abonaba cincuenta dólares por cada caricatura antisoviética que publicaba. Eran los años de la “Guerra Fría”, cuando las relaciones entre los Estados Unidos y la Unión Soviética atravesaban un periodo de tensión política y militar. Durante los años que duró la crisis, estuvo dibujando y publicando un chiste cada día. No existió una actitud de renuncia ni una toma de posicionamiento ideológico frente a las grandes cuestiones que entonces se debatían en política internacional, sino una necesidad vital de supervivencia en un medio hostil para un exiliado como era la sociedad mexicana de entonces. El humor era para él una suerte de escepticismo que, no obstante, le impedía ser fiel a sus convicciones ideológicas y políticas. Entendía que el humor era una forma de encontrar la espontaneidad primera del mundo y carecía de matices y de colores ideológicos.

Ernesto Guasp fue uno de los más destacados dibujantes humoristas y dibujantes valencianos de vena popular y estilo muy conciso, cuyo mensaje directo llegaba inmediatamente a todos. Sus caricaturas estaban ejecutadas según los cánones del “Art déco”, pero de una manera más sintética. Murió el 6 de enero de 1984 en la clínica Sanatorio Español de México a causa de un enfisema pulmonar.

José Bardasano Baos (1910-1979)

Cuando el pintor, grabador y dibujante madrileño José Bardasano Baos cruzó la alambrada de espinos que cercaba el campo de concentración de Argelès-sur-Mer, que ocupaba una amplísima superficie playera bañada por el mar Mediterráneo, le impregnó una extraña sensación de impotencia y frustración reconociendo con cierto rubor que aquel escenario dantesco donde se hacinaban miles de refugiados republicanos enfermos, hambrientos y desesperanzados, se iba a convertir en una metáfora trágica de los acontecimientos y adversidades de todo tipo que se iban a producir poco después al estallar la II Guerra Mundial y que involucraría a millones de seres. Una experiencia concentracionaria que iba a ser el prolegómeno anticipado del terrible drama que iban a protagonizar los exiliados republicanos, y que él mismo iba a sufrir en sus carnes. Fue un pintor tradicionalista eminentemente figurativo que destacó por su maestría como dibujante. Sus composiciones partieron desde un realismo de raíz clasicista y academicista a otro de técnica más libre y próxima por su colorido a los postulados impresionistas.

José Bardasano Baos vino al mundo en Madrid, el 25 de marzo de 1910, en el marco de una familia humilde. Cursó estudios en el colegio Nuestra Señora de las Maravillas de su ciudad, donde se le despertó su vocación artística. Su precoz talento lo descubrió en 1921 el pintor Marcelino Santa María cuando, con tan solo quince años, se encontraba pintando en la glorieta de Cuatro Caminos, el barrio en el que nació. Le proporcionó los primeros consejos y le ayudó a ingresar un año después como alumno en la sección IX de la Escuela de Artes y Oficios, donde consiguió todas las recompensas y premios extraordinarios de la carrera. A pesar de ello, en 1926 lo suspendieron en las pruebas de acceso a la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en un momento en que ya había empezado a descollar en algunas exposiciones colectivas y conseguir algunos galardones.

Se formó autodidácticamente asistiendo a los estudios de otros artistas y visitando los museos, dando sus primeros pasos como dibujante colaborando en diversos periódicos y revistas, entre ellos, El Socialista. Al tiempo fue adquiriendo un fuerte compromiso social entregándose por entero a la ideología socialista y manteniéndose firme en su postura de que el arte debía ser siempre comprendido por masas so pena de ser contrarrevolucionario o insincero, que era precisamente lo que le estaba sucediendo a Picasso y Dalí. Su reivindicación del tradicionalismo frente a la renovación se tradujo en el desarrollo de un lenguaje artístico propio que estaba más cercano a Velázquez, Tiziano y Van Dyk, por ejemplo, que al camino que estaban siguiendo algunos de sus compañeros. Una actitud estética muy sincera pero que lo colocó a contracorriente de la incipiente vanguardia de entonces. Superado su aprendizaje en diversos medios en 1929 fue nombrado director artístico de la agencia Rex de publicidad y también realizaba trabajos en la prestigiosa casa de vidriería Maumejean.

