Kitabı oku: «Хоррорлогия», sayfa 3
Рабочие в фильме показаны как заключённые. В этом заключается, по большому счёту, противостояние классов – пролетариаты, которые словно роботы, обязаны без передыху, работать на машинах, и – элита, которая управляет их разумом и подавляет их волю. Во всём этом есть некий предвестник предстоящих событий в Германии во время Второй Мировой войны.
Финал «Метрополиса» олицетворяет собой эпиграф фильма, в котором происходит воссоединение рабочего класса с высшими слоями общества.
Роль магната блестяще исполнил Альфред Абель.
Рудольф Кляйн-Рогге тоже появился здесь во вполне типичной для себя роли безумного ученого по имени Ротванг, создавшего женщину-робота (на основе облика Марии).
Роль Марии исполнила Бригитта Хельм, для которой «Метрополис» оказался кинодебютом. Стоит отметить, Хельм проделала колоссальную работу. Ей довелось играть не только ведущую женскую роль героини с чистою душой, но еще и порочную женщину-робота (лже-Марию) (прямо-таки женская интерпретация «Джекилла и Хайда»). А учитывая перфекционизм Ланга, для Бригитты съемки порой становились весьма изматывающими.
«Метрополис» имеет множество футуристических метафор, и снят с большим размахом. Главными достижениями фильма стали: декорации в футуристическом стиле, необычные спецэффекты (особенно – в сцене создания женщины-робота), массовка из (предположительно) 30 000 человек, и технические новаторские приёмы. Для фильма было построено грандиозное количество миниатюрных моделей, изображавших здания и машины будущего. Спецэффекты фильма выполнены в большой степени с помощью покадровой анимации. Операторская работа великого Карла Фройнда, который был тогда главным оператором в немецком кино, также заслуживает огромного внимания.
«Метрополис» – величайший научно-фантастический фильм, который, по сути, заложил основу блокбастеров (в таких фильмах как: «Терминатор», «Звездные войны», «Бегущий по лезвию», «Пятый элемент», «Матрица», и многих других крупнобюджетных фантастических фильмах, есть множество заимствований из «Метрополиса»). Даже и по сей день, он остаётся технически усовершенствованным.
На создание «Метрополиса» Ланга вдохновил город Нью-Йорк, в котором он прибывал во время американской премьеры «Нибелунгов».
«Метрополис» был самым дорогим фильмом студии УФА, на которой проходили съёмки. Сами съёмки длились 2 года. Но в результате фильм не окупился из-за чересчур запутанного сюжета. Студия практически разорилась. По этой причине, фильм сильно сократили для американского проката. На протяжении многих десятилетий полная версия фильма считалась утерянной, пока её, наконец, не обнаружили, в 2008 году в кино-музее Буэнос-Айреса.
Кадры из фильма можно увидеть в клипе группы Queen – Radio Ga Ga.
Следующий фильм Ланга «Шпионы» был тематически схож с «Мабузе», и главную роль в нём также исполнил Рудольф Кляйн-Рогге.
Последний немой фильм Ланга «Женщина на Луне» стал первым в истории, где досконально с технической точки зрения был показан полёт в космос. Данный фильм также во многом новаторский, в сюжете присутствует множество событий, которые по своей структуре, так или иначе, пересекаются с предыдущими работами Ланга. К тому же, это был первый фильм, в котором впервые был показан обратный отчёт при запуске ракеты.
По словам Ланга, к 1931 году он устал снимать крупные фильмы, и решил снять более личное кино. Первым его звуковым фильмом стал детективный триллер «М» (также известный как «Город ищет убийцу»). В фильме говорится о маньяке-убийце, убивающем маленьких девочек. Он рассылает анонимные письма полиции с угрозами. На протяжении всего фильма ведётся расследование по поимке маньяка. За расследование берётся не только полиция, но даже – преступный синдикат. Лишь слепой прохожий смог опознать убийцу из-за его особенности насвистывать мотив «В пещере горного короля» Эдварда Грига. Маньяка ловят преступники и совершают над ним самосуд, в ходе которого убийца утверждает, что не по своей воле он совершал эти убийства, а так приказывала ему некая высшая сила.
