Kitabı oku: «Искусство в лицах: портреты эпох от первобытных времен до наших дней», sayfa 4

Криофор

В переводе с древнегреческого криофор означает «несущий барана». И перед нами и правда молодой юноша, который на своих плечах несёт барашка для жертвоприношения (рис. 36).

Жертвоприношение было очень важным моментом в жизни каждого грека. Греки были уверены – для того, чтобы бог помогал во всех делах, нужно с богом делиться, а жертва – это как раз угощение для бога.

С богом делились всегда, когда собирали урожай, – первые колосья приносили богу; перед каждым пиром нужно было обязательно плеснуть вино на землю – для бога. Мясо эллины ели не часто, но и в этом случае первым делом нужно было поделиться с богом и обязательно угостить жрецов и служителей храма.

Безбородый юноша с восточной причёской и всё той же архаической улыбкой символизирует бога Гермеса, который по легенде спас древнегреческий город от чумы, пронеся на своих плечах барашка вокруг городских стен. Было ли это на самом деле или нет, мы никогда не узнаем. Но мы знаем наверняка, что именно образ криофора повлиял на создание раннехристианского образа Доброго пастыря, который достаточно часто использовался в период формирования христианской иконографии. Зачастую сложно отличить языческое изображение криофора от христианского Доброго пастыря, настолько эти два образа бывают похожи друг на друга.

Рис. 36. Криофор. V в. до н. э.

Несмотря на пример с криофором, в целом в древнегреческом искусстве не так часто встречаются образы с животными.

Художники и скульпторы предпочитали обращаться к образу человека и бесконечно его совершенствовали. Для греческого скульптора образ человека остаётся главным на протяжении всей истории Эллады.

Рис. 37. Дельфийский возничий. Ок. 478 г. до н. э.

Именно в эпоху архаики греческий народ осознаёт себя как единое целое, греки понимают, что имеют один язык, общие ритуалы и одинаковых божеств. До этого периода разрозненные города-полисы вели друг с другом бесконечные войны. И именно в эпоху архаики в искусстве создаётся и закладывается всё то, что потом будет развиваться в следующую эпоху, так хорошо знакомую всем нам, – эпоху Классической Греции.

Дельфийский возничий

Эту статую нашли в конце XIX века, в 1896 году, в святилище Аполлона в Дельфах. Когда-то это была не просто статуя (рис. 37), а целая скульптурная группа, в которую входил сам возничий, выполненный в человеческий рост, колесница, запряжённая квадригой⁶ коней, и стоящий рядом мальчик-слуга. В отличие от прекрасно сохранившегося возницы, от мальчика, колесницы и лошадей сохранились только фрагменты, но мы можем себе представить, как красиво выглядело всё вместе (рис. 38).

В Древней Греции гонки на колесницах были излюбленным спортивным состязанием на Олимпийских играх, рассказ о колесничных бегах мы встречаем уже в «Илиаде» Гомера. Впоследствии колесничные гонки будут устраивать в Древнем Риме и в Византийской империи. Это было весьма захватывающее зрелище, хотя зачастую оборачивалось смертельным исходом для участников – самих возничих.

«Дельфийский возничий» относится к периоду ранней классики. Именно в классический период скульптура становится ведущим видом искусства, передача тела всё более и более правдоподобна, начиная с ранней классики, мастера обращаются не к мифам, а к реальной современной жизни.

Фигура возничего достаточно статична, её форма ещё не до конца освободилась от архаической застылости. Тяжёлые складки одежды делают возничего похожим на греческую колонну. Фигура спокойна и неподвижна, но всё же с архаическим куросом не сравнить – возничий выглядит гораздо реалистичнее, а на его идеальном лице уже нет архаической улыбки.

Рис. 38. Дельфийский возничий. 478 г. до н. э. (реконструкция).

Рис. 39. Дельфийский возничий (фрагмент). Ок. 478 г. до н. э.