Se dio a conocer como ilustrador y pintor de caballete participando en diversos concursos y exposiciones, entre ellas, la Nacional de Bellas Artes, donde en ese año presentó un “Autorretrato”. Obtuvo una bolsa de viaje que le permitió hacer una gira por diversas ciudades andaluzas pintando numerosos paisajes y escenas populares. En 1934 celebró su primera exposición individual en la Sociedad “Los Amigos del Arte” y antes de acabar el año se casó con la también pintora Juana Francisca Rubio “Paquita”, consiguiendo una Segunda Medalla en la Exposición Nacional con un retrato de su esposa.

En 1935 viajó por diversos países europeos gracias a una beca concedida por el Legado del Conde de Cartagena y en 1936 expuso toda su obra realizada el año anterior en el Círculo de Bellas Artes de Madrid siendo muy bien acogida por el público y la crítica que destacó sus óleos de corte impresionista y sus abigarrados aguafuertes en los que se advertía ciertas influencias de Durero y Holbein. Concurrió a la Exposición Nacional de ese año con su cuadro “La Retirada”, que representaba una escena de la I Guerra Mundial, y justo cuando su obra se presentaba como una de las candidatas al galardón se produjo el pronunciamiento militar de Marruecos.

José Bardasano se adhirió a la causa popular y cuando se dispuso a presentarse voluntario en las filas del Ejército republicano la Sección de Artes Plásticas de las Juventudes Socialistas Unificadas le propuso la creación y dirección del taller de propaganda bélica “La Gallofa”, una denominación que designaba a la gente vaga y ociosa. Se ubicó inicialmente en un local de la Gran Vía y su imprenta en la cuesta de San Vicente y se dedicó a producir toda clase de propaganda bélica para las JSU y algunas otras organizaciones como las Brigadas Internacionales. Pronto el taller alcanzó un enorme prestigio y atrajo a un buen número de pintores, escultores, dibujantes, cinceladores, grabadores y bordadoras que llevaron a cabo una gran actividad propagandística centrada en la ejecución de carteles de guerra. Él mismo pasó a convertirse sin desearlo en uno de los cartelistas más populares de entonces cuyo lenguaje gráfico estaba emparentado con el realismo socialista de tintes patrióticos y heroicos. Junto a su mujer Paquita, trabajaba todo el día, e incluso vivía y dormía en el taller, a pesar de la amenaza que representaban los bombardeos de la artillería y la aviación franquista. Posteriormente el taller se trasladó al palacio March, un edificio pegado a la actual fundación que lleva ese nombre, en pleno barrio de Salamanca y al ser evacuado el gobierno republicano a Valencia se estableció en esta capital.

A pesar de su activa militancia política siempre se mostró defensor de la vida, lo que quedó manifestado explícitamente en muchas de sus actuaciones, como cuando logró poner a salvo de una cheka madrileña donde se encontraba prisionero y era torturado su amigo el dibujante Antonio Orbegozo, de simpatías claramente fascistas, a quien protegió durante todo el tiempo que duró su presencia en la capital. Acompañó al gobierno republicano a Valencia, instalando su taller en un local espaciosa de la localidad de Paterna. Al mismo tiempo colaboró con la Subsecretaría de Propaganda del Ministerio del Estado y en el Comisariado General de Guerra. Al año siguiente celebró una exposición en esta ciudad y poco después publicó en Barcelona “Mi patria sangra: estampas de la independencia de España”, considerada como su mayor logro, según su propio testimonio y obtuvo por votación popular en la exposición auspiciada por la Cámara Oficial del Libro el primer premio de Carteles. El prestigio conseguido lo sitúo en uno de los lugares preeminentes de la gráfica de guerra española, un encasillamiento que él siempre trató de evitar al considerarse a sí mismo como pintor.

José Bardasano se mudó con su familia a Barcelona, acompañando al gobierno, y en 1938 concurrió a la II Exposición Trimestral D’Arts Plàstiques. Con la caída en 1939 del frente de Cataluña cruzó a pie junto a su esposa, Juana Francisca y su hija de corta edad Maruja, la frontera siendo detenido él por la gendarmería y confinado en el campo de concentración de Arràs y posteriormente en el de Argelès-sur-Mer, mientras que su compañera y su hija, fueron internadas en el campo de Arràs. Poco tiempo después fue liberado gracias a las gestiones realizadas por un grupo de amigos y también de su esposa con personalidades de diversos organismos humanitarios internacionales y con las autoridades francesas. Establecido con su familia en París consiguió visados y documentación a través del recientemente creado SERE que le permitió embarcar en el mítico mercante Sinaía que lo trasladó en junio de 1939 al puerto jorocho de Veracruz. Durante el largo viaje se entregó a realizar ilustraciones para un modesto periódico ciclostilado que publicó un grupo de refugiados.