В сцене суда Ланг использовал настоящих преступников.
Исполнителем главной роли был актёр из Австро-Венгрии – Питер Лорре. Это был его профессиональный дебют, с которым он блестяще справился. В сцене суда над его персонажем Лорре прекрасно изобразил эмоции маньяка, который отчаянно пытался раскаяться в своих деяниях. В дальнейшем Лорре стал крупнейшим голливудским актёром и снимался у самых именитых режиссёров.
«М» заложил основу такого жанра, как фильм-нуар, который был особенно популярен в Голливуде в 30-40е годы.
Далее Ланг стал работать над продолжением «Доктора Мабузе» -«Завещание доктора Мабузе».
Доктор Мабузе, даже будучи запертым в сумасшедшем доме, продолжает совершать изощрённые преступления. Мабузе даёт своим подчинённым различные инструкции по ограблениям, и разного рода преступным операциям. Какое-то время он просто водил в воздухе ручкой, потом ему врачи дали листки бумаги, чтобы понять, что он хочет написать. И через некоторое время стало ясно, что он пишет инструкции своим подчинённым. Хоть он уже безумец, но его гениально-преступный разум по-прежнему может мыслить в своей сфере. За расследование берётся комиссар Ломанн (который уже фигурировал у Ланга в «М»).
Преступления по инструкциям Мабузе проворачивает директор сумасшедшего дома, который одержим жаждой власти, и находится под огромным влиянием его мощного разума. Вскоре Мабузе умирает, но его дело продолжается. Словно он с того света повелевает своими подчинёнными. К директору сумасшедшего дома вскоре является призрак Мабузе и отдаёт ему приказы. Теперь он становится продолжателем дела безумного гения.
В фильме во многом отображено отношение Ланга к приходу нацистов к власти и их идеологиям. А преступный разум Мабузе – как метафора правления Гитлера. Также из уст Мабузе прозвучали лозунги Третьего Рейха. Этот фильм называют «антигитлеровским». Ланг предвидел в «Завещании» предстоящие беспорядки в стране.
Фильм был запрещён берлинской цензурой. А самого Ланга вскоре вызвал к себе Йозеф Геббельс. Ланг опасался, что его призовут к ответственности за использование нацистских лозунгов, но Геббельс сказал, что Гитлер в восторге от его фильмов «Нибелунги» и «Метрополис» и решил, что Ланг – именно тот человек, который способен снять национал-социалистическое кино и хочет предложить ему возглавлять гильдию немецких режиссёров. Но Ланг ничего не хотел иметь с этим общего (к тому же, у Ланга были еврейские корни).
Вскоре он покинул Германию и какое-то время жил во Франции. После чего переехал в Голливуд, где начал сотрудничество со студией MGM. Впоследствии Ланг снял ещё десятки фильмов, в которых снимались самые известные звёзды Голливуда (в том числе – Мэрилин Монро в фильме «Стычка в ночи»). Но больше Ланг никогда не снимал масштабных проектов, за счёт которых изначально прославился.
Ланг вернулся в Германию лишь в середине 1950-х. В 1960 году он снял свой последний фильм – «1000 глаз доктора Мабузе», который завершает трилогию о знаменитом преступнике. И если в предыдущих фильмах о Мабузе присутствовала немалая толика мистики, то в «1000 глаз» гениальный последователь зловещего доктора использует технические устройства, такие как камеры слежения, что позволяет ему постоянно следить за своими жертвами. И он, как и сам Мабузе, обладает даром мастерского перевоплощения.
«1000 глаз доктора Мабузе» имел большой успех, и стал удачным завершением карьеры великого режиссёра.
Наследие Экспрессионизма
В 1928 году сценарист «Носферату» Хенрик Галеен поставил фильм «Альрауне».
В фильме речь идёт о том, как профессор генетики Якоб тен Бринкен искусственным образом создаёт женщину, дав ей имя Альрауне. В результате она восстаёт против своего создателя, узнав, что она не является человеком.