Возничий словно смотрит на нас ожившим взглядом (рис. 39), такой эффект создаёт инкрустация глаз камнем, а его губы и орнамент повязки на голове были проложены серебром. Статуя возничего ценна ещё и тем, что это бронзовый оригинал, которых сохранилось не так много. В основном греческие статуи до нас дошли только в римских копиях, которые не всегда отличались высоким качеством.

Дорифор

Скульптура копьеносца, она же Дорифор (рис. 40), в оригинале не сохранилась, но до нас дошли её многочисленные копии. Дорифор относится к эпохе высокой классики, именно в этот период создавались образцовые шедевры, которым подражали художники Древнего Рима, эпохи Возрождения, классицизма и неоклассицизма. Да и в XX и XXI веках художники, скульпторы и архитекторы регулярно обращаются к классическим древнегреческим творениям.

Один из великих скульпторов классической эпохи Поликлет изобразил обнажённого атлета с идеальными пропорциями. Дорифор – это не какой-то конкретный человек, атлет или воин, скульптора интересовала задача изображения идеального атлетического тела. Искусство Поликлета лишено какой-либо эмоциональности, ему важно не столько содержание, сколько форма, возможно поэтому его работы нередко похожи друг на друга. Поликлет находился в поиске идеальной формы, идеальных пропорций, благодаря чему он создал прославивший его трактат «Канон». Статуя Дорифор (копьеносец) является воплощением этого трактата. В «Каноне» скульптор устанавливает совершенные пропорции тела, к которым до сих пор обращаются художники по всему миру. Путешествуя по Греции, Поликлету пришлось осмотреть и зарисовать значительное количество самых красивых атлетов.

После чего мастер пришёл к выводу, что в идеальном теле голова является одной восьмой высоты всей фигуры, лицо и кисть руки – одной десятой, а ступня одной шестой и т. д. Для каждой части тела есть другая для возможности определения идеальных пропорций. Кисть можно измерить фалангами пальцев, руку – кистью и т. д. Также Поликлет установил идеальные пропорции для человеческого лица, которое должно иметь три равные части – лоб, нос и губы с подбородком.

Рис. 40. Поликлет, Дорифор. 450–440 гг. до н. э.

Для эллинов идеальные пропорции тела – это не просто красиво, это воплощение гармонии и величия, жители Древней Греции преклонялись перед красотой и были убеждены: внешность – это отражение внутреннего и в человеке всё должно быть прекрасно.

В Дорифоре мы видим не только идеальные пропорции, которые, кстати, еще в античную эпоху считались приземистыми и тяжеловесными, античные критики и вовсе называли статуи Поликлета «квадратными». В Дорифоре мы видим такой важный приём как контрапост⁷. Копьеносец словно делает шаг нам навстречу, мы не можем сразу понять, стоит он или идёт. Тело атлета изображено в движении. Поликлет ставил перед собой именно такую задачу – изобразить движение в состоянии покоя. Это и было достигнуто благодаря контрапосту. Что же это такое? Контрапост – это приём изображения тела человека, при котором левая сторона тела противопоставлена правой: опирающейся, напряжённой правой ноге соответствует свободно свисающая правая рука, а свободной левой ноге – напряжённо согнутая левая рука.

Поликлет не открыл этот приём, скульпторы применяли контрапост и до Дорифора. Но в своём «Каноне» Поликлет объяснял им проблемы движения и провозгласил контрапост необходимой частью красоты.

Кариатиды

Эти грациозные и сильные фигуры девушек (рис. 41) украшают портик храма Эрехтейон на афинском Акрополе уже два с половиной тысячелетия. Высота стройных и спокойных женских фигур составляет 2,3 метра. Нам неизвестен скульптор, создавший кариатид, также мы не знаем, кто был архитектором самого храма. Но перед мастером стояла сложная задача – сохранить изящество женских фигур и в то же время придать статуям прочность, ведь они являются опорами антаблемента.