Se estableció en México DF, donde reanudó su actividad pictórica que compaginó con la docencia artística. Mantuvo muy buenas relaciones con los políticos republicanos del exilio y también con las autoridades mexicanas y en el ámbito artístico desarrolló una frenética actividad a través de exposiciones, colaboraciones en revistas e impartiendo clases de pintura. Allí fundó, en 1945 y junto con otros pintores españoles y mejicanos, el Círculo de Bellas Artes de México, que llegaría a presidir. Acentuó si cabe mucho más su rechazo contra la hegemonía de abstracción en lo que creía ver síntomas de decadencia por su olvido de la forma.

Tres años después de asistir a Moscú a un congreso de pintores y escritores, en 1960, tomó la decisión de regresar definitivamente a España, y establecerse en su capital, muy a pesar de que continuaba gobernando una dictadura encabezada por el general golpista Francisco Franco, tantas veces criticado y denunciado en sus obras hechas durante la guerra. Respaldado por su antiguo amigo Antonio Orbegozo, estrechamente vinculado al diario católico Ya, a la revista Dígame y a Radio Nacional de España a, quien había salvado durante la contienda de una muerte segura, no tuvo problemas con las autoridades para establecerse y reanudar su trabajo. Muy al contrario, en 1961 se sorprendió al recibir la Primera Medalla del Salón de Otoño de Madrid precisamente por una pintura de corte costumbrista algo trasnochada.

En 1963 trasladó su estudio a la localidad madrileña de Cercedillla, donde siguió pintando sus temas preferidos centrados en motivos costumbristas y paisajes rurales y urbanos. Siguió con su querencia de mantenerse fiel a este tipo de estética tradicional y un tanto burguesa muy alejada en aquel momento de auge vanguardista caracterizada por la búsqueda de ambientes costumbristas, viejos rincones, callejuelas y plazas, que resolvía con un cromatismo exuberante. Murió el 30 de junio de 1979, en Madrid, a causa de un infarto de miocardio. En 1984 se le rindió un especial homenaje mediante una gran exposición antológica en la capital promovida por el Banco de Bilbao, y más tarde, en 1986, con otra en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid. En 2011, en Salamanca y bajo el título “Bardasano en Guerra”, se organizó por el Ministerio de Cultura otra gran exposición sobre su obra vinculada a la Guerra Civil Española, con sus carteles propagandísticos como temática central.

Ramón Peinador Checa (1897-1964)

El pintor, dibujante, diseñador y decorador madrileño Ramón Peinador Checa, que había rendido un servicio impagable al arte español del exilio, se vio en la obligación de adoptar, como último recurso que le quedaba, la nacionalidad mexicana ante la negativa o, mejor dicho, acuse de cuentas, de las autoridades franquistas que en plena postguerra le impidieron su regreso definitivo a España a causa de su condición de combatiente antifascista en la guerra civil y autor de una producción gráfica caústica, satánica e irrespetuosa relacionada con la figura del general faccioso Franco, el más revulsivo conspirador contra la legalidad republicana. Añorante por volver a su patria desarrolló en su destierro una obra amplia y polifacética que lo catapultó en el ámbito artístico y le proporcionó dinero, fama y prestigio. Fue una de las víctimas propiciatorias del desenlace de la contienda que frenó de cuajo su imparable carrera artística y lo envolvió en la dinámica perversa de creador transterrado, desarraigado y víctima de una situación no deseada. Un artista consumado al que no le arredraba ninguna técnica y también un “bont vivant”, con aires bohemios, libre e independiente, muy curioso e ingenioso, y con bastante genio, lo que le convirtió en un peligroso contrincante. Dotado de un lenguaje viperino y sin pelos en la lengua fue arrinconado por sus enemigos y recordado únicamente por unos pocos camaradas o algún aislado crítico de arte o historiador en su búsqueda de los últimos representantes de la heterodoxia. Dentro del panorama exílico republicano su trabajo artístico ha comenzado a ser conocido y también su vinculación con los movimientos vanguardistas europeos de los años veinte y treinta, sin olvidar, su producción propagandística durante la guerra civil que lo convirtieron en el centro de las miradas de los facciosos.