Фильм имеет под собой сюжетную подоплёку «Франкенштейна», во многом повторяя его концепцию.
Главные роли исполнили: Пауль Вегенер и звезда «Метрополиса» – Бригитта Хельм.
С приходом нацистов к власти, публике уже стали не интересны фильмы, выполненные в духе Экспрессионизма. И в Германии стали создавать более оптимистические картины, ранние из которых, однако, ещё имели некоторые оттенки Экспрессионизма.
В конце 1920-х немецкие экспрессионисты практически поголовно отправились в Голливуд. Наиболее успешно в США им удавалось снимать фильмы-нуар и триллеры. Их немецкие работы впоследствии заложили основу для американских фильмов ужасов.
Наибольшее влияние Экспрессионизма в ранние годы среди режиссёров европейских стран особенно приметно в фильмах датского режиссёра – Карла Теодора Дрейера. Фильмы Дрейера пропитаны мрачным тоном, имеют духовную подоплёку, и философский контекст. Творчество Дрейера повлияло на таких именитых мастеров кино, как Ингмар Бергман и Андрей Тарковский.
В 1932 году Дрейер снял фильм «Вампир», который был вольной экранизацией «Кармиллы» Шеридана ле Фаню. Это был первый звуковой фильм Дрейера. Помимо влияния Немецкого Экспрессионизма, в фильме присутствуют сюрреалистические образы. Главный герой фильма – оккультист Аллан Грей, который порой не отличает реальность ото сна. Фильм показан с точки зрения его видений. Сам сюжет невозможно описать словами, поскольку он имеет ярко-выраженную сюрреалистическую окраску. В фильме присутствует множество пугающих мрачных образов. Смотреть этот фильм – словно прибывать во сне. Игра теней, мрачная атмосфера, необычное освещение, меланхоличное музыкальное сопровождение, призрачные силуэты, сумрачные пейзажи, нестандартное повествование – всё это создаёт чувство страха, отстраненности и некой утончённой меланхолии.
В фильме (что было характерно для Дрейера) играли непрофессиональные актёры (только 2 актёра были профессионалами). При этом, все роли сыграны очень сильно.
К сожалению, в год выхода картину не поняли, и лишь спустя десятилетия её признали шедевром кинематографа.
Примечателен также шведский фильм 1920 года – «Возница». Режиссёром и исполнителем главной роли был Виктор Шёстрём – один из основоположников шведской школы кино.
«Возница» – поучительный фильм-притча. Главный герой – алкоголик по имени Давид. Алкоголь отнял у Давида тех, кто ему был особенно дорог: брата, жену и детей. Он умирает в новогоднюю ночь. После смерти к нему приходит призрачный возница. И, согласно приданию, тот, кто умирает ровно в полночь в новогоднюю ночь, тому суждено самому стать призрачным возницей, забирающем души умерших. Но возницей оказывается старый друг Давида, из-за которого он и стал законченным алкоголиком. Далее в фильме начинаются флэшбеки, в которых показаны прижизненные деяния Давида. В финале фильма Давид раскаивается в своих грехах и снова обретает жизнь.
В фильме есть немало пугающих моментов, главный из которых – наличие призрака-возницы. Но в нем, все же, преобладает реализм, нежели мистические элементы. Также это первый в истории фильм, в котором события показаны по средствам флэшбеков.
Финал фильма невероятно сентиментален, заставляющий о многом задуматься.
У самого Бергмана это был один из самых любимых фильмов, который он часто пересматривал. А Виктор Шёстрём именно у Бергмана сыграл свою последнюю роль – в фильме «Земляничная поляна».
В 1922 году датский режиссёр Бенжамин Кристенсен снял фильм «Ведьмы». В фильме показаны 7 историй, которые объединены общей концепцией: сатанизм, ведьмы, шабаши, инквизиция. Всё это приправлено чёрным юмором. В фильме присутствуют как документальные, так и игровые фрагменты. Сам режиссёр выступил в роли Дьявола–искусителя. Фильм, по сути, является, своего рода, исследованием на тему тёмных сил. Из-за особенности своей тематики, фильм был запрещён на протяжении многих лет по всему миру.
