Kitabı oku: «Анатомия искусства», sayfa 2
Фреска из церкви Сан-Марти в Тосте. Испания. XI век
Примерно до XIV века с изображением человека все было строго, а портрет как таковой совсем не развивался, потому что ограничивался религиозными канонами.
Эпоха Возрождения вернула все на круги своя. Еще во время Раннего Возрождения художники начали постепенно возрождать традиции античной культуры, стремились как можно больше познать человеческое тело и хотели перенести на холст то, что видели своими глазами. В этом можно убедиться, если посмотреть на работу Джотто ди Бондоне – одного из представителей Раннего Возрождения. Конечно, до работ древнегреческих и древнеримских мастеров художнику далеко, но все же после упадка, случившегося в период Средневековья, Джотто был первым, кто начал добавлять персонажам (пусть и достаточно примитивным) эмоции и индивидуальные черты. Его «Оплакивание Христа» не такое статичное, как фреска из церкви Сан-Марти в Тосте, и выглядит словно кадр из фильма. Кажется, еще чуть-чуть – и все герои продолжат свою жизнь: ангел спустится чуть ниже и схватится за голову, а кто-то из толпы вскрикнет от ужаса. Другая его работа – «Поцелуй Иуды» – тоже обладает большим количеством нововведений. Здесь чувствуется индивидуальный подход к изображению персонажей: у каждого героя свой цвет волос и есть отличительные черты, например форма носа.
Джотто ди Бондоне. Оплакивание Христа. Сцены из жизни Христа. 1306 год
Однако и в первой, и во второй работе персонажи все еще не реалистичны (в мужчине справа нельзя узнать персону Х, а в мужчине слева – персону Y). К тому же работы ограничены рамками религиозного контекста, от которого художники еще долго не могли уйти.
Со временем героями работ религиозной тематики становились реальные люди – донаторы. Они делали крупные пожертвования, и художник вписывал их в сюжет. Считалось, что таким образом донаторы могли оставить след в истории. И этот способ работал. Обратимся к картине «Святая Троица» Мазаччо: на верхней ступеньке справа и слева от распятия стоят Дева Мария и святой Иоанн, а на нижней ступеньке – те самые донаторы (к сожалению, в данном примере их имена неизвестны). Радикально? Еще бы. Подобная иерархия в расположении героев на картине подсказывает, что человек все еще не играл в искусстве главную роль.
Джотто ди Бондоне. Взятие Христа под стражу (Поцелуй Иуды). Сцены из жизни Христа. 1306 год
Кстати, настоящее имя Мазаччо – Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи. Прозвище Мазаччо (что в переводе с итальянского языка значит «неряшливый») он получил из-за привычки так глубоко погружаться в рабочий процесс, что не замечал, как измазывал одежду краской. В глазах итальянского живописца Джорджо Вазари этот художник представал таким: «Человеком он был весьма рассеянным и очень беспечным, подобно тем, у кого вся дума и воля сосредоточены лишь на вещах, имеющих отношение к искусству, и кто мало обращает внимание на себя и еще меньше на других…»
Томмазо Мазаччо. Святая Троица. 1428 год
Пьеро делла Франческа. Мадонна на троне со святыми и донатором Федериго да Монтефельтро. 1472 год
Еще одна работа, заслуживающая внимания, – «Алтарь Монтефельтро» итальянского художника Пьеро делла Франчески. Изображенные на ней персонажи находятся в равных позициях, и это позволяет сделать вывод, что в искусстве человек постепенно стал выходить на первый план. Заказчиком и донатором изображения в данном случае выступил герцог Федериго да Монтефельтро, который показан стоящим на колене. Нужно отметить, что в каждом из двух примеров донаторы изображены в условиях ограниченности выразительных средств – в профиль, поэтому эмоции у них одинаковые.
Первые полноценные портреты в период Раннего Возрождения также были профильными (но все же более реалистичными, чем в предыдущих примерах). Стоит обратить внимание на уже знакомого герцога Федериго да Монтефельтро, изображение которого является частью парного портрета, где он написан вместе с женой Баттистой Сфорца. На этой работе изображены реальные люди с морщинками, бородавками и далеко не идеальными пропорциями лица. Они показаны как есть, без лести и приукрашивания. Можно даже предположить, что у девушки характер более мягкий, чем у ее мужа. В этом зрителю помогает цветовая гамма, которую автор выбрал для каждого героя. Диптих обладает еще некоторыми интересными нюансами. Во-первых, он написан на двух сторонах и, вероятно, был соединен какими-то деталями, которые помогали ему открываться по книжному типу. На одной стороне диптиха пара изображена на фоне пейзажа, на другой – тот же пейзаж и персонажи, символизирующие моральные устои супругов, изображенные на аллегорических повозках. На повозке со стороны Баттисты находятся вера, надежда, милосердие и скромность, а управляют ею ангел и единороги – символ чистоты и супружеской верности. Со стороны Федериго на повозке расположились сила, правосудие, умеренность и осторожность. Также с обратной стороны диптиха присутствуют две надписи. Та, что рядом с Баттистой, гласит: «Той, что умела хранить чувство меры, имя которой в благоприятные времена не сходило с губ всех мужчин, боготворящей великого мужа и восхваляющей его деяния», а та, что в части Федериго, иного содержания: «Тому, кто, равно самым выдающимся кондотьерам, умел достойно держать скипетр, бессмертная слава добродетелей принесла грандиозный триумф».