Кариатиды напоминают нам архаические статуи кор, о которых мы говорили выше. И несмотря на то что храм Эрехтейон является единственным в своём роде памятником, не имеющим аналогов, такой приём, как замена колонны на статую девушки-коры, встречался в древнегреческой архитектуре и до постройки уникального храма. Но изящные кариатиды Эрехтейона являются самым совершенным воплощением данного приёма.

Рис. 41. Портик Эрехтейона. 421–406 гг. до н. э.

Кого же изображали эти прекрасные статуи-колонны? Кариатиды Эрехтейона символизируют юных служительниц культа богини Афины, которых ежегодно выбирали из лучших афинских семей для изготовления священного пеплоса – это женская верхняя одежда без рукавов, но с большим количеством складок. Девушки должны были укутать древнюю статую богини Афины в изготовленный ими пеплос, а затем принять участие в таинственных обрядах, связанных с культом богини.

Эрехтейон был местом хранения древней статуи Афины, а название храму было дано по имени одного из древнейших царей Афин – Эрехтея.

Шесть кариатид портика Эрехтейона стоят естественно и уверенно, складки длинного пеплоса кариатид напоминают нам каннелюры колонн (рис. 42). У кариатид Эрехтейона не сохранились руки, и долгие века никто не знал, как они были выполнены.

Афинский Акрополь пережил множество переделок и разрушений: в 267 году на город напали готы, с VI века Афины становятся рядовым городом Византийской империи, великий Парфенон превращается в церковь Святой Софии, а изящный Эрехтейон в церковь, посвящённую Богоматери. В 1456 году Афины захватили турки, на этот раз Парфенон стал мечетью, храм Эрехтейон превратили в гарем турецкого правителя Афин. В 1687 году во время войны турок с венецианцами в Парфеноне оборудовали пороховой склад, который был беспощадно взорван запущенным венецианцами ядром. Главному храму афинского Акрополя был нанесён колоссальный и непоправимый ущерб. Но и это ещё не всё, в начале XIX века английским послом шотландского происхождения лордом Элджином из афинского Акрополя вывезли в Великобританию огромное количество архитектурных и скульптурных фрагментов и статуй, в том числе одну из кариатид Эрехтейона, в портике её заменили гипсовым слепком. «Чего не сделали готы, сделали скотты» (то есть шотландцы⁸), – так о варварских действиях лорда Элджина выскажется английский поэт-романтик Джордж Байрон.

Рис. 42. Колонна с каннелюрами. Храм Зевса Олимпийского. VI век до н. э. – II век н. э.

Возможно, мы бы никогда не узнали, как выглядели кариатиды изначально, но и здесь нас спасли римские копии, которые были найдены в 1952 году на вилле страстного поклонника греческого искусства римского императора Адриана. Теперь нам известно, что левой рукой кариатиды касались края одежды, а в правой держали сосуд для жертвоприношений.

Афродита Книдская

Афродита Книдская (рис. 43) – одна из самых знаменитых скульптур эпохи поздней классики и первая скульптура обнажённой женщины в Древней Греции, созданная Праксителем – мастером обнажённого тела. Оригинал до нас, к сожалению, в очередной раз не дошёл, статую во время Византийской империи вывезли в Константинополь, а там она погибла при пожаре. Мы знаем эту статую по описанию античных авторов, изображению на монетах и многочисленным римским копиям, опять же не самого высокого качества.

Пракситель не раз обращался к теме Афродиты, правда он не сразу решился показать женское тело обнажённым. Но именно Афродита Книдская стала самым прославленным произведением мастера. Рядом с Афродитой Пракситель изобразил сосуд с водой, а в её руках – ткань, показывая, что богиня не просто стоит перед нами, демонстрируя своё прекрасное тело, а словно готовится войти в воду или, наоборот, только что из неё вышла. Считается, что Пракситель решился изобразить полностью обнажённое женское тело, только оправдывая сюжет купанием богини.