Во Франции в 1928 году режиссёр Жан Эпштейн снял «Падение дома Ашеров» по рассказу Эдгара По. Ассистентом режиссёра и сценаристом был основоположник сюрреализма в кино – Луис Бунюэль, который вскоре снимет свой самый известный шедевр – «Андалузский пёс».
Фильм в точности следует оригинальному произведению, и по сей день остаётся наиболее точной экранизацией самого известного творения Эдгара По (не считая финал фильма, который был противоположным оригинальному). Он достоверно передал мрачную готическую атмосферу рассказа. Музыкальное сопровождение, придающее фильму нужный настрой, просто завораживающее.
Исполнитель роли Родерика Ашера – Жан Дебюкур гениально исполнил свою роль, в точности передав всю утончённость, безумие и отрешённость своего персонажа.
Визуально фильм идеален. Особенно впечатляет сцена, в которой Родерик рисует портрет своей горячо любимой жены Мэделин, и словно с каждым взмахом его кисти, жизнь постепенно покидает её. Но Родерик в этот момент лишь видит свой нарисованный шедевр, не замечая, как возлюбленная слабеет день ото дня.
У фильма порой замедляется темп повествования, что придаёт ему некий гипнотический оттенок. Эпштейн мастерски использует игру света и тени.
Финальная сцена придаёт повествованию невероятно сильное напряжение за счёт использования параллельного монтажа.
Фильм буквально окутывает своей мрачной красотой, восхитительными пейзажами, атмосферой отрешённости, прекрасным музыкальным сопровождением и блистательной игрой актёров.
Главной художественной особенностью фильма стал налёт авангардизма, который тогда как раз зарождался во французском кино. Благодаря этому, фильм имеет нестандартное повествование и абстрактность образов.
«Падение дома Ашеров» был и остаётся настоящим сюрреалистическим шедевром, в точности передавший дух произведения великого американского писателя.
Человек с 1000 лиц
Параллельно с европейскими странами, истоки жанра зарождались в США. Ведущей студией в фильмах ужасов была Universal. Дата возникновения студии значится 1912 годом. Основателем студии был немец Карл Леммле. Он, по сути, сделал имя Universal. Впоследствии Universal стала фамильной студии, которой управляли многочисленные родственники Леммле.
Если в европейских фильмах акцент ставился на сверхъестественных явлениях, то в американских – на внешней деформации.
Ведущим актёром жанра был Лон Чейни. Он прославился тем, что мог до неузнаваемости загримировать себя, за что его прозвали «Человеком с тысячью лиц». Чейни был величайшим актёром немого кино. Его родители были глухонемыми, поэтому он с самого детства научился общаться по средствам жестов и мимики, что особенно ему помогло стать величайшей звездой немого кино. Он всегда играл изгоев общества, будь то – монстр, или криминальный авторитет. Но главным достоинством, которое Чейни вкладывал играя своих персонажей – огромное сочувствие. Его герои – одинокие, отвергнутые обществом, не понятые людьми.
В фильме «Наказание» (1920) Чейни играл калеку, которому в детстве ампутировали ноги в результате несчастного случая. Для этой роли Чейни плотно привязал ступни к спине, что было физически сложно и болезненно. В «Наказании» он играет авторитета криминального мира, который в конце, в результате проведенной операции на мозге, становится на путь истинный. Но, как известно, за всё в жизни приходится расплачиваться.
Одним из главных апогеев карьеры Чейни стал фильм «Горбун из Нотр-Дама» (1923) по роману Виктора Гюго. Для роли Квазимодо Чейни накладывал на себя огромные слои грима, и носил искусственный горб весом 20 килограмм. При этом он с большой ловкостью перемещался по фасаду, изображающему собор во Франции.
Чейни гениально сыграл роль Квазимодо. Смог в точности передать его терзания, душевные муки, отверженность, преданность и безответную любовь к цыганке.