Ramón Peinador Checa nació el 25 de diciembre de 1897, en Madrid. Estudió en la escuela pública y muy precozmente se le despertó su vocación artística que le llevó a matricularse en la Escuela de San Fernando y también a frecuentar los círculos y las tertulias artísticas. Sus comienzos fueron en el ámbito de la escenografia, trabajando en la compañía teatral de su hermano Fernando, para posteriormente realizar carteles, ilustraciones y cuadros al óleo. Dotado de un carácter bohemio, gran curiosidad y amante de los viajes, en 1924 se trasladó a París, estableciendo su estudio junto a La Ruche de Montparnasse, donde vivió la bohemia artística y contactó con otros artistas españoles y extranjeros. En este entorno cosmopolita y de libertad total reanudó su actividad profesional en distintos ámbitos, alternando la pintura de caballete, con la aguada, el gouache, el cartelismo, el diseño y la ilustración, al tiempo que descubrió la técnica del “batik” de seda.

Aprovechó su estancia en la capital francesa para hacer un recorrido por Italia y Alemania, conociendo sus museos, contactando con otros artistas y empapándose de sus movimientos artísticos. Concretamente durante su estancia en este último país entró en contacto con la escuela de la Bauhaus, donde se encontraba el núcleo más avanzado de artistas renovadores. Una influencia que marcó su actividad creativa, pero también sus conceptos sobre el diseño, la decoración y la ilustración.

Adquirida una gran experiencia profesional como publicista, diseñador y pintor de caballete, en 1930 regresó a Madrid donde reanudó su labor en el campo de la ilustración, la decoración y la publicidad, mostrándose muy interesado además por el grabado y por la arquitectura mostrándose defensor del estilo racionalista que pretendían introducir los arquitetos más jóvenes.

Se dio a conocer como excelente grafista en 1932 al obtener por unanimidad el primer premio del Concurso de carteles del Baile de Máscaras promovido por el Círculo de Bellas Artes y comenzó a colaborar en el diario ABC y en la revista Blanco y Negro. En 1935 recibió un gran homenaje por parte de sus compañeros de la Unión de Dibujantes Españoles en reconocimiento a los premios que había recibido recientemente por la decoración y el cartel del Salón de Baile “El Espagnolade”. Poco después participó con honores en el concurso de carteles para la Lotería de la Ciudad Universitaria de Madrid y concurrió al XVI Salón de Humoristas de 1933.

Al producirse el 18 de julio de 1936 el levantamiento militar de Marruecos salió en defensa de la legalidad republicana, colaborando en los ministerios de Propaganda e Instrucción Pública, y también con diversos organismos de carácter antifascista. Sus trabajos se publicaron principalmente en el semanario madrileño Hierro, editado por la UGT, donde alcanzó prestigio como autor de un conjunto de historietas y caricaturas que ocuparon 44 páginas. Pero lo más relevante que ejecutó, y que le acarreó, muchos años después problemas, fue una serie de aucas que agrupó bajo el nombre “La vida, puerca y traidora, del fascio, en sencilla historia”, donde atacaba duramente a los seguidores del general Franco. También provocó una gran expectación la serie de viñetas titulada “Heliodoro”, cuyo protagonista era un motorista soldado que era cliente asiduo del Bar Rojo, donde todo el mundo se emborrachaba.

Acompañó al gobierno republicano a Valencia donde permaneció un tiempo y, poco antes de la ofensiva nacional a la provincia de Castellón, se trasladó a Barcelona, donde prosiguió trabajando en tareas de propaganda. Con la caída del frente de Cataluña cruzó la frontera francesa, siendo apresado por la gendarmería y recluido en el campo de concentración de Argelèssur-Mer, donde pasó grandes privaciones. Abandonó su encierro poco después gracias a las gestiones realizadas por algunos organismos republicanos de ayuda a los refugiados que además le facilitaron dinero, visado y billetes para embarcar en el mercante Sinaía que lo trasladó al puerto mexicano de Veracruz.