Древнеримский писатель Плиний Старший в своём сочинении «Естественная история» называет Афродиту «самой замечательной статуей не только Праксителя, но и во всём мире».

Также Плиний рассказывает историю её появления: «Пракситель сделал две статуи Афродиты на выбор. Одну из них, одетую, предпочли коссцы как более целомудренную и возвышенную. Другую же, которую коссцы отвергли, приобрели книдяне, и она сделалась безмерно знаменита. Царь Никомед, желая купить у книдян статую Афродиты, предлагал освободить их от всех долгов, которые были огромны, но книдяне отвергли его предложение, предпочтя удержать статую». Ещё бы, ради того, чтобы увидеть обнажённую Афродиту, на остров Книд приплывали со всей Греции. Более целомудренная Афродита с острова Кос также не дошла до наших дней, мы знаем о ней лишь по изображениям на монетах.

Рис. 43. Пракситель. Афродита Книдская. Реплика из коллекции Людовизи. I в. до н. э.

Рис. 44.Голова Александра Македонского. Копия с оригинала Лисиппа. IV в. до н. э.

В период поздней классики появляются скульптуры не только идеальных атлетов и богинь, создаётся новый тип скульптуры, где человек изображается более утончённым, изящным и даже поэтичным.

К этому времени эллины устали от постоянных войн, Афины и Спарта бесконечно воевали за первенство на политической арене, втягивая в гражданские войны соседние полисы. Общий упадок и усталость отражаются и на искусстве: дух героя постепенно ослабевает, искусство отходит от героизации, мастер пытается уловить и передать индивидуальность изображаемого.

Александр Македонский

Мастер Лисипп, создавший скульптурный портрет Александра Македонского (рис. 44), был придворным скульптором полководца. Известно, что Лисипп начал создавать скульптурные портреты Александра, когда тот был ещё ребёнком, а воспитателем будущего полководца был греческий философ Аристотель.

Во время обширных завоеваний Александра Македонского греческая культура распространяется на огромные территории, в то же время заимствуются традиции других культур. Например, заняв трон египетских фараонов, Александр не побоялся объявить себя богом, и в эллинистическом Египте создавались многочисленные статуи полководца в образе местных божеств.

Эпоха эллинизма в искусстве наступает после смерти Александра Македонского, когда огромная империя распалась и была поделена его ближайшими соратниками на несколько областей.

Скульптура в этот период становится всё более сложной и максимально реалистичной, появляется всё больше динамики, индивидуализма, напряжённости. Именно к этому периоду относятся такие шедевры, как Венера Милосская и Ника Самофракийская.

Когда-то на одном из греческих островов Ника Самофракийская была установлена на отвесной скале, она стояла над морем, открытая всем ветрам, и встречала морских путешественников своим величественным видом. Это и сейчас не сложно представить, несмотря на то что у богини не сохранились руки и голова.

Рис. 45. Александр Македонский на Буцефале. I в. до н. э.

В эпоху эллинизма, благодаря Александру Македонскому, зарождается традиция изображения царя, в частности царя на коне (рис. 45). Иконография⁹ правителя на коне будет успешно использоваться римлянами для изображения императоров; в эпоху Возрождения и вплоть до XIX столетия каждый правитель, в том числе и Российской империи, считал необходимым увековечить себя на коне: вспомните «Медный всадник» Петра I.

Отдыхающий боксёр

Этот бронзовый памятник эллинистического периода (рис. 46) является оригиналом – редкий пример для греческого искусства. Боксёр сидит в непринуждённой позе, он явно устал, распухшее после боя лицо покрыто шрамами.

Рис. 46. Статуя отдыхающего боксера. I в. до н. э.

Рис. 47. Старый рыбак. II–I вв. до н. э.