Вскоре Чейни сотрудничает с Виктором Шёстрёмом, который незадолго до этого поселился в Голливуде. Их совместным фильмом стал «Тот, кто получает пощёчины» по пьесе Леонида Андреева. Чейни играет учёного по имени Пол Бамонт, которого предала жена и близкий друг, оказавшиеся любовниками. К тому же, любовник его жены был с ним на научной конференции, где выдал научные изыскания Бамонта за свои. Угнетённый и гонимый, Бамонт становится артистом цирка, взяв псевдоним – Тот, кто получает пощёчины. Вскоре ему предоставляется возможность отомстить тому, кто некогда был для него близким другом.
Как и в случае со многими фильмами Шёстрёма, финал данного фильма крайне сентиментален. Чейни сыграл на высочайшем уровне, показав сколь несчастен и отвержен его персонаж.
Самым главным достижением Чейни стала роль в фильме «Призрак оперы» (1925) по роману Гастона Леру.
Чейни, как и всегда, сыграл гениально, в точности передав страдания своего персонажа.
В «Призраке оперы» Чейни разработал для себя очень сложный грим, который порой приносил ему немалые физические мучения. Для большей внешней обезображенности своего персонажа, Чейни вставлял себе в ноздри металлические скобы, что порой вызывало у него кровотечение.
В фильме также есть интересный фрагмент, снятый в цвете, в то время, как предшествующая часть фильма – чёрно-белая. Это было одно из первых применений техники Technicolor.
Чейни не поладил с режиссёром фильма – Рупертом Джулианом и некоторую часть фильма режиссировал сам.
Исполнительница главной роли – Мэри Филбин на самом деле была напугана гримом Чейни, и её реакция в сцене, где она впервые видит обезображенное лицо Эрика, не была наигранной.
В том же году Чейни снялся у режиссёра Роланда Уэста, который был известен тем, что снимал комедийные ужасы, самый известный из которых – «Летучая мышь» (1923) по пьесе Марии Робертс Рейнхардт (к слову сказать, образы из данного фильма послужили вдохновением для Боба Кейна при создании комиксов о Бэтмене). Их совместным фильмом стал «Монстр», где Чейни комично обыграл роль безумного учёного. Действия фильма происходят в старом мрачном доме, что стало в дальнейшем использоваться в большинстве фильмов жанра.
В фильмах «Тени» и «Мистер Ву» Чейни искусно загримировал себя под китайца, в очередной раз проявив свою многоликость и актёрское мастерство.
В 1927 году Чейни сотрудничал с Бенжамином Кристенсеном в фильме «Пародия» («Посмешище»), где сыграл русского крестьянина. Действия в фильме происходят во время Русской Революции. Герой Чейни помогает сбежать русской графине от повстанцев. Вскоре он влюбляется в неё, и оказывается посмешищем для ее слуг.
В фильме «Смейся, клоун, смейся» (1928) Чейни снова играет циркового артиста по имени Тито. Он обнаруживает брошенную маленькую девочку и забирает к себе. И воспитывает её словно собственную дочь. Но спустя много лет, он осознаёт, что испытывает к ней настоящую любовь. Осознавая, что это не взаимно, Тито больше никогда не будет улыбаться в своей жизни.
Это, по сути, основная концепция ролей Чейни, большую часть из которых можно охарактеризовать как «грустный клоун».
В том же году Чейни намеревался сыграть заглавную роль в «Человеке, который смеется», которая словно была создана для него. Но из-за длительного контракта со студией MGM («Человека» снимали на Universal), он не смог участвовать, и его заменил Конрад Фейдт.
Самыми плодовитыми фильмами с участием Чейни были сняты режиссёром Тодом Браунингом, который, как и Чейни, стоял у истоков жанра в США. Их многое объединяло. К примеру, они оба в юности провели много лет среди бродячих циркачей (годы проведенные в цирке впоследствии оказали огромное влияние на творчество Браунинга). Браунинг использовал талант Чейни, как никто другой в своих фильмах. И зачастую сценарии писались специально под Чейни, в которых ему отводилось порой несколько ролей в одном фильме. В результате их творческий тандем породил 10 совместных фильмов.