Establecido en México DF, rehízo su vida familiar y compaginó su actividad de pintura de caballete, con la decoración, la publicidad, el diseño de muebles y la ilustración, colaborando además como cartelista, publicista y diseñador de vestuario en la incipiente industria cinematográfica mexicana, concretamente en la superproducción Cristóbal Colón. Adquirió popularidad por la serie de veinte volúmenes de las Aleluyas de Rompetacones, con textos de Antoniorrobles, publicado por Estrella, una editorial destinada a un público juvenil.

A causa de las trabas administrativas que le imponían las autoridades españolas para regresar a España, adoptó la nacionalidad mexicana, negándose a partir de entonces a viajar a su país. Nunca abandonó la pintura de caballete, su gran pasión, celebrando más de catorce exposiciones individuales y participando en numerosas colectivas, siendo uno de los paisajistas predilectos de la burguesía mexicana. Cultivó un estilo neoimpresionista centrado principalmente en el paisaje rural y urbano y también en la naturaleza mexicana, que recreaba con toda la fidelidad.

Ramón Peinador Checa murió el 26 de mayo de 1964, en la capital mexicana, y su desaparición pasó desapercibida en su país natal. Algunas de sus obras se pueden contemplar en el Museo Nacional de la Estampa y en el Museo Franz Mayer de México DF y en el Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid.

Miguel Prieto Anguita (1907-1956)

Los dibujos, bocetos y aguadas que realizó durante el tiempo que permaneció confinado en este campo donde llegó poco después de cruzar la frontera francesa el artista manchego Miguel Prieto Anguita no añadían nada a su ya ganado magisterio y reputación artística conseguido por su trabajo durante el periodo republicano como pintor e ilustrador en diversas publicaciones. Sus obras proporcionaban un extraordinario testimonio documental de la vida cotidiana de los cautivos republicanos recreado con firmeza, trazo firme y expresividad en un intento de resaltar su contenido dramático. No era un artista principiante, ni un novato, ya que durante los años de la II República había colaborado en La Barraca, trabajando con Federico García Lorca en la confección de decorados y figurines y con el grupo de títeres “La Tarumba”, participando además activamente en tareas de divulgación de la cultura y el arte a través de las Misiones Pedagógicas, siendo compañero de algunos de los más relevantes artistas e intelectuales de esa época. Los vínculos que tuvo con las artes plásticas fueron muy estrechos a lo largo de su trayectoria en ámbitos tan distintos como la escenografía, la ilustración de libros, la tipografía, el diseño y la pintura de caballete, que abordó con bastante regularidad y aportó en cada momento los estilos y los movimientos artísticos que estaban de moda o le influyeron sin olvidar nunca su compromiso ideológico izquierdista, tanto en la teoría del arte como en la praxis política siempre presente en él y de la que nunca estuvo desconectado, incluyendo su larga etapa de exiliado republicano en México. Su nombre hay que inscribirlo dentro de la nómina de creadores multidisciplinares surgidos durante la dictadura primorriverista que desarrollaron un activismo ideológico e intelectual durante la II República y guerra civil, y que finalmente alcanzaron su plena madurez en el destierro mexicano. Fue un destacado representante de lo que se ha venido en llamar “Edad de Plata” de la cultura española al reunir en su persona una serie de características comunes con otros miembros de su generación como su desbordada inquietud intelectual, su progresismo ideológico, su gran activismo en misiones y proyectos pedagógicos, su presencia en grupos y movimientos vanguardistas, su adscripción a asociaciones republicanas o antifascistas y su destacada presencia en las más importantes revistas y diarios de su tiempo.

Miguel Prieto Anguita vino al mundo en Almodóvar del Campo, Ciudad Real, el 17 de noviembre de 1907, en el marco de una familia modesta. Su padre, Isidro Prieto Santos, era maquinista de la Electro y su madre, Sofía Anguita Romero, ama de casa. Cursó los estudios primarios en su pueblo natal y a los quince años comenzó a trabajar en Puertollano de la mano del primo de su progenitor, Manuel Santo, quien le contagió su vocación escultórica. A los dieciséis años se trasladó a la capital donde, para sobrevivir, trabajó como pintor de brocha gorda al tiempo que asistía a las clases nocturnas de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, de donde pasó más tarde a los talleres de los maestros Julio Prat, Julio Moisés y Victorio Macho, que le proporcionaron buenos consejos. Una vocación artística que de pronto dio un gran vuelco, ya que empezó a interesarse por la pintura cuyo dominio fue perfeccionando. Una pensión de dos años, otorgada por la Diputación de Ciudad Real, le permitió entregarse de lleno a perfeccionar la técnica pictórica y a introducirse en la escenografía que aprendió en el Teatro Escuela de Arte que dirigía Rivas. Se dedicó también a la ilustración realizando trabajos para revistas y editoriales, carteles de publicidad y escenografía teatrales, con lo que consiguió una estabilidad económica y familiar, ya que le permitió contraer matrimonio con su paisana Angelita Ruiz.