Кулачные бои входили в программу Олимпийских игр, и хотя победитель получал в награду только венок (в Олимпии оливковый, в Дельфах лавровый), этот приз считался самым заветным. Потому что венок на голове спортсмена как бы сообщал окружающим, что теперь этот человек – любимец богов. И действительно, в честь победителя устраивали масштабные праздники и воздвигали величественные статуи. Греки обожали Олимпийские игры, и, несмотря на жару и давку, в которых проходили состязания, люди толпами приходили поглазеть на очередные соревнования.

Эллинистический период в истории греческого искусства отличает необыкновенная эмоциональность и индивидуальность, которая начинала зарождаться ещё в период поздней классики. Именно в эпоху эллинизма личные идеалы становятся важнее общественных, осознаётся ценность отдельно взятой человеческой жизни.

В эпоху классики с её патриотичными воинами и героями, идеальными формами и выверенными пропорциями мы бы никогда не встретили настолько естественное изображение, как этот боксёр, а эллинизм в искусстве – это полное правдоподобие: скульптура эпохи эллинизма нам легко показывает человека уставшего, разочаровавшегося, скульптура становится максимально реалистичной за всю историю искусства Древней Греции – появляются изображения детей, стариков и старух (рис. 47).

Лаокоон

Согласно древнегреческому мифу, во времена Троянской войны Лаокоон был жрецом в легендарной Трое. Он предсказал гибель Трои, просил троянцев не пускать в город деревянного коня, подаренного врагами, и даже метнул в него своё копьё. За что боги разгневались и послали двух огромных змей, они тут же приплыли по морю и задушили Лаокоона вместе с его двумя сыновьями. Троя, согласно предсказаниям Лаокоона, погибла от троянского коня, в котором сидели самые лучшие воины противника.

Рис. 48. Лаокоон и его сыновья. 40–30 гг. до н. э.

Скульптор изобразил момент трагической борьбы жреца со змеями (рис. 48), один из сыновей Лаокоона продолжает борьбу вместе с отцом, а второй запрокинул голову назад, словно уже смирился с неизбежным проигрышем в этой неравной схватке.

Сюжет борьбы и гибели позволяет показать экспрессию, динамику и напряжение – всё то, что волновало скульпторов эпохи эллинизма. Фигура Лаокоона закручена в s-образном изгибе, такие изгибы в дальнейшем будут использовать мастера эпохи барокко, но это произойдёт только спустя полторы тысячи лет.

Несмотря на то что скульптура в эллинизме максимально реалистична, всё же греки и тут остаются верными себе – посмотрите на торс Лаокоона. Это всё то же идеальное тело классической Греции, хотя вообще-то Лаокоон мужчина в почтенном возрасте.

Эта скульптурная группа была найдена в Риме в 1506 году. Увидев Лаокоона, великий Микеланджело воскликнул, что это лучшая из всех когда-либо созданных скульптур. И если посмотреть на работы знаменитого гения Возрождения, мы увидим ту же динамику и мощь человеческих фигур. Так родился ничем не подтверждённый миф о том, что Лаокоона создал сам Микеланджело.

Древняя Греция пала от оружия римлян, и прекрасная сильная страна с многовековой историей, страна великих богов, мыслителей, скульпторов и поэтов превратилась всего лишь в одну из римских провинций. Но искусство Древней Греции оказало колоссальное влияние на искусство Древнего Рима, римляне восхищались греческим искусством, наряду с обычными ремесленниками римляне увозили в рабство скульпторов и художников, чтобы те создавали бесконечные копии прославленных греческих статуй, которыми богатые римляне так любили украшать свои роскошные загородные виллы. Образованные греки весьма ценились в качестве рабов, они занимались искусством и наукой, а римляне создавали все условия для такой работы. После падения Западной Римской империи территория Греции вошла в состав Византийской империи и памятники искусства вместо Рима стали вывозить в Константинополь. А с приходом христианства многие греческие храмы были превращены в церкви. Затем долгое время эта территория была частью Османской империи, и только лишь в 1821 году Греция обрела независимость.