Их первым совместным фильмом была криминальная мелодрама – «Испорченная милашка», в которой Чейни играл криминального босса, вовлекшего провинциальную девушку в преступный мир.
В гангстерской драме «Вне закона» (1920) Чейни сыграл две роли, одна их которых – безжалостный главарь преступной группировки, задумавший ограбление. Сюжет развивается довольно динамично и фильм до сих пор выглядит впечатляюще.
Одним из лучших их совместных фильмов стал «Несвятая троица» (1925). Герой Чейни состоит в сговоре с шайкой мошенников и воров, показывающих в цирке различные номера, в то время как их сообщница крадёт деньги у засмотревшихся зрителей. После полицейской облавы они ведут свои преступные дела инкогнито, заделавшись продавцами в зоомагазине (Чейни в очередной раз проявил свой разносторонний актёрский потенциал, замаскировавшись под милую старушку). Но вспыхнувшая любовь между преступной сообщницей и человеком не из их криминального окружения, меняет всё.
В фильме «Неизвестный» (1927) Чейни сыграл на пару со знаменитой голливудской актрисой – Джоан Кроуфорд. В «Неизвестном» персонаж Чейни – беглый преступник, скрывающийся в бродячем цирке. В данном фильме Браунинг придал герою Чейни необычную особенность – у него было два больших пальца. Именно по этой особенности полиция пытается отыскать преступника. Чтобы его не нашли, персонаж Чейни притворяется безруким. Он влюблён в артистку цирка, но она не отвечает ему взаимностью. Ради неё он идёт на отчаянный шаг, на который, как показывает финал фильма, ему не следовало решаться.
Другие примечательные совместные фильмы Браунинга с Чейни: «Запад Занзибара», «Восток есть восток», и «Дрозд».
В 1927 году Браунинг обращается к теме вампиризма в фильме «Лондон после полуночи» (изначально имеющий название «Гипнотизёр»), снятый для студии MGM.
В сюжете речь идёт об убийстве некоего богатого англичанина. За дело берётся полицейский инспектор. Вскоре в городе объявляется вампир, наводящий ужас на всю округу. Но развязка фильма ставит под сомнение наличие сверхъестественных явлений.
Чейни играет две роли – полицейского инспектора и вампира. Для роли вампира Чейни соорудил для себя фальшивую челюсть, которые было очень неудобно носить. Он создал необычный образ вампира, который до сих пор остаётся неподражаемым.
К сожалению, фильм не уцелел, поскольку в 1950-х на студии MGM вспыхнул пожар, в результате которого сгорели все копии фильма. Его отреставрировали по сохранившимся кадрам, сделанных во время съёмок. Теперь этот фильм существует лишь в виде слайдов.
Вскоре Браунинг решает взяться за адаптацию «Дракулы», театральная постановка которой успешно проходила на Бродвее. Чейни с энтузиазмом начал готовиться к роли знаменитого вампира. Но, к величайшему сожалению, Чейни умер в 1930 году от рака гортани. Как раз в это же время начало зарождаться звуковое кино. Единственным звуковым фильмом с участием Чейни стал ремейк «Несвятой троицы».
Смерть Чейни с приходом звукового кино – словно олицетворение того, что Чейни был создан лишь для немого кино, в которое он внёс огромный вклад.
Браунинг был сражён – он потерял своего главного актёра, с которым столько лет сотрудничал.
В 1957 году Чейни был посвящён фильм «Человек с тысячью лиц». Роль Чейни исполнил один из лучших классических актёров золотой эры Голливуда – Джеймс Кэгни. В фильме есть некоторые отклонения от реальных событий из жизни Чейни, но в целом это потрясающая дань уважения величайшему актёру немого кино.