Постепенно герои портретов все больше поворачиваются лицом к зрителям, а сами работы наполняются символизмом (что помогает понять личность изображаемого). Например, «Портрет Галеаццо Мария Сфорца» итальянского художника Пьеро дель Поллайоло. Он был миланским герцогом из династии Сфорца, который запомнился тем, что любил покрасоваться и уделял много внимания внешности: укладывал волосы, предпочитал роскошные наряды, не забывал про парфюм. Это хорошо видно при взгляде на портрет, что позволяет сделать вывод: на данном этапе изображение человека вышло за рамки религиозного контекста и не остановилось на том, чтобы просто зафиксировать реальность. Оно обрело смысл.
С расцветом эпохи Возрождения к смыслу добавилась красота. Она пришла в изображение человека и искусство в целом вместе с работами Сандро Боттичелли. Обратим внимание на его «Портрет молодого человека с медалью» (1575) – всего четыре года разницы с работой Пьеро, а какой прогресс. Перед зрителем предстает изображение красивого, но не идеализированного юноши, поскольку его пропорции и черты лица не вписываются в «канон». Он красив не глазами или губами, не нарядом или медалью, которую демонстрирует. Его красота идет изнутри. Можно сказать, что она скрывается в поступках или добрых делах, которые недоступны зрителю, но он о них догадывается. Еще одно нововведение в изображении человека, сделанное Боттичелли, скрывается в его работе «Рождение Венеры». На ней представлена не просто прекрасная богиня Венера (ее изображали еще в Античности), а богиня, прототипом которой стала реальная девушка – Симонетта Веспуччи. Нельзя утверждать, что она выглядела именно так, как на картине (фотографий в те времена не было), но о ее реальности говорит хотя бы тот факт, что пропорции девушки далеко не идеальны, а врачи даже усмотрели в них следствие туберкулеза, от которого и умерла Симонетта. Важно и то, что эта работа — одно из первых произведений искусства со времен Античности, где обнаженная реальная девушка написана вне религиозного контекста (об этом чуть позже).
Пьеро делла Франческа. Портрет Федериго да Монтефельтро и Баттисты Сфорца. 1472 год
Пьеро дель Поллайоло. Портрет Галеаццо Мария Сфорца. 1471 год
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1485–1486 годы
Апогеем развития изображения человека стал портрет Леонардо да Винчи «Мона Лиза» («Джоконда»). Феномен популярности этой картины до сих пор остается загадкой, но с точки зрения сочетания всех деталей, о которых говорилось ранее, ее можно считать образцом, вобравшим в себя их все.
Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503 год
Понятие «портрет» не впервые встречается на страницах этой книги, но мы так и не дали ему определение. Портрет – жанр изобразительного искусства, в котором художник изображает человека или группу людей. Независимо от стиля, в котором написан портрет (будь то «Джоконда» Леонардо да Винчи или девушка из геометрических фигур Пабло Пикассо), он всегда стремится передать не только максимальное сходство с моделью, но и какую-то ее личную особенность. Если говорить об особенностях жанра, то портрет регулярно претерпевал изменения в зависимости от мастерства художника и даже от моды. Поэтому у данного жанра нет строгих критериев и существует множество типов.
Портрет бывает головной, погрудный, поясной, победренный, оплечный, поколенный, ростовой. Также портрет можно разделить по повороту головы: анфас, вполоборота, в три четверти, в профиль. Можно обозначить виды – парадный и камерный, а также типы – религиозный, исторический, аллегорический, мифологический, костюмированный, посмертный, семейный. Слово «портрет» в обиход ввел придворный историк короля Людовика XIV Андре Фелибьен, который хотел с его помощью отделить изображение человека от изображения животного.
От теории снова вернемся к практике и отметим, что в дальнейшем художники старались найти новые способы передачи реалистичности в изображении человека, а само изображение регулярно менялось и зависело как от мастерства художника, так и от моды. Пресытившись гармонией Возрождения, мастера захотели сделать работы более выразительными и эффектными – так в искусстве начался период маньеризма, а в изображении человека появились изменения, например, в моду вошли немного удлиненные тела. Отличным примером может стать работа Пармиджанино «Мадонна с длинной шеей», где отчетливо видны вытянутые в длину пропорции тела как самой Мадонны, так и младенца на ее коленях. В работе Эль Греко «Святые Иоанн Богослов и Франциск Ассизский» на первый взгляд вообще нет ничего гармоничного, однако та непропорциональность, о которой говорилось ранее, придает картине бо́льшую выразительность и монументальность. Согласно предположениям исследователей, подобный сюжет – иллюстрация противопоставления церкви (ее символизирует кубок) и дьявола (представлен как дракон, выглядывающий из кубка).