Activo militante republicano saludó efusivamente la proclamación de la II República, el 14 de abril de 1931, adscribiéndose poco después en las filas del partido comunista, donde entró en relación con un poderoso grupo de artistas e intelectuales, entre los que se encontraban, Ramón J. Sender, Rafael Alberti, Emilio Prados, Josep Renau, Luis Cernuda, María Teresa León, Manuel Altolaguirre, Alberto Sánchez, Salas Viu y otros. En enero de 1932 expuso en solitario una serie de pinturas y grabados en el Ateneo de Madrid, que fueron muy bien acogidos por el crítico de arte Salvador Abril, quien en una crónica calificó su lenguaje pictórico de “realismo cilíndrico” y poco después fue seleccionado para participar en la muestra organizada por la Sociedad de Artistas Ibéricos en el Ateneo Mercantil de Valencia. En 1933 ingresó en la Asociación de Escritores y Artistas Revolucionarios y con la revuelta y la represión de los mineros asturianos se le acentuó mucho más si cabe su compromiso revolucionario que se manifestó en su obra en la aparición de un lenguaje mucho más realista.

Su nombre adquirió cierto prestigio en el mundo artístico madrileño por sus trabajos como ilustrador de libros, como el Romancero Gitano, de su amigo Federico García Lorca; sus escenografías teatrales, como la que hizo para Rafael Alberti y el citado Federico; su colaboración con La Barraca, y su participación en el guiñol de las Misiones Pedagógicas. Y sobre todo tuvo un gran protagonismo en la creación de la famosa tertulia “La Ballena Alegre”, que aglutinó a sus amigos Federico García Lorca, Rafael Alberti, María Teresa León, Jorge Guillen y Luis Cernuda, y que posteriormente pasó a denominarse “La Tarumba”, que en 1935 alcanzó mucho prestigio teatral al representar “El amor de don Perlimpin con Belisa en su jardín”, de Federico García Lorca. En 1933 comenzó a colaborar en las páginas de la revista Octubre que habían fundado Rafael Alberti y María Teresa León y en diciembre de ese año concurrió en el Ateneo de Madrid a la primera exposición de “Arte Revolucionario” promovida por la Asociación Española de Artistas Revolucionarios, que obtuvo el rechazo de los sectores más conservadores y ultraderechistas de la sociedad madrileña.

En la guerra civil se adhirió a la causa republicana y formó parte junto a Ángel Ferrant y su paisano Gabriel García Maroto de la Comisión encargada de reorganizar la enseñanza de las escuelas de Bellas Artes de Madrid y comenzó a frecuentar los talleres de artes plásticas de la Alianza de Intelectuales Antifascistas. En noviembre de ese año se trasladó a Valencia donde se incorporó al taller de artes plásticas de la delegación de la Alianza de Intelectuales y colaboró en diversas revistas como El Mono Azul, Línea, Vanguardia, Nueva Cultura, El buque Rojo y Ejército del Ebro. Recorrió diversos frentes de batalla realizando representaciones y pronunciando charlas y por sus conocimientos escénicos fue nombrado miembro del Consejo Central de Teatros. En junio participó en el II Congreso Internacional de Escritores para la Defensa de la Cultura que inauguró Juan Negrín en el salón de plenos del Ayuntamiento de Valencia, y en el que se dio lectura a la “Ponencia Colectiva”, que había sido suscrito él y un heterogéneo grupo de intelectuales y artistas entre los que se encontraban Antonio Sánchez Barbudo, Ángel Gaos, Antonio Aparicio, Arturo Serrano Plaja, Arturo Souto, Emilio Prados, Eduardo Vicente, Juan Gil-Albert, José Herrera Petere, Lorenzo Varela, Miguel Hernández y Ramón Gaya. Colaboró en el álbum colectivo, dirigido por García Maroto, Los en la guerra de España y luego en el álbum Homenaje al General Miaja, y también ilustró el Llanto en sangre, de Emilio Prados y El romancero gitano, de Federico García Lorca.