Писатель-фантаст Рэй Брэдбери о Лоне Чейни: «Он был человеком, который заигрывал с нашей психикой. Он каким-то образом проникал в тёмные уголки нашего подсознания, и был способен отразить на экране наши потайные страхи. История Лона Чейни – это история о неразделённой любви. В своих ролях он проявлял наши тёмные стороны в открытую, поскольку мы боимся, что нас никогда не полюбят, боимся, что в нас есть нечто такое, из-за чего от нас может отвернуться весь мир».
Зарождение звуковых фильмов ужасов
В 1930 году на Universal начался отбор на роль Дракулы. Среди множества кандидатов был, в том числе, и Конрад Фейдт. В конечном счёте, роль Дракулы досталась Беле Лугоши, который успешно исполнял её на Бродвее.
Бела Лугоши (настоящее имя – Бела Бласко) родился в Венгрии в 1882 году неподалёку от имения настоящего Влада Цепеша Дракулы. Псевдоним «Лугоши» позаимствовал из названия города, в котором он родился.
В юном возрасте Лугоши сбежал из дома, не выдержав жестокого нрава своего отца. После чего начал жить отщепенцем, сменив множество профессий.
Начиная с 1911 году начал играть в театре. По большей части – романтические роли. Особенно примечательна роль Ромео. В Венгрии Лугоши сыграл в 12 фильмах, после чего эмигрировал в Германию. Одна из наиболее приметных ролей в Германии – второстепенная роль у Мурнау в «Голове Януса».
В 1921 году Лугоши переезжает в Голливуд, где появляется в небольших ролях. Из-за этого ему приходилось искать различные заработки. Среди прочих его ролей в Голливуде – небольшая роль одного из клоунов в фильме «Тот, кто получает пощёчины».
Но именно у Браунинга Лугоши получил свою первую главную голливудскую роль – полицейского инспектора в фильме «Тринадцатый стул».
В 1920-е годы Лугоши играет роль Дракулы на Бродвее. Театральная постановка пользовалась у зрителей огромным успехом.
Лугоши получил роль Дракулы в фильме благодаря своей настырности, которую он проявил по отношению к руководству Universal.
К киноадаптации «Дракулы» Лугоши тщательно готовился. Он сутками работал над образом, полностью вживаясь в роль. Лугоши, в отличии от Чейни, не нравилось наносить на себя слои грима. Он, прежде всего, полагался на своё обаяние и магнетизм.
В театре Лугоши имел амплуа коварного соблазнителя. Роль Дракулы ему идеально подошла. Его исполнение Дракулы было чарующим, магнетическим, чувствительным. Женщины были без ума от Лугоши. Его венгерский акцент, пронзительный гипнотический взгляд и удивительная игра зачаровывала зрителей. Он создал канонический образ Дракулы – соблазнительного, аристократичного, вкрадчивого, изящного и утончённого.
Роль Ван Хельсинга блистательно исполнил Эдвард Ван Слоан, который тоже исполнял эту роль на Бродвее. В его исполнении Ван Хельсинг был чрезвычайно находчивым, изобретательным, и бесстрашным. Ван Слоан остаётся одним из лучших исполнителей роли Ван Хельсинга.
В роли безумного Ренфилда блестяще выступил Дуайт Фрай, которому в дальнейшем приходилось зачастую играть подобных персонажей.
Оператором в «Дракуле» был Карл Фройнд, сотрудничающий до этого с немецкими экспрессионистами. Существует версия, что Фройнд был ещё и режиссёром на определённом этапе, поскольку Браунинг был подавлен из-за потери своей главной звезды и, к тому же, был не полностью доволен конечным вариантом сценария.
Что касается сюжета, то в данной экранизации, его урезали и изменили во многих аспектах. К примеру, в начале фильма, вместо Джонатана в замок Дракулы направляется Ренфилд, и они уже на следующий день отплывают в Лондон. Также в фильме не было Квинси Морриса и Артура Холмвуда. Действия перенесены в наше время (на момент съёмок). Концовку тоже изменили.
Сюжет фильма развивался всего в нескольких локациях, что было связано с сокращением бюджета по причине вспыхнувшей в то время Великой Депрессией. Так что данная адаптация походит больше на пьесу запечетленную на пленку.
В фильме прекрасно были скомпонованы главные составляющие истории о Дракуле: эротизм, очарование и притягательность.
В результате «Дракула» имел колоссальный успех, а заглавная роль принесла Беле Лугоши всемирную славу.
Параллельно с версией Браунинга, на Universal снимали испанскую версию «Дракулы». Это было сделано из-за того, что в ранние годы звукового кино ещё не было дубляжа, поэтому некоторые фильмы переснимали для разных стран на их языке. Испанская версия «Дракулы» с технической точки зрения получилась лучше американской. В особенности, что касается работы оператора. К тому же, испанская версия имела больший хронометраж. Но актёры в большинстве своём переигрывали.
Исполнитель роли Дракулы – Карлос Вильяриас создал образ далеко не утонченного и изящного трансильванского вампира. Он часто делает какие-то нелепые ужимки, нелепо большие глаза, и смехотворно скалит зубы. Все это в совокупности попросту вызывает смех, нежели уважение по отношению к его Дракуле.
Исполнитель роли Ренфилда тоже жутко переигрывает. Он постоянно неправдоподобно хохочет, и также строит смешные и нелепые гримасы, пытаясь изобразить безумца.
Единственное, что радует в испанской версии – наличие более красивых, чем в американской версии, актрис. Исполнительница роли Мины (в испанской версии – Ева) Люпита Товар – определенно более привлекательна и соблазнительна, нежели Хелен Чандлер, сыгравшая Мину в американской версии. Люпита носит платье с довольно глубоким декольте, что делает ее еще более сексуально привлекательной и обворожительной жертвой. Так что, по части эротизма, испанская версия «Дракулы» явно не уступает американской
«Дракула» Браунинга стал первым звуковым фильмом ужасов, и благодаря его успеху, на студии Universal зародилась волна классических фильмов ужасов.
Ещё одной заслугой «Дракулы» было то, что в сюжете сверхъестественные силы не были вымышленными, в то время как в немых американских фильмах ужасов якобы мистические события в финале подвергались рациональному объяснению (как, к примеру, в фильме Роланда Уэста «Летучая мышь» и в «Коте и канарейке» Пауля Лени).
В 1930-е годы в Америки настало время Великой Депрессии, поэтому фильмы ужасов пользовались особым спросом. Хороший фильм ужасов был идеальным «убежищем» для зрителей, желающих хоть на время отвлечься от ужасов реальности.
Следом за «Дракулой» на студии решают снять адаптацию «Франкенштейна». Роль Монстра предложили Лугоши. Но, прочитав сценарий, Лугоши отказывается, поскольку у Монстра не было реплик, и на протяжении всего фильма ему пришлось бы находиться в массивном гриме.
Режиссёр будущего фильма Джеймс Уэйл начинает искать актёра на роль Монстра. В актёрской столовой Уэйл встретил тогда малоизвестного актёра – Бориса Карлоффа. Уэйла впечатлила структура лица актёра, что и побудило его предложить ему роль.
Борис Карлофф (настоящее имя – Уильям Генри Пратт) родился в Англии в 1887 году. Рос без родителей, его поддерживали братья и сёстры. Изначально хотел стать дипломатом, как один из его братьев, но вскоре увлёкся театром. В 1909 эмигрировал в Канаду, где присоединился к небольшой театральной труппе. Именно в этот период берёт себе псевдоним Борис Карлофф.
Перебравшись в Северную Америку, Карлофф играл за небольшие деньги в театрах, и был вынужден искать дополнительные заработки. В этот период он работал на фермах, укладывал рельсы, водил грузовик.
Карлофф перебрался в Голливуд в 1919 году. В период с 1919 по 1931 год сыграл эпизодические роли в 60 фильмах, но оставался неизвестным (одна из наиболее примечательных его ранних ролей – в фильме 1926 года «Колокольчики», где он сыграл загадочного гипнотизера, внешне похожего на Калигари).