Formó parte, junto a Miguel Hernández y Cipriano Rivas Cherif, de una delegación republicana que viajó a la URSS y a su regreso envío una obra al Pabellón Español de la Exposición Internacional de París, que había sido proyectado por sus amigos Josep María Sert y Luis Lacasa, y que albergó el “Guernica” de Pablo Picasso junto a otras obras de Joan Miró, Alexander Calder, Julio González, Alberto Sánchez, Josep Renau y otros muchos.

Se estableció en Barcelona acompañando al gobierno republicano y con la ofensiva nacional de 1939 cruzó la frontera francesa, siendo arrestado por la policía y recluido en el campo de concentración de Argelès-sur-Mer junto a sus compañeros Josep Renau, José Bergamín, Emilio Prados, Josep Carner, José Herrera Petere, Antonio Rodríguez Luna, Roberto Fernández Balbuena, Eduardo Ugarte y Rodolfo Halffter y otros. Gracias a la mediación de diversas instituciones internacionales consiguió abandonar el campo el 28 de febrero y reunirse con su mujer Angelita Ruiz Ramírez y su hijo Miguel Prieto Ruiz, en Perpiñán, pasando luego unos breves días en Toulouse y en París, donde se integró en la primera Junta de Cultura Española, junto con otros compañeros.

A través de las gestiones realizadas por el pintor mexicano Fernando Gamboa y la ayuda de su compatriota Juan de la Cabada consiguió la documentación y los pasajes necesarios para embarcar en el puerto francés de Saint Nazaire en el transatlántico holandés Veendam, que lo trasladó a Nueva York, donde arribó el 17 de mayo, para dirigirse más tarde en autobús a la ciudad mexicana de Nuevo Laredo, llegando a México DF dos días después.

En la capital reanudó su trabajo alternando la pintura de caballete y el muralismo, con la ilustración, el portadismo y el cartelismo publicitario, pero también se entregó de lleno al activismo político. Nombrado Presidente de la Unión de Jóvenes Patriotas Españoles, ingresó en las filas del Partido Comunista de España, formó parte del Consejo Español de la Paz y fue fundador de la Unión de Intelectuales en México y poco después designado catedrático de Diseño en la Escuela de la Mancha de México y profesor de Periodismo en la UNAM. Trabajó inicialmente con el artista mexicano David Alfaro Siqueiros en la realización del gran mural del Sindicato de Electricistas que, por discrepancias personales, abandonó y tuvieron que acabar finalmente los valencianos Josep Renau y Manuela Ballester.

Una trayectoria plástica variada que estuvo marcada por las influencias, su propia experiencia vital, los vaivenes artísticos de su época y de sus propias necesidades de supervivencia, que lo llevó a entregarse a la pintura de caballete, el cartelismo, el diseño, la escenografía, el portadismo y la ilustración, en los que siempre se advertía su afán experimentador, su inquietud y en muchos casos su ya reconocido compromiso ideológico republicano al que nunca renunció.

Como pintor de caballete sufrió una profunda evolución que le llevó desde un inicial cubismo, pasando por un surrealismo fantástico a desarrollar ya en el exilio una suerte de realismo dramático, evocador y nostálgico, resuelto a través de una técnica compositiva de ritmos curvos. Con el tiempo se atemperó su mirada y empezó a incorporar paisajes, bodegones y naturalezas muertas, que resolvía con exuberantes formas y un fuerte cromatismo muy apreciado por la crítica de arte y el público. Llevó a cabo una gran actividad expositiva que inició en septiembre de 1941 en la galería Arte y Decoración, en la que volvió a hacerlo en mayo de 1944. En noviembre de 1948 presentó una selección de 50 obras en el Museo Nacional de Artes Plásticas, y tras su muerte expuso en el mismo museo en noviembre de 1956, y otra en su domicilio de la calle Elba, en mayo de 1961. Participó además en diversas colectivas, destacando la de artistas exiliados españoles, inaugurada por la Junta de Cultura Española en marzo de 1940; la “Hispano-Mexicana” de la Librería Cristal, en agosto de 1940; la de la Galería Arte y Decoración, en diciembre de 1941 y la “Primera Exposición Conjunta” o “Contrabienal antifranquista” del Bosque de Chapultepec; en febrero de 1952; en 1942 y 1943 en los Salones de Grabado y de Pintura organizados por la Galería Arte y Decoración; en junio de 1954, en la “Artistas huéspedes” del Salón de la Plástica Mexicana; en octubre de 1949, en la Sociedad para el Impulso de las Artes Plásticas; en Galería de Arte Moderno y en 1944 y 1948 benéficas celebradas en Arte y Decoración, en el Palacio de Bellas Artes y la Galería Mont-Orendáin.

Miguel Prieto no se olvidó de su temprana actividad escenográfica, que retomó en 1952, cuando el director artístico del Teatro Universitario, Carlos Solórzano, le invitó a participar en la primera temporada de la institución en el teatro del Seguro Social. Su debut se produjo con la obra No es cordero que es cordera, una adaptación de su amigo el poeta León Felipe de la obra de Shakespeare, y que continuó con La prueba de las promesas, de Ruiz de Alarcón; El proceso, de Kafka; Seis 58, Miguel Cabañas Bravo, Personajes en busca de autor, de Pirandello; De este agua no beberé, de Musset; Edipo rey, de Sófocles; Enterrad a los muertos, de Irwin Shaw; El Hechicero y Los Justos, de Camus. Su trabajo como escenógrafo fue valorado por el crítico teatral Miguel Guardia quien dijo que “lo hizo todo: la escenografía realista, corpórea; la sintética; la imaginativa pero casi realista y la imaginativa fantasiosa. Y todo lo consiguió: el ambiente de la obra, la funcionalidad del escenario, la poesía, el misterio, en suma, la perfecta composición”.

Tampoco abandonó la realización de decorados y el cartelismo, realizando numerosos carteles de gran formato para la Ópera de Bellas Artes, la Comedia Francesa, el Ballet Ruso del Marqués de Cuevas, y otros. También se distinguió por su labor de tipógrafo, diseñador gráfico y promotor de publicaciones. Así, en febrero de 1940, con otros exiliados fundó y entró a formar parte del comité editorial de la revista quincenal Romance (1940-1941), dirigida por Juan Rejano y donde comenzó a desplegar algunos rasgos de su estilo gráfico, caracterizado por el gran equilibrio en la disposición de los espacios, integrados con la tipografía. Luego, también con Rejano, fundó la revista Ultramar (1947), de la que fue director artístico y colaboró con regularidad en España peregrina (1940), Nuestro tiempo (1949) y España y la paz (1951), Litoral (1944) y Las Españas (1946). En 1947 se hizo cargo de la dirección de la Oficina de Ediciones del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), para lo cual incorporó en 1950 a su equipo al pintor e ilustrador de origen español, Vicente Rojo. Bajo su responsabilidad se publicaron destacadas obras, como el catálogo dedicado al muralista mexicano Diego Rivera, cincuenta años de labor artística (1949), el Canto general, de Pablo Neruda (1950), la Arquitectura popular de México, de García Maroto (1954) y la revista México en el Arte, órgano de difusión del INBA. Participó igualmente en el diseño de revista médica Sinópsis (1950), Universidad de México y, sobre todo, el suplemento cultural dominical del diario Novedades, México en la Cultura, aparecido en 1949 bajo la dirección editorial de Fernando Benítez.

Su muerte se produjo en México DF, el 12 de agosto de 1956, a causa de un cáncer, y al conocerse en los medios de comunicación mexicanos le dedicaron emocionantes obituarios y semblanzas, en las que se destacaba su condición de artista republicano español y se valoraba su labor como pintor de caballete, su gran papel en la modernización de las artes gráficas y la tipografía y su actividad como escenógrafo y diseñador. Su recuperación en su tierra natal fue bastante tardía y se produjo tras la muerte del dictador Franco al inaugurarse en marzo de 2007 en el Antiguo Convento de la Merced de Ciudad Real, una gran exposición retrospectiva itinerante promovida por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y el Gobierno de Castilla la Mancha. La muestra “Miguel Prieto 1907-1956. La armonía y la furia”, que reunió más de cuatrocientas obras, que se vieron por primera vez en Ciudad Real, recorrieron posteriormente Toledo y Madrid.